Artes Visuais na UFRGS - Algumas notas sobre as aulas

MONITORIA ACADÊMICA 2010

2010-03-05T04:12:00.001-08:00

UNIVERSIDADE FEDERAL DO RIO GRANDE DO SUL

COLÉGIO DE APLICAÇÃO

PROGRAMA DE MONITORIA ACADÊMICA 2010

INSCRIÇÕES ABERTAS

MAIS INFORMAÇÕES NO SITE DO CAP ? www.cap.ufrgs.br

ARTES VISUAIS

Data da seleção: 08/03/2010

Horário: 14h

Modalidade da seleção: entrevista.

Número de vagas: Monitoria remunerada ? 01

Critérios que serão avaliados na seleção: disponibilidade de horário,
conhecimento da área, currículo resumido abordando experiências e
habilidades profissionais, interesse e motivação.

Performance Shima

2009-12-08T10:51:00.001-08:00

Performance Shima
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Teoria e Crítica

2009-09-24T07:45:00.000-07:00

agenda

A fotografia Plástica

2009-08-27T05:46:00.000-07:00

Foto V
A fotografia Plástica- de La Photographie Plasticienne, de Dominique Baqué. (Paris: Regard, 2000)

Algumas notas sobre a fotografia contemporânea

No campo da arte contemporânea, a “fotografia plástica” é uma modalidade que cada vez mais transforma-se na maneira pela qual os artistas escolhem para exprimir suas idéias, tal qual a pintura ou a escultura. Para defini-la, diríamos que ela não seria a fotografia criativa, tampouco a fotografia aplicada à publicidade, ou ao jornalismo. Trata-se daquele meio que os artistas utilizam, porém não apenas aquela que se inscreve em uma história supostamente purista e autônoma do meio, mas aquela que se entrecruza com as artes plásticas, participando do processo de hibridação generalizada das mídias e da abertura dos campos de produção.
Desde os anos 60, arte conceitual e fotografia nutrem afinidades- e a participação da fotografia continua se inserindo ativamente nesse processo de desconstrução do modernismo. A partir de então, em um campo fotográfico plural e heterogêneo, muitos críticos não deixam de se admirar do fato de que embora um bom número de artistas retrabalhem suas imagens fotográficas em imagem digital, existe uma falta de reflexão sobre a passagem do meio analógico (fotografia de prata) ao digital. Isto porque esse autor, embora com sua competência muito relativa sobre este tema, confessa seu ceticismo diante do deslumbramento pelo qual passa hoje a arte tecnológica. Mas este seria sem dúvida assunto para um outro ensaio. De qualquer maneira, o médium fotográfico começa desta maneira a se inscrever no campo da arte. A fotografia migrou de suas fronteiras tradicionais (o purismo) para o território da pintura.
Um outro risco aqui também reivindicado: aquele de tentar realizar um diagnóstico sobre a produção fotográfica mais contemporânea. Tentar avaliar o muito próximo e recente é algo perigoso. Por trás da desestabilização da arte na qual a fotografia tem sido o vetor, a presente reflexão se fecha sobre o abandono da forma que atestam as obras mais recentes, sob a “pobreza”- deliberadamente reivindicada- das imagens neste final dos anos noventa. Em definitivo, o paradoxo seria colocado em um ponto de extrema tensão: o médium fotográfico que, mais do que outro meio, sem dúvida, gostaria de se inscrever no campo da arte, não o faz de outra maneira que não seja a de minar obstinadamente as suas fundações. Corroento o seu interior. À fotografia, então. Ao risco da arte.
Antecedentes modernos: em 1968, a Land Art, através de uma exposição na Duran Gallery em Nova York, Richard Long, Sol Lewit e Dennis Oppenheim apresentaram através da fotografia seus trabalhos artisticos.
Em 17 de novembro de 1970 os artistas Otto Mühl e Herman Nitsh mostraram uma instalação denominada Sangue e Matérias Fecais em Colônia, Alemanha. Na ocasião, galinhas foram degoladas e seu sangue foi misturado com fezes e o produto foi espalhado pelo corpo de nudistas. Os artistas documentaram fotograficamente todo o evento.
Em 1973, Gina Pane coloca espinhos de rosa em seu braço, durante uma performance chamada de Ação Sentimental. Em 1974, durante outra performance intitulada Ação Melancólica, ela corta partes da orelha com uma lâmina de barbear , ações são registradas por fotos. O médim fotográfico é sempre presente. São novos modos de agir artisticamente.
A noção de evento surge com uma forte dimensão expressiva e conceitual.
O CORPO torna-se ele próprio um médium e um MEDIADOR: o corpo em seu estado puro, fora dos padrões sociais, como uma força da natureza, uma busca da força primária do corpo, mesmo através do sofrimento, uma espécie de reinvenção do corpo dentro de uma sociedade industrial avançada como a européia, onde alguns países tem as suas contas a acertar com o holocausto. Aí entram estes EXORCISMOS coletivos, os ritos de sacrifício onde o corpo deva renascer- desejos irracionais , excrementos, vísceras, suores, sangue.
Uma teatralização dos ritos sagrados, uma arte de ATITUDES, onde a fotografia joga um jogo duplo: ela entra como DOCUMENTAÇÃO ou como a PRÒPRIA OBRA.
O médium fotográfico de qualquer forma participa como documentário, mas também como integrante do projeto na sua CONCEITUALIZAÇÂO e em seu modo de exposição.
O ATO FOTOGRÁFICO se integra ao trabalho, como nos percursos urbanos de Richard Long. As fotos não se contentam em mostrar a paisagem, mas de traduzir uma modalidade de espírito e uma sensibilidade do caminhante. A VISIBILIDADE da obra mostra-se sob a forma de uma fotografia.
Gina Pane, ao recortar ou cortar bonecos- reproduz seu próprio corpo por contato ou impressão, utilizando o sofrimento para realizar uma reinvenção do corpo e a sua própria pele como película fotográfica

Há uma passagem de conceito de Obra Pobre – pobre como a verdade- uma imagem pobre, frágil, precária, testemunha, para a de tornar a obra ela própria pobre, indo da pobreza à necessidade, abrindo o campo a uma certa antropofagia, à contaminação e à hibridação.
Podemos situar algumas fontes comuns na fotografia contemporânea: Uma fotografia escrita na primeira pessoa, que se compara á uma história pessoal, icônica , e outra que reivindica as coisas, destinada a restituir a factualidade das coisas.

A DESCONSTRUÇÃO DO MITO DO INSTANTE DECISIVO de Cartier-Bresson- que seria o instante absoluto, o acontecimento reconstituído na plenitude de seu ato, é seguidamente abordado, pois a fotografia plástica opõe-se à fugacidade do instante decisivo. Ela situa-se fora do tempo.
Enquanto a foto jornalística é feita comumente em PB, a fotografia plástica é colorida e em grande formato- há uma opção pela POSE, pela CONSTRUÇÂO, uma prática das CITAÇÕES, do maneirismo kitsh, a fascinação pelo simulacro, pelo teatro. A fotografia exerce sua fascinação pelo fetichismo ao objeto.
Nas atitudes de apropriações, mestiçagens e hibridações, poderíamos falar de um certo Neo-Pictorialismo, um retorno ao pictórico em fotografia. À sua maneira, este pictorialismo contemporâneo perpetua as mesmas características do fim do século XIX- a acentuação da importância do trabalho da mão, a reapropriação de técnicas anteriores, o uso do pincel- como se a fotografia dissesse a cada momento: eu não sou uma fotografia, para chegar ao campo das artes plásticas- ao estatuto da obra. Uma restauração da aura, uma reabilitação da mão.Seria uma atitude pós-moderna contra o dogma de pureza dos médiums O modernismo acreditava na existência de uma essência tanto na pintura como na escultura e na fotografia. Já a pós-modernidade, acontece a hibridação.
A FOTOCOLAGEM, que começou com a pintura, estendeu-se à fotografia, ela própria considerada como um FRAGMENTO da realidade- trata-se da estética do fragmento- e uma tentativa de troca entre a foto, a pintura e o desenho- uma dialética da desconstrução e da reconstrução.
As experiências fotográficas elaboradas a partir de imagens cinematográficas exaltam os momentos de ausência- a INTERFACE do cinema e da fotografia como Allan Fleischer. Desde o seu nascimento, as imagens animadas do cinema nos fazem sonhar com uma tela que não seria insensível às nossas marcas, a nossos toques como uma tela branca de pintura – uma tela que tudo fixaria
Annete Messager , por sua vez, propõe a instalação quase arquitetural da fotografia- apropriações de pedaços de corpos os outros, uma espécie de FETICHE: Vejamos sua declaração: ”O corpo existe de um modo muito próximo ao fragmento. Quando se vai à um médico, por exemplo,se diz: estou mal do pé, estou mal da cabeça. Não se fala do corpo em sua totalidade. Diz-se também que se está mal de amor. Eu gosto destas imagens do corpo que possuem qualquer coisa de mórbido mas que ao mesmo tempo se descobre o contrário, quer dizer qualquer coisa de alegre. Gosto também de misturar elementos que não tem nada a ver. A fotografia , sendo sempre ligada a um momento preciso, é temporal, enquanto que a pintura parece de alguma maneira suspensa do tempo. Esta espécie de incompatibilidade que me interessa”.

A foto realiza a desconstrução do modernismo, por causa da natureza do médium fotográfico: sua capacidade de reproduzir , repetir e serializar, mas também de fazer balançar esta noção de autor, de obra e de originalidade. A fotografia é o médium mais propício para desconstruir esta noção de autor

No trabalho de Cindy Shermann, não há mais o “eu”- há uma espécie de identidade coletiva, na qual cada um poderá, como dentro de um reservatório de possibilidades infinitas, ser. Não há a verdadeira Cindy Shermann nas fotos, há as diversas aparências que ela assume.

Em Christian Boltansky, há um trabalho na desconstrução do sujeito, na não-história. A perda do “eu”, o que é sempre fraco, parcial, mentiroso, banal, estereótipo, sem consistência, suscetível de se apagar, de se diluir na massa. Um eu consistente, intercambiável ao infinito- de onde nasce a fascinação pelos álbuns:
Fotos de férias de uma família desconhecida que, através da numeração, destrói a noção de uma identidade pessoal e a substitui por uma proliferante e canibal IMAGEM COLETIVA- os álbuns de Boltansky terminam com a mitologia do singular, propondo uma espécie de troca indiferenciada de caras e de histórias.
Por isso buscamos imagens estereotipadas e suficientemente imprecisas para que elas sejam o mais comum possível- imagens “flou” (borradas) para que o espectador possa imaginar – estas imagens funcionam como lugares-comuns- lugar onde nós podemos nos reencontrar, nos reconhecer- no banal, no conveniente.
Um simulacro de identidade pessoal onde uma série de ‘lutos’se realizam na fotografia atual, a destruição da aura, a destruição da função de autor, o vacilamento do sujeito. Vê-se a busca de uma fotografia de anti-herói, do banal- busca do banal do pobre- estética do banal que se cruza com a prática do vídeo em busca de um diário intimo formado de fragmentos do real.
O início do corpo teórico
Nascida antes do cinema, a fotografia ingressou no universo da arte muito mais tardiamente do que este último. E com uma outra desvantagem: enquanto que logo em seguida um discurso teórico e crítico tomou a linguagem do cinema a seu domínio, onde nunca faltaram textos para analisar e defender a sétima arte, ao inverso, a fotografia tinha recém surgido e já enfrentava controvérsias às vezes violentas, às vezes brilhantes, como a surgida no Salão de 1859, com Beaudelaire. Condenada então a não passar de uma humilde serva das artes e da ciência, a fotografia ficou por muito tempo relegada à condição de um medium secundário, que não merecia nenhuma reflexão, como se o pecado original que a acompanhava- uma arte surgida da máquina e não da mão do homem- não cessasse de acompanhar uma prática que- culpa do paradoxo, uma vez mais- não adquirisse seu primeiro status de arte se não fosse sob os auspícios do pictorialismo, este filho bastardo da fotografia e da pintura.
Significa dizer que se não levarmos em conta alguns textos-manifestos das vanguardas alemãs ou soviéticas, deveríamos esperar 1931, com A pequena história da fotografia de Walter Benjamin, depois 1936 com A Obra de Arte na Era da Reprodutibilidade Técnica para que enfim a fotografia fosse promovida ao status de objeto teórico e que, contra aquele que foi o impasse pictorialista, as determinações especificamente fotográficas do médium- objetividade, ausência de aura, seriação e reprodutibilidade- fossem claramente expostas e discutidas. Entretanto- e aqui há um novo paradoxo- os textos de Benjamin sobre a fotografia continuaram, de uma certa maneira, sem continuação, como se, a partir deles, tudo teria sido dito sobre a fotografia.
Ao mesmo tempo em que a fotografia entrava no campo das artes plásticas nos anos setenta, é importante reconhecer que o corpus teórico que os fotógrafos e críticos dispunham era limitado: além de Benjamin, anteriormente mencionado, podemos apenas consultar as tradicionais histórias da fotografia, além do hoje clássico Fotografia e Sociedade, de Gisèle Freund- que dedicou sua tese ao estudo da fotografia na França do século XIX- e os ensaios sobre a fotografia da romancista e ensaista americana Susan Sontag (sobre a Fotografia) publicada no The New York Review of Books em 1978 .Tanto em Gisèle Freund como em Susan Sontag podemos assistir a um enfoque teórico e sociológico da fotografia, e à uma reflexão sobre o estatuto, as funções e os poderes- notadamente morais, sociais e ideológicos, do médium. Mais ferramentas de reflexão do que uma verdadeira teorização da fotografia, tais textos não afiançariam realmente a emergência de uma fotografia que começava a se integrar nas artes plásticas.
De fato, a legitimação- pois certamente trata-se da legitimação que nos preocupamos- virá mais tarde: do encontro da fotografia com Roland Barthes, e de uma obra maior no contexto dos anos 80, A Câmera Clara (1980), modestamente denominada de anotações sobre a fotografia. Nós sabemos, Roland Barthes sempre preferiu a fotografia ao cinema, arte pela qual ele se mostrava pouco sensível, e seu interesse pela imagem fotográfica aconteceu progressivamente, certamente não sem contradições, até pelo uso da primeira pessoa que revela uma relação íntima e afetiva à fotografia que testemunhará a Câmara Clara. Seu último livro, com conotações testamentárias, precedido e preparado por uma reflexão desenvolvida trinta anos antes, através de A Mensagem Fotográfica (1961), Retórica da Imagem (1964) e Notas de pesquisa sobre quaisquer fotogramas de Einstein (1970), sem contar com os numerosos capítulos de Mitologias que convocavam, pouco a pouco, as referências fotográficas. O percurso teórico se fará então através de um enfoque semiológico, que analise os diferentes níveis do sentido da imagem, em direção à uma “fenomenologia desenvolta” que, fora dos conhecimentos constituídos, a chamará a uma subjetividade íntima, revolucionada como revolucionária, despida de uma ambição estruturalista, Colocada à nu, exposta.
Ainda faltaria, para medir ao tamanho de tal percurso e do desvio do questionamento, de voltar ao texto de abertura, A Mensagem Fotográfica, de 1961. Paralelamente ao progressivo estabelecimento da articulação texto-fotografia, é a própria matéria da fotografia que se vê levada em conta: Barthes analisa em toda a fotografia a “coexistência de duas mensagens, uma sem código e outra com código”. Mas o que seria o código aqui? Aquilo que Barthes denomina “a arte, o tratamento, ao a escrita, ou a retórica da fotografia”. Quanto ao fato de que existiria uma mensagem sem código, isto significa que, para o Barthes semiólogo de 1961 a imagem fotográfica apareceria para a compreensão como uma mensagem sem código, , de pura denotação. Em outros termos, , para passar do real à sua fotografia, não seria em nada necessário “recortar este real em unidades” e de “constituir estas unidades em signos diferentes substancialmente do objeto”. Barthes prende-se aí à uma tradição da imagem como um reflexo ou, no caso da fotografia, como uma impressão do referente.
Charlotte Cotton, em La Photographie dans l’Art Contemporain (Thames & Hudson) define a fotografia contemporânea por similiaridades estilísticas: 1-Como se fosse arte , artistas-fotógrafos que utilizam a fotografia para documentar performance e happenings. 2-Era uma vez- artistas que utilizam-se da dimensão narrativa da fotografia. 3- Neutra , caracterizada pela ausência de dramas ou hipérboles visuais, resultado de um olhar objetivo, e não o ponto de vista do fotógrafo, domina acima de tudo. Uma estética neutra, caracterizada pela linha de pesquisa da academia de Dusseldorf. 4- Intimidades, caracterizada nas relações pessoais e emocionais expressas pe,o meio fotográfico, com debates sobre a noção de originalidade, autor e veracidade. E 5- Reapropriações,, que trata da ampla questão da originalidade.

A Casa do Desenho

2009-07-29T19:01:00.001-07:00

A Casa do Desenho

Eduardo Haesbaert Fabio Zimbres Gelson Radaelli

Inaugura dia 30 de julho, quinta-feira, às 19 horas

Centro Municipal de Cultura Dr. Henrique Ordovás Filho

Rua Luiz Antunes, 312. Caxias do Sul. RS

31 de julho a 23 de agosto de 2009

segunda a sexta das 9h às 21h

sáb, dom e feriados das 15h às 21h

Parceria: Unidade de Artes Visuais da SMC de Caxias do Sul e Museu do Trabalho

www.caxias.rs.gov.br/centrodecultura/exposicoes.php

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Na Sala de Exposições do Museu do Trabalho:

Em cartaz até domingo, dia 2 de agosto, a mostra de desenhos

Estudos de Amplitude e outros Gestos

Gabriel Netto

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No Teatro do Museu:

Encerrada a temporada do espetáculo de teatro de dança "Corte",
com direção de Décio Antunes, o Teatro do Museu durante
o mês de agosto ficará em manutenções.

A primeira quinzena de setembro fica reservada para
atrações do 16º Porto Alegre Em Cena.

Na segunda quinzena de setembro e nos meses de

outubro e novembro, o espaço ficará a cargo
da Cia. Terpsí Teatro de Dança.

Em dezembro o teatro fica reservado para locações diárias,
para apresentações de fim de ano de escolas e grupos amadores.
Ainda há datas. Interessados em locar o espaço façam contato pelo
fone (51) 3227 5196. Terça a domingo pela tarde.

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Parceria Museu do Trabalho / Cerveja Coruja / StudioClio:

Projeto Quadro Branco

apresenta

Chiquinha

Abertura dia 17 de agosto, segunda, às 19h30

Café do Studio – StudioClio

Segunda a sexta, das 09h às 19h. Até 18 de outubro de 2009

Rua José do Patrocínio, 698. Cidade Baixa

Promoção: StudioClio

Realização: Museu do Trabalho

Apoio: Cerveja Coruja

Adiado reinício das aulas

2009-07-29T18:59:00.000-07:00

Reitor UFRGS

Prezado aluno,

A Universidade Federal do Rio Grande do Sul decidiu hoje, dia 29, adiar o início das atividades letivas do segundo semestre para o dia 17 de agosto, quando o assunto será reavaliado pela reitoria.

O calendário acadêmico será adaptado ao adiamento, sem prejuízo de conteúdos.

A medida foi baseada em recomendação do Comitê de Acompanhamento, Prevenção e Pesquisa da gripe Influenza da Faculdade de Medicina e do Hospital de Clínicas de Porto Alegre.

As atividades administrativas da universidade estão mantidas, mas a orientação aos docentes, servidores técnico-administrativos e alunos é de que procurem seguir as recomendações do Ministério da Saúde em caso de suspeita de gripe H1N1.

Estamos certos de que com esta medida estamos protegendo a saúde de nossa comunidade.

RUI VICENTE OPPERMANN,
Vice-Reitor, no exercício da Reitoria.

Lançamento do Livro da IdeaFixa

2009-06-19T11:20:00.001-07:00

Lançamento do Livro da IdeaFixa
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Não perca!

NDesign 2006

2009-06-17T06:44:00.001-07:00

IMG_8937
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Eu em Brasília

Primeiro Seminário de Projetos de Graduação em História, Teoria e Crítica

2009-06-17T06:38:00.001-07:00

Na quarta-feira da próxima semana (24/06) vai acontecer o Primeiro Seminário de Projetos de Graduação em História, Teoria e Crítica, cujo objetivo é difundir e divulgar os resultados das pesquisas desenvolvidas pela área de HTCA no âmbito da graduação. Deve ocorrer na Pinacoteca ou em outra sala do IA - logo essas informações serão divulgadas. O início está previsto para as 14h30 min. O final dessa atividade deve se dar por volta das 17h30 min. Peço encarecidamente a participação de todos. Trata-se de evento de suma relevância no contexto de atividades que privilegiam a produção discente no IA.

O evento é coordenado pela Profa. Ana Maria Albani de Carvalho.

História e crítica da arte: o debate crítico contemporâneo a partir de uma proposição.

2009-06-15T18:38:00.000-07:00

Maria Cristina Pereira de Souza - 00141830 Porto Alegre 2009

Texto de referência:
MAMMÍ, Lorenzo. À margem. Ars: publicação do Dep. De Artes Plásticas. da Escola de Comunicação e Artes da USP. São Paulo, Vol.1, n.3, 1º Semestre de 2004, pp.80-101.

Lorenzo Mammí inicia o texto diferenciando 3 fases da arte ocidental quanto a sua relação com o espaço ao seu redor. |Ele começa mencionando que na fase pré-renascentista a obra de arte tem o estatuto de coisa colocada em espaço comum, que é um objeto material e seu valor é determinado pelos materiais que ela compõe somado da qualidade do trabalho. Porém, podem ser acrescentados a esse valor outros valores, como por exemplo, de uma imagem sagrada, sem que esta segunda atribuição de valor dependa de procedimentos relevantes à execução da obra.

Na segunda fase, a fase renascentista, a mudança é radical, pois os artistas reclamam para si o estatuto de intelectuais e a obra se torna “coisa mental” que passa a ser um objeto ambíguo e pertence ao mesmo tempo a 2 lugares: o lugar físico enquanto coisa que ocupa um espaço real e um lugar mental enquanto forma de conceito e sendo assim inatingível. Essa transição de um estatuto a outro da obra de arte torna-se um problema, porém esse problema encontra solução nas molduras e pedestais renascentistas que assumem uma função autônoma administrando e graduando a transição da obra ao ambiente e vice-versa. As molduras tornam-se tão convencionais a ponto de não serem percebidas conscientemente e os pedestais dos conseguem afastar a obra do espaço comum.

Na terceira fase, a do modernismo com a pintura invadindo a moldura ou com o desaparecimento da moldura, os mecanismos de proteção das obras de arte enfraquecem, pois com o pensamento moderno separando a realidade material da realidade espiritual, a obra fica desamparada do mundo e seu estatuto de coisa especial é ameaçado. Para manter esse estatuto seria necessário extrair da própria obra a estranheza em relação ao seu espaço comum ou fazer especial a maneira como a obra será apresentada.

Greemberg em sua defesa da autonomia da arte levantou o problema quando apontou para a ambigüidade da pintura moderna, para a materialidade declarada por um quadro moderno e sua recolocação no mundo. Todavia, aponta também que esse quadro é ao mesmo tempo uma imagem plana, radicalmente bidimensional, e, portanto um espaço que se opõe ao espaço natural. Greemberg observa que a planaridade da pintura cubista obrigava a composição a se afastar da bordas do quadro, condensando-se no centro da tela de maneira a disfarçar a passagem entre espaço pictórico e espaço natural. Tentando evitar esse problema, a escola de Nova York tem uma solução alternativa derivada de Monet. Na superfície expandida de Pollock, Rothko e Barnett Newman, já não há mais uma escala comum entre visão de longe e de perto. As bordas são levadas até o limite de nosso campo visual.

Segundo Michael Fried, uma maneira mais sutil de lidar com as margens seria tornar o formato do suporte e o contorno da pintura, reciprocamente dependentes, fazendo parecer que um deriva do outro e vice-versa. É o que se pode observar nas obras de Frank Stella. Antony Caro, por sua vez, inspirado nas pinturas de Matisse, Picasso e Mantegna, faz sua obra em uma série de esculturas de figuras fragmentadas e planares, independentes entre si, de acordo com o ponto de vista do espectador. Nenhuma das figuras pode aspirar separadamente o estatuto de verdadeira forma do objeto e assim como as coisas pintadas não compartilham nosso espaço, estão em outro lugar que podemos olhar e não tocar apesar de continuar sendo algo tridimensional, que se apóia num plano que é real. Esse plano, então, torna-se o problema que na pintura é encarnado pelas bordas. A que espaço pertence esse plano? Ao da obra ou ao nosso?

Quando Antony Caro começa a trabalhar com esculturas menores, coloca-as em pedestais e deixa sempre um ou mais elementos caírem para além do plano de apoio, cercando-o de maneira a torná-lo insubstituível apesar de ser real, ainda que a escultura a trate como uma representação.

Na comparação que o autor faz entre Antony Caro e Hélio Oiticica, diz que seus caminhos se cruzam apesar de partirem de intenções e sensibilidades opostas. Oiticica parte da pintura, mas quer expandir o plano pictórico no espaço trazendo o mundo para dentro da pintura enquanto que Caro, ainda raciocinando em termos da autonomia da arte, quer trazer para dentro da pintura a obra de arte tridimensional.

Na luta para a afirmação de um espaço específico da obra de arte, não é só a obra que muda de aspecto, o lugar também sofre modificações. Na medida em que a arte modernista madura chama a si a responsabilidade dos contornos da obra, torna-se necessário que o lugar ao seu redor seja totalmente sem expressão, para que não interfira no quanto do caráter objetual da tela o artista queira tornar evidente para o observador. O espaço da galeria passa a representar o espaço natural.

Rosalind Krauss, discípula de Greemberg, abordou a questão das bordas partindo de um ponto de vista oposto ao de Fried. Ela recua no tempo até o embate entre cubismo, surrealismo e dadaísmo e transfere o problema para o interior da imagem. No cubismo e dadaísmo a descontinuidade entre um elemento e outro, transforma a percepção em um sistema de signos. A percepção da imagem torna-se semelhante à leitura de um texto, sem que haja apreensão instantânea da imagem inteira. No surrealismo a passagem de um fragmento e outro é a mais fluida possível. A distinção entre espaço real e espaço imaginado não é observada imediatamente, mas há uma impossibilidade lógica que nos obriga a separar mentalmente algo que se apresenta num contínuo.

Analisando a produção de Giacometti da década de 1930, Krauss observa que a estrutura de ferro que enquadra o gesso Bola-suspensa (1930-31) é ao mesmo tempo sustentação, palco e parte da escultura. Giacometti, já nos meados da década de 1920 intuía que era necessário reconstruir o espaço da obra. Ele elaborou uma obra que carrega seu próprio espaço e, portanto não pode ser mal exposta. Já os surrealistas e dadaístas inventaram modalidades de exposições que conferem sentidos artísticos a objetos incoerentes ou banais e esses objetos se forem mal expostos podem se desfazer ou voltar à banalidade como, por exemplo, os readymades.

O cenógrafo teatral austríaco Friedrick Kiesler já defendia, na década de 1920, uma idéia de espaço ilimitado abolindo o espaço entre palco e platéia (Teatro sem fim 1923-4). Aplicando esses conceitos passou trabalhar em Nova York com as vitrines das lojas Saks onde usava recursos de iluminação e cenografia de modo a criar uma aura que circundava poucos objetos isolados. Mais tarde Kiesler colaborou com exposições surrealistas usando recursos cenográficos bem próprios do universo surrealista. Já o cubo branco das galerias não é tanto uma cenografia, quanto um signo e nasceu da exigência de uma obra de arte que pretende resolver a questão do espaço dentro de seus próprios confins. Esse tipo de sala construída para ser neutra, tornou-se, um valor em si: indica de antemão que o objeto que está nela é uma obra de arte, capaz de proporcionar uma experiência estética que exige certo silêncio. Em relação ao minimalismo pode-se dizer que seja necessário que as obras estejam dentro do cubo branco da galeria ou em condições especiais. As obras minimalistas precisam de um lugar que as qualifique de um espaço que as transforme em obra.

O cubo branco da galeria alcançou o máximo de seu poder na época da Pop e do Minimalismo, porque foi nessa época que o estatuto de obra de arte enquanto objeto especial começou a ser questionado. A aura já não emana naturalmente do objeto, depende de uma série de operações entre as quais está a colocação em um espaço destinado institucionalmente à arte. E se é o espaço que detém o valor da obra então o objetivo do artista será sua ocupação.

Saindo da galeria, a geração de Richard Serra e Robert Smithson abordou os espaços mortos, invisíveis por falta de sentido, embora estejam debaixo de nossos olhos. E nesse contexto a questão do espaço da arte se transforma em uma questão de lugar. Nas décadas de 19760 e 70, época de ouro das exposições de massa de arte de vanguarda, não é mais possível utilizar um espaço neutro que valha para todo o tipo de intervenção artística. O espaço de exposição passa a se não mais as galerias dos museus, mas sim as cidades ou as regiões. A figura do colecionador que guarda suas obras em casa torna-se obsoleta, assim como os espaços dos museus que não tem mais como guardar as obras contemporâneas.

Na década de 1980, com a volta à pintura o lugar da arte volta a ser o sujeito, mas um sujeito invadido, mera produção bidimensional de uma multidão que desapareceu e abre espaço para o desaparecimento do lugar, o desaparecimento do espaço da arte enquanto lugar público. Um exemplo desse desaparecimento é dado por um estilo de montagem que usa salas muito escuras, em que apenas o objeto exposto é iluminado. A obra é fruída individualmente, com uma intensidade quase hipnótica e sob o ponto de vista da arte contemporânea impede que a obra manifeste seu mal-estar para com o espaço – mal-estar que reside, ao menos em parte, seu significado.

A fotografia contemporânea se encontra numa situação parecida no que diz respeito às bordas, pois é um enquadramento e não há como aboli-lo. Porém, a função do enquadramento pode ser suprimida de certa forma. Com a não existência do punctum, a imagem perde também seu sentido de hierarquia entre as partes que a compõe. E se não há, no enquadramento, algo que reclame particularmente a atenção, todo o ponto da foto tem a mesma importância. A imagem sugere um espaço real recortado pelo enquadramento, como se fosse extraída de uma película cinematográfica ou de um vídeo. A fotografia perde então a função de pôr então em contato um sujeito com um objeto distante, e se torna uma superfície coberta de signos e códigos a serem decifrados. E se ela se torna coisa, sua modalidade de apresentação passa a ser relevante: colocado no espaço de exposição muda de significado dependendo do tamanho, moldura ou posição.

A obra de arte passa a se diferenciar do objeto comum, não por um acréscimo, mas por uma subtração de significado e a época contemporânea por sua vez promoveu a transformação de todo objeto em signo. Os lugares deixaram de ser espaços físicos, para se tornar pontos de rede de comunicação e nessa situação o que coloca a obra à margem do sistema produtivo, já não é seu caráter mental, mas sua substância de coisa, a impossibilidade de ser reduzida a mero signo. A abertura para um campo de leitura mais amplo, que inclua signo e coisa, se dá graças a uma frustração. O lugar próprio da arte se instala a um passo da insignificância.

Maria Cristina Pereira de Souza - Porto Alegre 2009

Teoria e Crítica - Sobre a questão 3

2009-06-09T14:32:00.000-07:00

Resposta da questão 3 da prova:

Em principio Greenberg caracterizava o kitsch como arte acadêmica e vice versa. Para justificar isso ele aponta a falta de independência como síntese dessa produção, já que o kitsch é produzido dentro de alguns cânones especificamente ditados pela cultura de massa e pela academia. No geral a produção kitsch não passa de simulacros academicizados pela cultura genuína. Ainda a esse respeito pode-se dizer que essa produção é fruto da revolução industrial, e portanto, o seu valor mercantil é baixo favorecendo a disseminação entre as culturas de massa. O kitsch imita o efeito, entrega a obra digerida ao espectador tornando-a assim popular.
Já a vanguarda busca a independência se movendo e ultrapassando limites impostos pela cultura e pela academia, e se especializando nela mesma. Talvez por esses motivos a vanguarda se distancie das culturas de massa, já que exige de seu espectador um grau mais elevado de discernimento intelectual que ocorre com mais freqüência nas camadas elitizadas.
A desqualificação da arte acadêmica por Greenberg se dá pelo fato de que para ele a arte deve ser autônoma.

Eduardo Silveira

Teoria e Crítica - Questão 1

2009-06-09T14:31:00.000-07:00

Se considerarmos a crítica de arte como um ramo autônomo, como ela o é de fato, talvez não se possa falar em consenso estético como uma elucidação comum, porque isso seria reduzir a crítica a um saber auxiliar à arte, assim descaracterizando-a. Isso é especificamente complicado no Brasil, dada a dificuldade em inserir a obra em um contexto que já é naturalmente complexo (por aliar elementos os mais diversos, tais como constitutivos (modalidades) e temporais (épocas, fases), entre tantos outros em menor ou maior intensidade), situação visível nas tentativas de depurar e assentar o impacto que certos trabalhos individuais causam.
Por outro lado não se pode negar que haja certas convenções e opções que se estabelecem não somente no cenário contemporâneo como – e principalmente – no histórico. Mas seria exagero associar isso a um belo kantiano ou mesmo ao tratamento analítico dos elementos próprios da arte, uma vez que isso já é insuficiente, como pode representar a falência do modernismo enquanto elemento diretor de genuinidade artística.
Ao pensar em boa e má pintura, Ronaldo Brito fala em (2005, p. 227) “coerência intuitiva integral”, que, embora talvez eu tenha abusado de certa liberdade ao recortar tal termo de seu contexto, parece-me significar que já não é possível estabelecer métodos, padrões ou o que o valha num âmbito que não seja um menor e mais específico, ora o trabalho em si, ora o artista, ambos logicamente relacionados entre si e fatalmente com o resto, entendendo “resto” em suas variadas dimensões (a produção contemporânea, a sociedade, a humanidade). Pois é impossível (e cada vez mais) isolar a atividade artística. Embora esta afirmação entrelace o trabalho a algo maior, paradoxalmente dá a ele a possibilidade de criar suas próprias regras.
Assim, o consenso estético talvez resida no nível de relacionamento: é uma questão de linguagem. Grosso modo: é como falar a mesma língua, mas não por isso deixar de preservar sua posição em relação ao que é falado, ou seja, usar diferentemente esta linguagem comum. A incógnita sobre o objeto, a tensão de toda a grande arte (como diz Brito, 2005, p. 225) deve sempre permanecer (De Duve), embora se devam traçar caminhos interpretativos e conceituais em direção de ida e de volta e em volta de tal objeto.

João Grando

Teoria e Crítica

2009-06-09T11:37:00.000-07:00

Resuma a teoria apresentada por Baudelaire no texto “Sobre a modernidade: o pintor da vida moderna”.

No texto “Sobre a modernidade: o pintor da vida moderna”, Charles Baudelaire define um perfil do pintor moderno, elege um artista como exemplo de sua teoria e discorre sobre as características da arte na modernidade.

Sua teoria começa com a definição do belo como elogio do presente. Para Baudelaire, o belo precisa ser contemplado com elementos do presente e do passado. Ele discorda dos academicistas que valorizam apenas o passado: para ele, a crítica tem um compromisso com o presente. Mas interessa a Baudelaire o presente que tem algo de eterno: o pintor da vida moderna precisa buscar o eterno no que é transitório.

Baudelaire elegeu o croqui para falar do artista da vida moderna, pois entende que este artista precisa de uma forma rápida para representar sua realidade que é um cenário urbano, recém industrializado e em que a velocidade está presente. Este artista é um homem do mundo e das multidões que afirma não ser artista: ele é como qualquer homem no meio da multidão. O entusiasmo de Baudelaire por sua teoria é, por vezes, ingênuo. Elogia a multidão como uma forma de se viver no anonimato. Explora a curiosidade como formação do gênio do artista associada à figura do convalescente. Tudo para o artista da vida moderna é novidade, ele olha a vida a seu redor como uma criança sem preconceitos. Exalta a originalidade, tem um interesse intenso pelas coisas, mesmo as mais simples. É o perfeito flâneur. OBSERVAÇÃO DO PROFESSOR: MAS PRECISA SUPERAR O FLÂNEUR. Este artista tem o olhar e a percepção livres para a vida universal. Como exemplo deste artista moderno, Baudelaire elegeu Constantin Guys.

Sobre a modernidade, encontrar o eterno no transitório é sua principal característica. É função da crítica de arte reconhecer o eterno no transitório na obra de arte e legitimá-la por isto. Baudelaire menciona também a imparcialidade que não existe no crítico de arte, a necessidade que o artista tem de usar a memória e sua crença no poder que a arte teria para mudar a sociedade. Neste ponto, trata o artista moderno como gênio heróico comprometido social e politicamente. Define também um programa de produção de imagens para a arte moderna. Elogia a maquiagem como, possivelmente, uma metáfora à beleza que há na pincelada e no vestígio da pintura: não é preciso ocultá-la. Por fim, explica que o belo pode ser encontrado em todas as coisas se o artista tiver um olhar convalescente e buscar a beleza do fugaz, do fugidio.

Camila Zatti Conceição

Processo seletivo para bolsistas de extensão, para atuação no Programa Conexões de Saberes

2009-05-28T07:38:00.000-07:00

Prezados(as) alunos(as),

O Departamento de Educação e Desenvolvimento Social (DEDS) da Pró-Reitoria de Extensão da UFRGS está realizando processo seletivo simplificado para a contratação de bolsistas para o Programa Conexões de Saberes - diálogos entre a Universidade e as comunidades populares. Os bolsistas atuarão no período de julho a outubro de 2009, recebendo R$ 300,00 mensais de bolsa-extensão.

O Conexões de Saberes é um programa desenvolvido pelo MEC junto às universidades federais, tendo como objetivo possibilitar que alunos de origem popular desenvolvam a capacidade de produção de conhecimentos científicos e ampliem a habilidade de intervenção em seu território de origem, com a devida troca de saberes, experiências e demandas.

As inscrições serão recebidas no período de 1º a 8 de junho, através do site www.prorext.ufrgs.br/deds. A seleção dos bolsistas acontecerá nos dias 9 e 10 de junho.

Cordiais saudações,

Equipe Conexões de Saberes
Departamento de Educação e Desenvolvimento Social
Pró-Reitoria de Extensão
Universidade Federal do Rio Grande do Sul
(51) 3308-3455 - deds.conexoes@prorext.ufrgs.br

Reciclando ideias

2009-05-24T11:17:00.000-07:00

Imagem da inovação como repentina e individual contrasta com a evolução dos saberes, que é gradual e coletiva

PETER BURKE
COLUNISTA DA FOLHA

Muitas pessoas no mundo hoje, especialmente nos domínios dos negócios e da ciência, se dedicam à inovação. Pensam, lecionam e escrevem sobre as maneiras pelas quais se pode estimular, medir e gerir a inovação. Como e por que a inovação acontece, perguntam. Por que existem lugares e momentos históricos que parecem mais favoráveis do que outros à inovação? Florença durante o Renascimento serve como exemplo ou a Inglaterra nos estágios iniciais da Revolução Industrial -quando as máquinas têxteis e locomotivas a vapor e tantas outras máquinas foram inventadas- ou o Vale do Silício [EUA] na década de 1970. Algumas pessoas acreditam que a inovação possa ser encorajada por meio da criação de centros de pesquisa, outras preferem meditação, sessões de discussão ou até mesmo softwares que facilitam a geração de ideias. Mas o que exatamente é inovação? Suspeito que a visão da era do romantismo sobre a inovação continue a prevalecer ainda hoje. De acordo com ela, a inovação é trabalho de um gênio solitário, muitas vezes um professor distraído que carrega uma ideia brilhante na cabeça -aquilo que meu tio, um físico que trabalhava no setor industrial, costumava chamar de "onda cerebral". Einstein, por exemplo, ou Isaac Newton, que supostamente descobriu a gravidade quando uma maçã caiu em sua cabeça, ou, no mais famoso dos exemplos, Arquimedes, que saiu correndo nu pelas ruas de Atenas gritando "eureca!". No entanto existe uma visão alternativa sobre a inovação, da qual eu por acaso compartilho. De acordo com essa segunda visão, a inovação é gradual em lugar de súbita e coletiva em vez de individual. Não existe uma oposição acentuada entre tradição e inovação. É possível até mesmo identificar tradições de inovação, sustentadas ao longo de décadas, como no caso do Vale do Silício, ou de séculos, como nos campos da pintura e da escultura durante a Renascença florentina.

Novos usos
Por isso, em lugar da metáfora da "onda cerebral", talvez fosse mais esclarecedor usar como metáfora a reciclagem, o reaproveitamento ou o uso improvisado de materiais. O caso da tecnologia serve como exemplo. Na metade do século 15, Johannes Gutenberg inventou as máquinas de impressão. No entanto, prensas estavam em uso na produção de vinho havia muito tempo na Renânia natal de Gutenberg e em muitos outros lugares. Sua brilhante ideia não surgiu do nada; na verdade, representou uma adaptação da prensa de vinho a uma nova função. A invenção do telescópio por Galileu [1564-1642], da mesma forma, pode ser mais precisamente definida como reinvenção. Ele havia ouvido falar de que alguém na Holanda teria inventado um instrumento para fazer com que as estrelas parecessem maiores. E, assim que obteve essa informação, imediatamente descobriu uma maneira de produzir instrumento semelhante para seu uso. A inovação nas ideias, por exemplo em disciplinas acadêmicas, parece acontecer de maneira semelhante, pela proposição de analogias e adaptação daquilo que já existe a novos propósitos. Alguns historiadores falam em "deslocamento de conceitos" de um campo intelectual a outro. Por exemplo, a arqueologia se tornou disciplina científica no começo do século 19, quando as pessoas compreenderam que os objetos encontrados em escavações podiam ser datados de acordo com sua profundidade na terra com os "estratos" em que foram encontrados. A linguística, outra nova disciplina que estava em desenvolvimento no começo do século 19, também precisou de adaptação criativa. Quando classificavam idiomas, alguns linguistas se deixaram inspirar pela metodologia que Carl Linnaeus desenvolveu para classificar plantas, enquanto outros seguiram o modelo de "anatomia comparativa" proposto pelo zoólogo Georges Cuvier. Uma vez mais, na metade do século 19, Charles Darwin desenvolveu sua ideia de uma luta pela existência entre as coisas vivas e da sobrevivência dos mais aptos depois de ler o trabalho de Thomas Malthus sobre população. Ele adaptou o que Malthus tinha a dizer sobre os seres humanos ao mundo dos animais e das plantas. No começo do século 20, quando a antropologia se tornou uma disciplina científica, ela era definida pelo método de "trabalho de campo" no seio de povos "primitivos". Mas a ideia de trabalho de campo foi inspirada pela história natural, já que os naturalistas se orgulhavam de observar diretamente os animais e plantas em seus habitats naturais.

Tradução
Em todos esses casos, seria possível utilizar a expressão "tomado de empréstimo", mas metáfora melhor seria "tradução", que enfatiza o trabalho que é preciso realizar quando ideias se movimentam de um lugar ou domínio a outro. As novas disciplinas oferecem oportunidades especiais para observação ou inovação, já que os fundadores dessas disciplinas foram treinados em outros campos. Por exemplo, os primeiros professores de línguas e literaturas vernáculas foram treinados como estudiosos do grego e do latim clássicos. Um dos fundadores da sociologia, Émile Durkheim, estudou filosofia, e outro, Max Weber, era historiador. Os primeiros antropólogos foram recrutados de uma variedade de disciplinas, entre as quais os estudos clássicos (James Frazer), geografia (Franz Boas), medicina (W.H. Rivers), biologia, psicologia e até mesmo geologia. Alguns dos primeiros estudiosos do campo hoje conhecido como biologia molecular haviam estudado física, como Francis Crick, ou química, como Max Perutz. A inovação nas disciplinas mais estabelecidas muitas vezes segue o mesmo caminho. Um antigo colega meu, o biólogo John Maynard Smith [1920-2004], estudou engenharia. Quando mudou de ramo, passou a observar o corpo humano do ponto de vista de um engenheiro, e isso permitia que visse coisas que haviam escapado à atenção de biólogos anteriores. Analogias e metáforas parecem desempenhar papel essencial no pensamento, da física (vide a ideia de "ondas", por exemplo) à antropologia, na qual culturas estrangeiras são muitas vezes comparadas a livros que precisam ser lidos. Essas analogias são fundamentais na construção daquilo que o filósofo da ciência Thomas Kuhn [1922-96] costumava designar como "paradigmas" intelectuais. Eu duvido um pouco que seja possível fazer uma lista de regras para a inovação, porque os inovadores muitas vezes quebram as regras em lugar de segui-las. Tampouco estou certo de que seja possível desenvolver uma teoria da inovação. Mas seria seguro afirmar que analogias e adaptações têm posição central no processo de inovação. A reciclagem intelectual é tão importante para a inovação quanto a reciclagem de objetos materiais o é para nossa sobrevivência no planeta.

PETER BURKE é historiador inglês, autor de "O Que É História Cultural?" (ed. Zahar). Tradução de Paulo Migliacci.

cidade

2009-03-30T10:13:00.001-07:00

cidade
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Onde fica esta cidade?

estranhos desenhos (044)

2009-03-08T18:44:00.001-07:00

estranhos adesivos (044)
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novos personagens estão chegando

rabiscos - pés

2009-01-27T03:57:00.001-08:00

rabiscos - pés
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pés descalços, de um corpo atirado na calçada.

rabiscos - garoto

2009-01-27T03:55:00.001-08:00

rabiscos - garoto
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rabisco feito no caderno de esboços, janeiro de 2009

Estranho Tipo

2009-01-24T20:15:00.001-08:00

Estranho Tipo
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andando em Buenos Aires, resolvi assinalar minha estranha presença nas ruas de Palermo

Grande circular 02

2009-01-08T04:54:00.001-08:00

Grande circular 02
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CAFÉ

2009-01-06T08:52:00.001-08:00

CAFÉ
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Poster CAFÉ - nankim sobre impressão / xilogravura

vai ser um longo dia... (2)

2009-01-06T08:08:00.001-08:00

vai ser um longo dia... (2)
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Série de gravuras 2008/2 (c/ Prof. Hélio Fervenza)

Helenita

2008-10-31T17:07:00.001-07:00

Helenita
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VOTE - word it

2008-10-27T20:05:00.001-07:00

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A legitimidade das ruas

2008-10-23T08:13:00.000-07:00

Tirei daqui: http://www.flickr.com/photos/tonydemarco/2963839219/

A legitimidade das ruas
A história que ainda não foi contada sobre o grafite de São Paulo.

de Jaime Prades*

Estavamos no começo da década de 80. As sirenes dos camburões da polícia militar rasgavam as avenidas da cidade. Quem viveu esses anos lembra-se da cena típica de criação de pânico - assustadoramente estudada - com os “meganhas” pendurados para fora dos furgões Chevrolet armados até os dentes e batendo na lataria das portas de forma insana como cães raivosos, no melhor estilo dos quadrinhos do Luis Gê.

As ruas eram um território dominado pela brutalidade e ignorância das forças armadas que sistematicamente alimentavam o medo nos espaços públicos e davam o tom de pavor no palco urbano. Mais de uma vez esse teatro patético de última categoria terminava em tragédia e gerando vítimas reais. Era o Brasil do final da ditadura e as ruas, as de São Paulo.

Da janela do ônibus lotado, voltando para casa carregando minhas coisas e meus 23 anos nas costas, em 1981 vi pela primeira vez um grafite do Alex Vallauri. Não estou falando de frases escritas que sempre existiram e existirão, imagino. Refiro-me a desenhos e bem gráficos: uma acrobata dando uma pirueta, quase um carimbo, uma bota sexy, um telefone estampado na parede...para falar com quem? Comigo?...

Anos depois descobri que essa acrobata é um detalhe de um quadro de Georges Seurat "O circo" de 1891 hoje no Musée d’Orsay de Paris. Alex, com o seu olhar erudito de gravador, indo além da releitura arrancou esse detalhe e o estampou por São Paulo e Nova York. Só essa citação nos permite criar associações e perceber a poética e a consciência da atitude do artista quando foi para a rua.

Alex Vallauri (1949/1987) foi o primeiro artista de rua do Brasil. Dessa nova arte urbana que hoje domina o cenário internacional e traz oxigênio para as artes plásticas.
Ele ultrapassou a fronteira invisível que separa o público do privado; o instituido do libertário; o templo da rua. E enfrentou o poder de exclusão do sistema de arte exercitando o poder de criar seu próprio espaço. Alex foi o primeiro a ter um trabalho público sistemático e a nos surpreender com seus comentários visuais.

Qualquer país que valorize sua própria cultura e se orgulhe de seus artistas nunca deixaria que um artista com o seu valor tivesse sua obra canibalizada e seu trabalho à beira do esquecimento.
Até hoje não temos sequer um livro e uma grande exposição sobre a sua obra.

Aqui no Brasil, como em muitas culturas que foram dominadas e sofreram isolamento, ainda há muito desprezo pelo que é original. Esse traço colonial ainda sobrevive escondido, embora
perceptível, no abandono do que não é avalizado pela Europa ou pelos EUA. Em outras palavras: o que tem valor é o que faz sucesso lá fora. Até hoje não foi escrito um texto crítico decente
sobre o grafite na década de 80. A instalação do MIS mostra mais uma vez o descaso e incompreensão do que fizemos.

Voltando para a nossa história, que é a que deve ser contada aqui. Na linha de frente Alex abriu a arte urbana e como o rastro de um cometa uma geração de artistas seguiu e expandiu o seu caminho mudando definitivamente a arte brasileira.

A distância do tempo permite-nos visualizar alguns momentos mais definidos dessa história. A partir de Alex a arte de máscara (papel recortado) com spray (stencil art) foi a que predominou nessa primeira fase. A rapidez para realizá-los e o grande efeito dos “carimbos” possibilitaram que esses pioneiros driblassem a polícia, o que não era brincadeira.

Carlos Matuck, Waldemar Zaidler, Maurício Villaça, Hudinilson Jr., Vado do Cachimbo, Ozéas Duarte e Julio Barreto são os representantes legítimos dessa linguagem.

Eu entro nessa história em 1983, quando atendo o telefonema que o Alex mandou naquele seu grafite:
-alô, quem fala?
-oi, aqui é o Tupinãodá...
-Tupinãodá?

Pois é, Tupinãodá... o que que é isso?
Um grupo de artistas pensando o espaço público.

A primeira formação dos seus fundadores: Zé Carratü, César Teixeira, Eduardo Duar e Milton Sogabe que com os geógrafos Antonio Robert de Moraes e Armando Correia da Silva da USP pensavam o espaço urbano e formas de interferências públicas.

O nome Tupinãodá é de um poema de Antonio Robert de Moraes que diz:

“Você é Tupi daqui
Ou Tupi de lá,

Você é Tupiniquim
ou Tupinãodá?”

A partir desse momento até 1989, apesar do grupo contar com muitos colaboradores, participantes esporádicos e convidados, a dupla que se manteve como eixo central foi
Zé Carratü e Jaime Prades, que nos últimos anos contaram com a presença permanente de Carlos Delfino. Fomos nós 3 que fizemos a histórica exposição do Tupinãodá na galeria Subdistrito em 1988 convidados por Rubem Breitman e João Satamini e no Museu de Arte Contemporânea MAC/USP em 1989.

O Tupinãodá foi o primeiro coletivo de artistas de rua do Brasil.

Em 1987, unidos por Alex Vallauri e Maurício Villaça no evento “A trama do gosto” da Fundação Bienal de São Paulo eu, Zé Carratü, Carlos Delfino, Rui Amaral, Alberto Lima e Claudia Reis saímos de lá decididos a conquistar as paredes públicas dos túneis que ligam a Av. Paulista às Avenidas Rebouças e Dr. Arnaldo, quando fizemos os primeiros mega grafites da história contemporânea brasileira, e à luz do dia.

Máquinas, seres, labirintos, estruturas, cidades, dragões surgiram do nada e até hoje estão na memória de todos os que pássaram por lá. Crianças que hoje tem 30 anos ou mais lembram delas. O impacto dessas pinturas feitas na raça com a cara e a coragem trouxeram para a nossa comunidade uma arte até esse momento numa dimensão desconhecida até por nós que as realizamos.

A rua foi um catalizador, nossa experiência ao fazê-las era aberta, não sabíamos onde chegaríamos. Criamos um repertório de símbolos e signos que se replicavam e ocupavam o espaço arquitetônico modelando-se sobre as paredes.

Jean Dubuffet - o grande artista francês fundador da “art brut” - é na minha opinião a referência essencial e precursor da arte urbana de grande escala. Ele conceituou o processo criativo de continuidade como “fluxo de consciência”. Esse fenômeno de permitir que a mente canalize a expressão como um fluxo tendo ao mesmo tempo consciência sobre isso é um processo criativo que de certa forma atemoriza algumas correntes artísticas que têm muita dificuldade em lidar com tudo que não deve ser controlado totalmente.

Quando o fazer artístico se atreve a soltar as amarras do intelecto e a aventurar-se nos planos da experiência unificando-se num estado de integração plena em uma espécie de meditação ativa, não pode haver controle total. Esses artístas são os que têm a coragem de pular do abismo sabendo que depois de pular não tem volta.

Estou aqui contando essa história porque, hoje mais de 20 anos depois, na exposição “i/legítimo: dentro e fora do circuíto” que inaugurou no sábado dia 18 de outubro passado e ficará aberta a visitação até dia 11 de Janeiro de 2009 no Museu da Imagem e do Som de São Paulo/MIS (www.mis-sp.org.br), o espaço dedicado a todo esse movimento vital na transformação da arte urbana brasileira, é um retângulo de 3 x 1,5 m.

Diante de tamanho desafio o curador convidado pelo museu, Marcos Mello, tentou fazer o impossível além de arrancar os cabelos. Como reduzir o projeto inicial, acordado com o museu de uma mega exposição sobre a história do grafite da década de 80 que ocuparia todo o MIS, para um espaço com menos de 5 m²?

Apesar de toda sua boa vontade e esforço a maneira como a pequena instalação está colocada diante do resto da mostra dá a impressão que está ali porque não deu para nos por para fora. Tentando explicar melhor a situação, se o museu fosse uma mansão gigante, um duplex último modelo, o espaço destinado à nós - quero dizer do Alex até o final que ainda não contei, mais de 10 anos de arte urbana - seria do tamanho do quarto de empregada. Mas aquele quarto de empregada minúsculo, cruel, para ela dormir em pé.

Mais uma vez a ironia apresenta-se neste artigo: como nós que conquistamos espaços enormes nas ruas da cidade, totalmente expostos, vulneráveis, sujeitos a violência, ataques, prisões, estamos alí num cubículo claustofóbico, humilhante, injusto, ilegítimo?

Que tipo de análise e visão pode atrever-se a nos espremer numa espécie de esquife, de caixão mortuário, ainda vivos? Vivíssimos, diga-se de passagem, já que muitos de nós estamos mais ativos do que nunca como artistas urbanos e plásticos.

Será que nosso trabalho ainda tem o poder de incomodar tanto uma certa elite do sistema de arte que até agora não entendeu nada do que fizemos, ou não quer reconhecer, ou, pior, trabalha para desacreditar nossas conquistas?

Seja lá o que for é uma injustiça com o público. É eticamente condenável impedir que as novas gerações saibam a importância do que aconteceu e tenham acesso à verdadeira história.

Que estas palavras tenham repercussão e cheguem a mentes mais generosas e inteligentes é a intenção deste texto. Todos aqueles que participaram desse momento e guardam na sua memória a experiência dos nossos grafites sabem que, naquele momento, traduzimos em imagens a transformação que vivíamos na nossa sociedade após anos de repressão.

Para concluir, a partir de 1990, como uma espécie de fermento descontrolado as gangues da periferia, que também experimentavam o processo democrático, começaram a pixar tudo. Nossos trabalhos foram os primeiros a tombar...e a cidade foi tomada pelos pixadores. Só anos depois que uma nova geração tomou conta da arte de rua.

E essa história está só começando.

*Jaime Prades é pintor, escultor, artista de rua, designer gráfico e inventor de coisas variadas.
Este texto está disponível no seu site assim como fotos dos grafites da década de 80 e atuais.
As opiniões expressas neste texto são de total e única responsabilidade do autor.

www.jaimeprades.art.br

iniciação científica

2008-10-23T08:06:00.000-07:00

Prezados amigos!

Eu e o Paulo Gomes estamos muito contentes, pois os vídeos de nossos bolsistas de iniciação científica estão participando da XVII Feira de Iniciação Científica da UFRGS, no Portal de Vídeos.

A Feira traz vários trabalhos, nesse formato, feitos pelos acadêmicos. E os nossos bolsistas produziram, com a nossa ajuda e o incrível trabalho de Cristhiane Ferreira, dois vídeos: um está relacionado ao Banco de Dados Digital da pesquisa sobre a Cultura Material da Imigração, calcada na Coleção de Tina e Calito Moura. E o outro vídeo traz o Banco de Dados Digital sobre a Catalogação do Acervo de Francisco Bellanca, atualmente preservado no UniRitter. Acredito que o trabalho apresentado está bem interessante, sintetizando a importância dessas iniciativas e dando visibilidade às pesquisas.

Gostaria de convidá-los a acessar o site, a dar uma olhada nos vídeos e a votar neles. Sim, contamos com o voto de vocês!!! E de preferência logo!!! Não sei até quando vai a votação, mas acredito que seja somente durante a Feira/Salão... (mas também não tenho certeza!). De qualquer modo, segue abaixo o link dos vídeos... E se quiserem deixar um comentário, por favor, será bem bacana!

Acesse e procure o vídeo neste endereço:

http://ufrgsweb.ufrgs.br/channel/video/252

Abs, da Paula

EXPO Stickers 08 SP

2008-10-20T05:23:00.000-07:00

http://br.youtube.com/watch?v=vUZayM11NGo

http://br.youtube.com/watch?v=AeEqIYS12Ls

http://br.youtube.com/user/visaobuitre

livro_de_artista_ADRESON

2008-10-10T08:19:00.001-07:00

livro_de_artista_ADRESON
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monstros existem

e

você existe?

Vencedores Festival HTTPVIDEO

2008-09-16T21:58:00.000-07:00

playlist com os 10 finalistas Festival HTTPVIDEO

Após a cerimônia de premiação do HTTPVIDEO, finalmente o público pode conhecer os vencedores do primeiro festival de videoarte para youtube do Brasil. Foram selecionados 10 finalistas que concorreram a prêmios entre R$1000,00 e R$ 5000,00, além do prêmio de R$ 500,00 para o vídeo mais votado pelo público. Os 3 primeiros lugares são:

1º LUGAR
Silvia Regina Guadagnini
Sob_controle[1], 2008, 2:16
http://www.youtube.com/silvianini20

2º LUGAR
Lea Van Steen
Disco, 2007, 1:22
http://www.youtube.com/leavansteen

3º LUGAR
Pedro Bastos Ananias de Souza
4 roteiros para perrier, 2007, 3:26
http://www.youtube.com/watch?v=mCxNJ6TuhhM

Prêmio Júri Popular:
Fernando Vilela Mariano (Balão)
Lindomar entrevista Jesus,2008,3:31
http://www.youtube.com/watch?v=wsS7GI55UOw

Vencedores Festival HTTPVIDEO

2008-09-16T13:43:00.000-07:00

Arte
+ Arte: LIVRE ASSOCIAÇÃO

Na primeira edição,
realizada no Museu Hipólito José da Costa, teve como
objetivo a integração e o fortalecimento daquele espaço
cultural; na segunda, na Usina do Gasômetro, uma reflexão
sobre a importância da água em nosso planeta; na
terceira edição, no Paço Municipal, homenageamos
Mário Quintana. Na quarta edição do Arte+ Arte
teve como tema o planeta Terra, numa realização
conjunta com a Casa de Cultura Mário Quintana e MAC-RS.

Para
esse ano de 2008, quando a Chico Lisboa comemora seus 70 anos de
existência escolhemos o conceito: “Livre Associação”.
Os artistas poderão manifestar-se livremente quanto ao tema,
apresentando em sua obra as relações conceituais e
plásticas recorrentes de sua produção, no
entanto, o que vai ser analisado, a priori, para a seleção
dos trabalhos, será a associação de técnicas
e/ou linguagens na construção de um mesmo trabalho.

Local
da exposição: Casa de Cultura Mário Quintana -
Galeria Xico Stockinger

Período:
23 de outubro a 30 de novembro de 2008

REGULAMENTO

Da
participação

Poderão participar
artistas residentes em todo o território nacional, brasileiros
e estrangeiros, sócios ou não sócios da Chico
Lisboa.

Da
inscrição

1- Cada artista, ou grupo
de artistas, poderão inscrever-se com 01 (uma) obra,
produzida entre 2007 e 2008.

2- O artista deverá
entregar a ficha de inscrição e um portfólio
contendo:

a- 01(uma) fotografia da
obra em formato igual ou maior que 13x 18 cm, que deseja inscrever no
projeto, ficha técnica, texto elucidativo de no máximo
uma lauda.

b- currículo
resumido e cinco fotos de outros trabalhos seus, que considere
relevantes.

3- Nos projetos em grupo,
o portfólio deverá conter as informações
requisitadas, no item anterior letra b, de todos os integrantes.

4-
As inscrições poderão ser feitas até a
data limite de 19 de setembro, diretamente na sede da Chico
Lisboa, ou remetidas pelo correio, onde será considerada
válida a data limite do carimbo do correio. Após esta
data não serão mais aceitas inscrições.

O artista sócio da
Chico Lisboa deve estar em dia com a anuidade de 2008 no ato da
inscrição.

Da
seleção

As propostas serão
avaliadas por uma comissão de seleção, composta
por cinco membros representativos da área cultural.

A
divulgação do resultado da seleção
ocorrerá dia 03 de outubro no site da associação
www.chicolisboa.com.br.

Os portfólios dos
associados inscritos não serão devolvidos, pois serão
utilizados para a atualização do cadastro dos mesmos.

O artista selecionado
deverá pagar uma taxa de R$ 20,00 se sócio da Chico
Lisboa, e de R$ 100,00 se não sócio da Chico Lisboa. A
data limite para o pagamento das taxas é a da entrega dos
trabalhos selecionados.

O
artista não associado que for selecionado, se desejar se
associar poderá obter informações pelo fone (51)
3224-6678 no turno da tarde, com a secretária Ananda, ou no
site www.chicolisboa.com.br.

Da
entrega dos trabalhos

A
data de entrega dos trabalhos selecionados será no dia 20
de outubro, na Casa de Cultura Mário Quintana, das 14h às
18h, na Rua dos Andradas, 736, 6º andar.

As obras deverão
ser entregues em perfeitas condições de serem expostas,
obrigatoriamente identificadas com a etiqueta em anexo e prontas para
a montagem (ganchos, moldura se necessário). A comissão
organizadora fica isenta da responsabilidade por eventuais danos
ocasionados pelo não cumprimento desta orientação.

Das
obras

As obras bidimensionais
não deverão exceder a medida de 200cm x 200cm.

As obras tridimensionais
poderão ter, no máximo, 150cm altura x 100cm de largura
x 100cm de profundidade.

As instalações
poderão ter, no máximo, 200cm de altura x 200cm de
largura x 200cm de profundidade.

As performances
selecionadas deverão ser apresentadas no dia da inauguração
da exposição.

Da
montagem

A montagem da exposição
será executada pela Chico Lisboa.

No caso da obra
necessitar de montagem especial, a comissão organizadora
marcará dia e hora para o artista montar o trabalho. Caso for
indispensável o uso de algum equipamento especial, o artista
deverá fornecê-lo.

Da
retirada das obras

A
retirada das obras será impreterivelmente no dia 1º de
dezembro, na Casa de Cultura Mário Quintana, Galeria Xico
Stockinger, R.dos Andradas, 736, 6º andar, das 14 às 18
h.

A Associação
Chico Lisboa não se responsabilizará pelas obras que
não forem retiradas no dia marcado.

Os artistas de outras
localidades deverão combinar com a Associação
Chico Lisboa o envio e a retirada de seus trabalhos.

A entrega e retirada das
obras, e as despesas de transporte, correrão por conta do
artista.

Demais
considerações:

O
último prazo para entrega da ficha de inscrição
e portfólio será no dia 19 de setembro.
O
pagamento da taxa de inscrição poderá ser
efetuado após a seleção do júri, na
sede da Chico Lisboa, a partir do dia 6/10/2008. Artistas de outros
Estados devem combinar com a secretária Ananda, por telefone,
sobre o envio do trabalho e pagamento da taxa de inscrição.
O trabalho não será exposto se não for
efetivado o devido pagamento das taxas.
A
Chico Lisboa isenta-se de qualquer responsabilidade sobre eventuais
danos causados às obras durante o período de exposição
das mesmas.
Os
casos omissos serão resolvidos pela Chico Lisboa.
O
envio da proposta implica na aceitação total deste
regulamento.

Cronograma

Inscrições:
até 19/09/2008.

Divulgação
do resultado da seleção: 03/10/2008 no site da
associação.

Entrega
das Obras: 20/10/2008.

Período
da exposição: 23/10 a 30/11 de 2008.

Devolução
das Obras: dia 01/12/2008.

Associação
Riograndense de Artes Plásticas Francisco Lisboa

Travessa
dos Venezianos, 19 – CEP 90050-370 – Porto Alegre/RS.

Horário
de funcionamento: das 14h às 18h

Informações
pelo Telefone: (51) 3224. 6678

Email:
chicolisboa@terra.com.br

Site:
www.chicolisboa.com.br

A
ficha de inscrição anexa deverá ser entregue na
sede da Chico Lisboa ou enviada pelo correio, devidamente preenchida,
acompanhada do portfólio.

FICHA
DE INSCRIÇÃO
Nº............. (não preencher este campo)

Arte
+ Arte: “Livre Associação”

Nome
completo:
...........................................................................

Nome
artístico ou para o
convite............................................................................................

Endereço.................................................................................................................................

CEP.........................
Cidade..............................................
Estado.........................................

E-mail..................................................................
Fone...........................................................

Fax........................................
Celular......................................................................................

Modalidade
da obra:

Especificar
que técnicas e /ou linguagens foram utilizadas na construção
do trabalho:

________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________

Data:
__/ __/ 2008.

Assinatura:
__________________________________________________

Recorte
e cole no verso da obra.

Artista......................................................................................................................................

Título
da
Obra.........................................................................................................................

Técnica...................................................................................................................................

Dimensões............................................................................................
Ano...........................

Festival HTTPVIDEO

2008-09-02T10:22:00.001-07:00

Festival HTTPVIDEO

Meu video foi pré-selecionado :
http://br.youtube.com/view_play_list?p=250365C59E2EA216&page=4

"Pra que serve a Arte?"
http://br.youtube.com/watch?v=ZmZ1Ztr7HRY&feature=PlayList&p=250365C59E2EA216&index=33

*** votem! *** é só clicar nas estrelinhas ***

PRA QUE(M) SERVE O TEU CONHECIMENTO????

2008-08-29T10:23:00.000-07:00

Parede pintada gera processo na UFRGS

Estudante entrou com ação por considerar a inscrição ato de vandalismo

Por ter sido feita sem autorização e não ter motivado uma repreensão, a pintura de uma parede do Instituto de Letras ganhou status de polêmica na Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS).

Considerado dano ao patrimônio público por um aluno, o desenho feito por alunos — com os dizeres "Pra que(m) serve o teu conhecimento?" — foi avaliado pela UFRGS como "fundamental ao pensamento crítico".

Ao saber da pintura, o estudante de Ciências Contábeis Anderson Gonçalves, 35 anos, integrante do Movimento Estudantil Liberdade (MEL), abriu processo administrativo junto à universidade para saber se a parede havia sido cedida aos alunos. No documento, ele classificou o ato como vandalismo, identificou um dos responsáveis e pediu a punição do grupo.

Cerca de dois meses depois, o estudante ficou surpreso com a justificativa da universidade para arquivar o processo. Em um texto de 25 linhas, o secretário de Assuntos Estudantis, Angelo Ronaldo Pereira da Silva, informou que a pintura, "antes de ser vandalismo, é um ato de extremo instigamento ao pensamento crítico, eivado de indagação filosófica que não desmerece o patrimônio".

Segundo Silva, a parede em que a inscrição foi feita é historicamente usada para manifestações dos alunos, como divulgação de atividades artísticas e avisos diversos, o que dispensaria a necessidade de autorização.

— Existe uma diferença grande entre grafitagem e pichação. Essa pintura, que deixou o local até em melhores condições, não é pichação — informou o secretário de Assuntos Estudantis.

Para o autor do processo, o episódio abre precedentes para que outros alunos se sintam livres para registrar suas opiniões nas paredes da UFRGS.

— Estão encobrindo um crime, que é o dano ao patrimônio. Existem outros espaços para os questionamentos dos estudantes — argumenta.

Hoje, Gonçalves deve entrar com ação no Ministério Público Federal, uma vez que a universidade arquivou o processo.

ZERO HORA

Saiba mais

GRAFITE

As diferenças entre pichação e grafite:

É a inscrição ou o desenho pintado sobre paredes e muros. É mais elaborada e complexa do que a pichação, sendo considerada uma forma de expressão das artes visuais, a street art (ou arte urbana). De diferentes tipos e estilos, o grafite pode ocupar pequenos espaços ou grandes murais junto a obras públicas, como pontes e viadutos.

PICHAÇÃO

É o ato de desenhar, rabiscar ou sujar prédios públicos e privados com inscrições feitas com tinta spray. Por não ter autorização do proprietário do imóvel, ganha caráter de transgressão. Algumas frases e palavras escritas têm marca de protesto, especialmente contra governos. Quanto mais importante e mais difícil o acesso ao prédio, maior o valor para os pichadores. A sociedade critica, especialmente, a pichação de monumentos públicos e obras de arte. No Brasil, o ato é considerado crime.

Por que a UFRGS considerou grafite e não pichação?

Porque a inscrição "Pra que(m) serve o teu conhecimento", em letras enfeitadas e traços firmes, foi considerada como indagação filosófica e não agressiva.Também foram feitos desenhos de pessoas na parede, em cores fortes – o que caracterizaria o típico colorido do grafite.

Veja a pintura chamada de pichação:
PRA QUE(M) SERVE O TEU CONHECIMENTO????
http://ocavirtual.wordpress.com/2008/06/16/pra-quem-serve-o-teu-conhecimento/

Livros com SUPER DESCONTOS em Artes Visuais, Arquitetura e Comunicação

2008-08-26T12:30:00.000-07:00

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Catálogos de Bienais de São Paulo, e do Mercosul. E de exposições em instituições como MAC/USP, MAM SP, MAM Rio, FUNARTE, MUBE, MASP dentre outras Instituições e galerias importantes do eixo Rio-São Paulo;
Coleções das Revistas Bravo, Cult, Bienart, Guia das Artes, e Veredas, dentre outras;
Revistas do Programa de Pós-graduação em Comunicação e Semiótica/PUC-SP.

Os livros podem ser adquiridos por blocos ou unidades, também.

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OS ARTISTAS FALAM DE SI PRÓPRIOS/PICASSO - Rachel Barnes – Dinalivro– R$ 40,00

OS ARTISTAS FALAM DE SI PRÓPRIOS/CÉZANNE - Rachel Barnes –Dinalivro– R$ 40,00

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CULTURA DAS MÍDIAS – Lúcia Santaella – Experimento – R$ 10,00

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ARTE E CULTURA – Lúcia Santaella – Ed. Cortez – R$ 25,00

PRODUÇÃO DE LINGUAGEM E IDEOLOGIA – Lúcia Santaella – Ed. Cortez – R$ 25,00

METODOLOGIA SEMIÓTICA, Fundamentos – Lucia Santaella – R$ 25,00

CONVERGÊNCIAS – Poesia Concreta e Tropicalismo – Lucia Santaella – Nobel – R$ 25,00

HÉLIO OITICICA – Waly Salomão – Ed. Relume – R$ 15,00

O ATO FOTOGRÁFICO – Philippe Dubois – Ed. Papirus – R$ 20,00

GLÓRIA COELHO, Série Moda Brasileira – Regina Guerreiro – Ed. Cosac & Naify – R$ 40,00

LINO VILLAVENTURA, Série Moda Brasileira – Regina Guerreiro – Ed. Cosac & Naify – R$ 40,00

CAMINHOS DA ESCULTURA MODERNA – Rosalind Krauss – Ed. Martins Fontes – R$ 20,00

HISTÓRIA DA HISTÓRIA DA ARTE – German Bazin – Ed. Martins Fontes – R$ 25,00

A QUERELA DO BRASIL, Identidade Brasileira – Carlos Zílio – Ed. Relume – R$ 25,00

COMUNICAÇÃO NOTÍCIAS DE CABRAL À INFORMÁTICA – P. M. Bardi – Sudameris – R$ 40,00

PEDAGOGIA DA BAUHAUS – Rainer Wick – Ed. Martins Fontes – R$ 25,00

VAN GOGH, Coleção Desafios – Mike Venezia – Ed. Moderna – R$ 10,00

VAN GOGH (Tam. A3 – em inglês) – Brian Petrie – Tiger Books – R$ 50,00

O QUE VEMOS, O QUE NOS OLHA – Georges Huberman – Ed. 34 – R$ 25,00

CONVERSAÇÕES – Giles Deleuze – Ed. 34 – R$ 20,00

ARTEPENSAMENTO – Vários – Cia das Letras – R$ 20,00

SEMIÓTICA – Charles Pierce – Ed. Perspectiva – R$ 15,00

CULTURAS HÍBRIDAS – Néstor Garcia Canclini – Edusp – R$ 30,00

A IMAGEM NUA e AS PEQUENAS PERCEPÇÕES – José Gil – Relógio D’Água – R$ 30,00

FÉRENCZI, História, Teoria, Técnica – Org. Chaim Katz – Ed. 34 – R$ 10,00

DA IMPOSSIBILIDADE DA FENOMENOLOGIA – Eric Alliez – Ed. 34 – R$ 20,00

CULTURA GLOBAL – Org. Mike Featherstone – Vozes – R$ 30,00

A MODERNIDADE DE BAUDELAIRE – Org. Teixeira Coelho – Paz e Terra – R$20,00

LEONILSON – Ivo Mesquita – Cosac & Naify – R$ 40,00

LEONILSON / SÃO TANTAS AS VERDADES – Lisette Lagnado – Gal. SESI – R$ 30,00

CULTURA E DESENVOLVIMENTO – Bastos, Amorim e Lages – Ed. UFPE – R$ 10,00

SOBRE A TELEVISÃO – Pierre Bordieu – Jorje Zahar Editor – R$ 10,00

EDGAR MORIN – Izabel Cristina Petraglia – Ed. Vozes – R$ 10,00

A PORTA ABERTA, Teatro – Peter Brook – R$ 10,00

VISUALIDADE, URBANIDADE, INTERTEXTUALIDADE – Oliveira e Fechine - Ed. Hacker – R$ 20,00

THÉO BRANDÃO, Mestre do Folclore Brasileiro – José Maria Tenório Rocha – Edufal – R$ 20,00

PERFORMANCE ART (em inglês) – Rose Lee Goldberg – Abrahms Publisher – R$ 30,00

O ENSINO DAS ARTES NAS UNIVERSIDADES – Barbosa, Ferrara, Vernaschi – Edusp – R$ 10,00

VIENA FIN-DE-SIÉCLE, Política e Cultura – Carl Schorske – Cia das Letras – R$ 40,00

BARROCO – DO QUADRADO À ELIPSE – Affonso Romano de Sant’Anna – Rocco – R$ 30,00

O NACIONAL E O POPULAR – Carlos Zílio, João Lafetá e Lígia Leite – Ed. Brasiliense – R$ 20,00

A ERA DO VAZIO – Gilles Lipovetsky – Relógio D’Água – R$ 30,00

SALÃO 1931 – Lucia Gouvêa Vieira – MEC / FUNARTE – R$ 30,00

CONSTUTORES DA MODERNIDADE – Weyrauch, Lima e Arnt – Terceiro Tempo – R$ 10,00

CULTURA DA RECLAMAÇÃO – Robert Hughes – Cia Das Letras – R$ 20,00

INDAGAÇÕES DE HOJE – Ferreira Gullar – José Olympio – R$ 15,00

ROLAND BARTHES POR ROLAND BARTHES – Cultrix – R$ 20,00

MODERNO PÓS MODERNO – Teixeira Coelho – Iluminuras – R$ 20,00

CAOSMOSE, Um Novo Paradigma Estético – Félix Guatarri – Ed. 34 – R$ 20,00

ESPAÇO N.O. NERVO ÓPTICO – Ana Maria Alabani de Carvalho – Funarte – R$ 15,00

NEW YORK REVIEW OF BOOKS, Antologia 30 anos – Vários autores – Paz e Terra – R$ 30,00

O DEVIR DAS ARTES – Gille Dorfles – Imfe – R$ 20,00

ESTÉTICA NAS ARTES ORIENTAL E OCIDENTAL – H. J. Koellreutter – Novas Metas – R$ 10,00

A PENÚLTIMA VISÃO DO PARAÍSO, Ensaios – Eduarrdo Subirats – Studio Nobel – R$ 10,00

VANGUARDA, MÍDIA, METRÓPOLIS – Eduardo Subirats – Studio Nobel – R$ 20,00

A FLOR E O CRISTAL, Arte e Arquitetura Modernas – Eduardo Subirats – Nobel – R$ 20,00

PANORAMA DA ARTE BRASILEIRA 1995 – Ivo Mesquita – MAM – R$ 20,00

ASPECTOS DAS ARTES PLÁSTICAS NO BRASIL – Mário de Andrade – Itatiaia – R$ 15,00

IMAGEM MÁQUINA – Org. André Parente – Ed. 34 – R$ 40,00

HANNAH HÖCH - René Block e Erna Haist – R$ 20,00

VANGUARDAS LATINO-AMERICANAS – Jorge Schwartz – Edusp – R$ 40,00

PAISAGENS URBANAS – Nelson Brissac Peixoto – Senac – R$ 30,00

A INVENÇÃO DE HÉLIO OITICICA – Celso Favaretto – Edusp – R$ 25,00

HISTÓRIA DA ARTE COMO HISTÓRIA DA CIDADE – Giulio Argan – Martins Fontes – R$ 30,00

PAUL DELVAUX SURREALIZING THE NUDE (em ingles) – David Scott – Essays – R$ 30,00

UNIVERSOS DA ARTE – Fayga Ostrower – Ed. Campus – R$ 40,00

POÉTICA DA RESISTÊNCIA, Gravura Brasileira – Marcus Lontra – MAM – R$ 25,00

JOÃO CÂMARA – Almerinda da Silva Lopes – Edusp – R$ 30,00

PERFIL DE UM ACERVO MAC / USP – Aracy Amaral – R$ 100,00

SILVA: QUADROS E LIVROS, Um Artista Caipira – Romildo Sant’Anna – Unesp – R$ 20,00

PAULO SÉRGIO DUARTE, A Trilha da Trama – Luisa Duarte – Funarte – R$ 15,00

MATERIAIS DE ARTE NO BRASIL / TINTA A ÓLEO – Vários autores – Funarte – R$ 20,00

ARTE MODERNA NO SALÃO NACIONAL 1940-1982 – MEC/Funarte – R$ 20,00

ACADEMISMO, Projeto Arte Brasileira – MEC/Funarte – R$ 15,00

MODERNISMO, Projeto Arte Brasileira – MEC/Funarte – R$ 15,00

ABSTRACIONISMO Geométrico e Informal – Anna Bella Geiger e F. Cocchiarale – Funarte – R$ 30,00

O MODERNO E O CONTEMPORÂNEO Na Arte Brasileira – Col. Gilberto Chateaubriand – Masp – R$ 80,00

NO VAZIO DO MUNDO – Mira Schendel – Galeria do Sesi – R$ 80,00

COLLAGE EM NOVA SUPERFÍCIE – Sérgio Cláudio Frateschi Lima – R$ 30,00

FRANCIS BACON / A BRUTALIDADE DOS FATOS, Entrevistas – David Sylvester – R$ 40,00

PEQUENA HISTÓRIA DA ARTE – Pietro Maria Bardi – Melhoramentos – R$ 30,00

KANT, Crítica e Estética na Modernidade – Orgs. Ileana Cerón e Paulo Reis – MAM – R$ 20,00

CULTURA DE CONSUMO E PÓS-MODERNISMO – Mike Featherstone – Studio Nobel – R$ 20,00

DICIONÁRIO DO FOLCLORE BRASILEIRO – Câmara Cascudo – Global – R$ 40,00

NIETZSCHE – Gilles Deleuze – Edições 70 – R$ 20,00

TEORIAS DA ARTE MODERNA – H. B. Chipp – Martins Fontes – R$ 30,00

MÁQUINA E IMAGINÁRIO – Arlindo Machado – Edusp – R$ 50,00

POESIA E PINTURA, Um Diálogo em Três Dimensões – Valdevino de Oliveira – Unesp – R$ 20,00

AS ORIGENS DA PÓS-MODERNIDADE – Perry Andersosn – Jorge Zahar – R$ 15,00

SIRON FRANCO – Dawn Ades – Ed. Index – R$ 80,00

KEITH HARING – Elisabeth Sussman – Evergreen – R$ 100,00

POÉTICAS DO PROCESSO, Arte Conceitual no Museu – Cristina Freire - MAC – R$ 40,00

BASQUIAT, Jean Michel – Vols. I e II – Pinacoteca – R$ 100,00

JOAN MIRÓ – Rosa Maria Malet – Livro Tec – R$ 30,00

PAUL KLEE – Susanna Partsch – Taschen – R$ 30,00

CARLOS ZÍLIO, Arte e Política 1966-76 – Paulo Sérgio Duarte e Fernando Cocchiarale – MAM – R$ 20,00

GOELDI – Rodrigo Naves – Cosac e Naify – R$ 30,00

ARTESANATO, O Caso Cearence – José Artur Rios – Sesi – R$ 20,00

COLEÇÃO GILBERTO CHATEAUBRIAND / ANOS 60 E 70 – Sesi – R$ 30,00

EXEMPLOS MODERNOS, Acervo Internacional do MAM – Galeria do SESI – R$ 30,00

MAX ERNST – Marilisa Rathsan – MUBE / Torcular – R$ 80,00

DADA & SURREALISM (em inglês) Robert Short – L. King Books – R$ 30,00

ARMAN – MAM e Galerie Jan Du Palme – R$ 80,00

ARTE CONTEMPORÂNEA – Klaus Honnef – Taschen – R$ 70,00

JASPER JOHNS (em espanhol) – Ediziones y Poligrafia – R$ 60,00

MALÉVICH (em espanhol) – Ediziones y Poligrafia – R$ 40,00

NELSON FÉLIX – Rodrigo Naves – Cosac y Naify – R$ 70,00

DADA, SURREALISM And Their Heritage (em inglês) – William S. Rubin – R$ 15,00

ACASOS E CRIAÇÃO ARTÍSTICA – Fayga Ostrower – Ed. Campus – R$ 40,00

MÚSICA ELETROACÚSTICA – Flô Menezes – Edusp – R$ 50,00

ANTÁRTICA ARTES com a FOLHA – Cosac e Naify – R$ 60,00

A CULTURA DO BARROCO – José Antônio Maravall – Edusp – R$ 40,00

NISE DA SILVEIRA – Ferreira Gulalr – Relume – R$ 15,00

MITOPOÉTICA DE 9 ARTISTAS BRASILEIROS – Lélia Coelho Frota – Funarte – R$ 20,00

DANIEL SENISE / ELA QUE NÃO ESTÁ – Ivo Mesquita e outros – Cosac e Naify – R$ 40,00

WASSILY KANDINSKY – Taschen – R$ 40,00

EM OBRAS: HISTÓRIA DO VAZIO, Arq. E Urb. Em B. Horizonte – Carlos Teixeira – R$ 50,00

ARTE/CIDADE, A Cidade e Suas Histórias – Sesc/SP – R$ 40,00

DESIGN / DO VIRTUAL AO DIGITAL – Álvaro Guillermo – Rio Books – R$ 20,00

LYGIA CLARK / OBRA-TRAJETO – Maria Alice Milliet – Edusp – R$ 50,00

REGINA SILVEIRA / CARTOGRAFIA DA SOMBRA – Org. Angélica de Moraes – Edusp – R$ 50,00

GLASNOST AND PERESTROIKA POSTERS (Tam. A3 - em inglês) – Penguim Books – R$ 80,00

CADERNO DE PINTURA SUMI-Ê (Tam. A3) – Aliança Cultural Brasil-Japão – R$ 50,00

PALADINO / GRAVURAS (Tam. A3) - MASP – R$ 40,00

ACRE / SUSAN TURCOT (Tam. A3) – 27ª Bienal de São Paulo – R$ 30,00

PRIMEIRA PÁGINA / FOLHA (Tam. A3) – Publifolha 2.000 – R$ 50,00

SEBASTIÃO SALGADO / ÊXODOS – Cia das Letras – R$ 100,00

SEBASTIÃO SALGADO / TRABALHADORES – Cia das Letras – R$ 80,00

SEBASTIÃO SALGADO / OUTRAS AMÉRICAS – Cia das Letras – R$ 50,00

SEBASTIÃO SALGADO / RETRATOS de Crianças do Exodos – Cia das Letras – R$ 50,00

SEBASTIÃO SALGADO / SERRA PELADA – Photo Poche Societe – R$ 30,00

SEBASTIÃO SALGADO / Séries Várias – Photo Poche Societe – R$ 30,00

ARTHUR OMAR / O ZEN E A ARTE GLORIOSA DA FOTOGRAFIA – Work Book – R$ 30,00

ARTHUR OMAR / ANTROPOLOGIA DA FACE GLORIOSA – Cosac e Naify – R$ 50,00

ARTHUR OMAR / A LÓGICA DO ÊXTASE – CCBB – R$ 80,00

ARTHUR OMAR e PEDRETTI / AZURRO AMAZÔNIA –– Torcular – R$ 20,00

PROUST E A FOTOGRAFIA – Brassai – Jorge Zahar – R$ 20,00

O FOTOGRÁFICO – Ettiene Samain – Ed. Hucitec – R$ 50,00

FOTOGRAFIA, Usos e Funções no Séc. XIX – Annateresa Fabris – Edusp – R$ 20,00

REALIDADES E FICÇÕES NA TRAMA FOTOGRÁFICA – Boris Kossoy – At. Editorial – R$ 10,00

CENAS URBANAS / HILDEGARD ROSENTHAL - I. M. Salles – R$ 20,00

TUNGA, Barroco de Lírios – Cosac & Naify – R$ 70,00

TUNGA, Assalto – CCBB – R$ 30,00

FÁBIO CARDOSO – Galeria Nara Roesler – R$ 10,00

PETER EISENMAN – Alcoa – R$ 10,00

SÃO PAULO BERLIN, Intervenções Urbanas – Brasmitte – R$ 40,00

BURLE MARX, Arte e Paisagem – MAC / USP – R$ 15,00

PAULO WITHAKER – Triângulo – R$ 10,00

OBRAS SOBRE PAPEL, Do modernismo à Abstração – DAN Galeria – R$ 10,00

MÁRCIO ALMEIDA Pinturas – Gal. Dumaresc – R$ 10,00

COLEÇÃO CONSTANTINI – MAM – R$ 70,00

VICENTE DO REGO MONTEIRO, Poeta, Pintor, Tipógrafo – Vários Orgs. - Cepe – R$ 80,00

SANDRA CINTO – Casa Triângulo – R$ 10,00

PICASSO, A Postcard Book – Ed. Running Press – R$ 10,00

MEMÓRIAS DA PEDRA – Espaço Henfil de Cultura – R$ 10,00

CIEL POMME, Mestres Espanhóis e a Gravura – CCBB – R$ 30,00

LAURITA SALLES – Edusp – R$ 30,00

FÁBIO MIGUEZ – Escr. Arte Ana Barbosa – R$ 5,00

ANTÔNIO BRITO – Ronaldo Brito – R$ 5,00

SITUAÇÕES BRASÍLIA – Caixa Cultural – R$ 5,00

RENATA TASSINARI – Galeria Millan – R$ 5,00

NOSSA TRIBO / ROSA GAUDITAMO – R$ 5,00

ALÉM DA CAPROBANA, O Corpo nas Artes Plásticas – MAM e Instituto Camões – R$ 5,00

SEM MEDO DA VERTIGEM – Rafael França – MAC / USP – R$ 5,00

GABRIELA MACHADO – Valú Oria Galeria – R$ 5,00

ARNULF RAINER / À SOMBRA DAS PALMEIRAS – CCBB – R$ 20,00

MORANDI – Masp – R$ 80,00

ONDE ESTÁ VOCÊ, GERAÇÃO 80? – Marcus Lontra Costa – CCBB – R$ 20,00

VIVRE – François-Marie Banier – Euvres Recnts – R$ 60,00

MADEIRA SOBRE MADEIRA, Esculturas de Elisa Bracher – Rodrigo Naves – Cosac e Naify – R$ 30,00

MUSEU DE ARTE CONTEMPORÂNEA DE PERNAMBUCO – Minc / Funarte 1982 – R$ 10,00

O MODERNISMO NO MAB – FAAP – R$ 10,00

USP PATRIMÔNIO CULTURAL – Irene Cardoso – Usp – R$ 10,00

DEMÔNIOS ESPELHOS E MÁSCARAS CELESTIAIS – Arthur Omar – CCLight – R$ 10,00

LUIZ AQUILA / QUADROS GRANDES – MAM – R$ 10,00

ANNA MARIA MAIOLINO / SÃO ESTES – XXIV Bienal de São Paulo – R$ 10,00

A AVENTURA MODERNISTA – Col. Gilberto Chateaubriand – Galeria de Arte Sesi – R$ 20,00

FIGURAÇÕES – 30 ANOS NA ARTE BRASILEIRA – MAC USP - R$ 20,00

PROJETO ARTE BRASILEIRA / ANOS 30 E 40 – Frederico Moraes - Funarte – R$ 20,00

MILTON DA COSTA / ANOS 50 – MEC – Funarte – R$ 10,00

ANTÔNIO HENRIQUE AMARAL, Da Gravura à Pintura – I. M Salles – R$ 10,00

ANOS 80 / PALCO DA DIVERSIDADE – Sesi/Col. G. Chateaubriand – R$ 30,00

SIRON 800 VEZES – Museu Nacional de Belas Artes – R$ 20,00

FICÇÃO, Fotografias e Vídeos – Col. Caísse Dês Dep^ts – R$ 15,00

MODERNISMO, Paris Anos 20 – Lisbeth Rebolo Gonçalves – MAC / USP – R$ 10,00

MEMÓRIA PRESENTE, Vários artistas – MAM / Paço das Artes – R$ 10,00

Avesso, Vários artistas – Paço das Artes 1996 – R$ 10,00

SALÃO PRETO-E-BRANCO, III Salão de Arte Moderna 1954 – Fuanrte – R$ 20,00

CONCEITOS FUNDAMENTAIS NA HISTÓRIA DA ARTE – Heinrich Wolfflin – Martins Fontes – R$ 20,00

A ASSINATURA DO MUDO – Eric Alliez – Ed. 34 – R$ 15,00

MODERNIDADE E MODERNISMO NO BRASIL – Org. Annateresa Fabris / Merc. De Letras – R$ 20,00

ARTE ERÓTICA, 1993 – MAM – R$ 10,00

ANTONIO DIAS – Galeria Luisa Strina – R$ 10,00

GIL VICENTE / DESENHOS DRAWINGS – MAM/ Rio e MAMAM/Recife – R$ 20,00

JOÃO CÂMARA, Originais, Modelos Réplicas – R$ 50,00

SKULTURA, Vários Artistas 1989 – MAC – R$ 10,00

Cerâmicas de Picasso / PAVILHÃO CULTURAL – Renéé Behar – R$ 40,00

Escola do Sul / PAVILHÃO CULTURAL – Renéé Behar – R$ 40,00

MAVIGNIER 75 – Almir Mavignier – MAM – R$ 30,00

ARTE BRASILEIRA SÉC. XX, Diálogos com Dufy – MAM – R$ 20,00

GRUPO COBRA – Emanoel Araújo - Pinacoteca – R$ 70,00

ANNA BELLA GEIGER / CONSTELAÇÕES – Marcus de Lontra Costa – MAM – R$ 15,00

SERGIO TELLES / PARIS, Pinturas 1994 – Galeria Jean Boguici – R$ 10,00

2000-1 Arte Contemporânea Pernambuco – MAMAM / MAM Bahia – R$ 10,00

ESCULTURA PLURAL, Vários Artistas – Lígia Canongia – MAM Rio e MAM Bahia – R$ 10,00

PAIXÃO DO OLHAR, 1993, Vários Artistas – MAM – R$10,00

A FRONTEIRA DOS VAZIOS / LIVROS OBJETOS, Vários Artistas 1994 – CCBB – R$ 20,00

TERRITÓRIO EXPANDIDO, Vários Artistas 1999 – Sesc/SP - R$ 5,00

4 x MINAS – Manfredo de Souzanetto, Amilcar de Castro, Marcos Benjamim e Celso Renato – R$ 10,00

TEORIA DOS VALORES, Vários Artistas 1998 – MAM/SP – R$ 20,00

FLÁVIO DAMM em P&B – Sesc/SP – R$ 10,00

PAPEL E NATUREZA – CLAP / Funarte – R$ 5,00

IN REPERTOIRE (em inglês) Austrália Council for the Arts – R$ 20,00

O DESENHO MODERNO – Coleção Gilberto Chateaubriand – Gal. SESI – R$ 30,00

A ARTE DE VER O MUNDO, Coleção Giuseppe Baccaro – I. C. Bandepe – R$ 30,00

GOYA – MAMAM – R$ 20,00

CULTURA E SUBJETIVIDADE, Saberes Nômades – Org. Daniel Lins – Papirus – R$ 10,00

A ESCOLA DE FRANKFURT, Luzes e Sombras do Iluminismo – Olgária Matos – Moderna – R$ 20,00

ETAPAS DA ARTE CONTEMPORÂNEA – Ferreira Gullar – Nobel – R$ 30,00

CONCEITOS DA ARTE MODERNA – Org. Nikos Stangos – Jorge Zahar – R$ 25,00

INICIAÇÃO À HISTÓRIA DA FILOSOFIA – Danilo Marcondes – Jorge Zahar – R$ 20,00

A ARTE DECORATIVA – Lê Corbusier – Martins Fontes – R$ 20,00

IMAGEM, Cognição, Semiótica e Mídia – Lucia Santaella e Winfried Nöth – Iluminuras - R$ 20,00

A TEORIA GERAL DOS SIGNOS – Lucia Santaella – Atica (1ª edição) – R$ 30,00

IDEOGRAMA, Lógica, Poesia, Linguagem – Org. Haroldo de Campos – Edusp – R$ 50,00

ARTEFOTO – Cur. Ligia Canongia – CCBB – R$ 50,00

DO CAOS À INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL , Entrevistas – Org. Guita Pasternak – Unesp – R$ 20,00

O GRÁFICO AMADOR – Origens da Tipografia Brasileira – Guilherme Cunha Lima – UFRJ – R$ 30,00

MÁRIO PEDROSA, Itinerário Crítico – Otília Arantes – Scritta – R$ 20,00

PÓS-MODERNO & Artes, Cultura, Psicanálise, Semiótica, Etc.– L. Santaella – Imago – R$ 20,00

OS PENSADORES – Benjamin, Adorno, Horkheimer, Habermas – Abril – R$ 10,00

PRIMITIVISM IN 20th CENTURY ART Vol. I – Museun Modern Art NY – R$ 100,00

PRIMITIVISM IN 20th CENTURY ART Vol. 2 – Museun Modern Art NY – R$ 100,00

SUPPORTS / SURFACES – Centres Georges Pompidou – R$ 80,00

AMILCAR DE CASTRO – Rodrigo Naves e Ronaldo Brito – Cosac e Naify – R$ 50,00

ARTE MODERNA – Giulio Carlos Argan – Cia. das Letras – R$ 80,00

ARQUEOLOGIA, Mostra do Redescobrimento – Brasil 500 é Mais – Fund. Bienal – R$ 250,00

IMAGENS DO INCONSCIENTE – Brasil 500 é Mais – Fund. Bienal – R$ 250,00

ARTES INDÍGENAS, Mostra do Redescobrimento – Brasil 500 é Mais – Fund. Bienal – R$ 250,00

ARTE POPULAR, Mostra do Redescobrimento – Brasil 500 é Mais – Fund. Bienal – R$ 250,00

JEAN COCTEAU, 1997 – FAAP/SP – R$ 20,00

CESAR – Marilisa Rathsan – MUBE – R$ 70,00

MAGRITTE – Jacques Meuris – Taschen – R$ 70,00

NIPPONJIN JAPONÊS, 23 Artistas – MASP – R$ 30,00

DA COR à COR INEXISTENTE – Israel Pedrosa – UnB – R$ 100,00

O MUNDO DE MÁRIO SCHENBERG – Casa das Rosas – R$ 20,00

ARTE CONSTRUTIVA NO BRASIL – Col. Adolpho Leirner – MAM – R$ 80,00

NELSON LEIRNER – Agnaldo Farias – Sec. Est. Cult. Rio – R$ 250,00

ARTE NA AMÉRICA LATINA – Dawn Ades – Cosac e Naify – R$ 100,00

GALERIA NÓBREGA 70 ANOS – R$ 70,00

GALERIA NÓBREGA 71 ANOS – R$ 70,00

SIGMUND FREÜD, Coleção de Antiguidades Arqueológicas – Peter Gay – Salamandra – R$ 100,00

CRÍTICA DE ARTE NO BRASIL, Temáticas Contemporâneas – Glória Ferreira – Funarte – R$ 40,00

NEIL WILLIAMS, Works From Brasil – XX Bienal de São Paulo – R$ 15,00

O TESOURO DOS ABADES, Mosteiro de São Bento em Olinda – I. C. Bandepe – R$ 40,00

BRIBAGE CARTOONIANO (em espanhol) – Fábio Doctorovich – Nuevo Milênio – R$ 15,00

IMAGENS NEGOCIADAS, Retratos da Elite Brasileira – CCBB – R$ 20,00

MARCIA GROSTEIN, The Wild Form – MAM – R$ 10,00

GISELDA LEIRNER / FORMAS DA MEMÓRIA 1996 – MAM/Rio – R$ 20,00

ANTÔNIO BANDEIRA / RETROSPECTIVA 1995 – MAM MASP – R$ 20,00

METODOLOGIA DO ENSINO DE ARTE – Mª Heloisa Feraz e Mª F. Fusari – Cortez – R$ 10,00

ARTE NA EDUCAÇÃO ESCOLAR – Mª Heloisa Feraz e Mª F. Fusari – Cortez – R$ 10,00

O ENSINO DA ARTE E SUA HISTÓRIA – Ana Mae e Heloisa Sales – MAC/SP – R$ 10,00

SOM, GESTO, FORMA E COR, Ensino de Arte – Ana Mae Barbosa e outros – Ed. C/ Arte – R$ 10,00

COMO PINTAR A LA ACRÍLICA (em espanhol) – Bernard Lancillac – Paramón/España – R$ 20,00

A ARTE DE PINTAR VOL. 1 – Nova Cultural – R$ 20,00

A ARTE DE PINTAR VOL. 2 – Nova Cultural – R$ 20,00

A ARTE DE PINTAR VOL. 3 – Nova Cultural – R$ 20,00

A ARTE DE PINTAR VOL. 4 – Nova Cultural – R$ 20,00

COMO ENTENDER A PINTURA MODERNA – Carlos Cavalcanti – Civilização Brasileira – R$ 20,00

INTUIÇÃO E INTELECTO NA ARTE – Rudolf Arnheim – Martins Fontes – R$ 30,00

BANDEIRAS – Diversos Artistas - MAC USP – R$ 10,00

REFLEXÕES SOBRE MEUS CONTEMPORÂNEOS – Charles Baudelaire – EDUC – R$ 15,00

A VONTADE RADICAL – Susan Sontag – Cia das Letras – R$ 30,00

MÁRIO SCHENBERG ENTRE-VISTAS – Gita Guinsburg e José Luis Goldfarb – Perspectiva – R$ 10,00

XVI BIENAL DE SÃO PAULO 1981, Catálogo Geral – Fundação Bienal – R$ 50,00

19ª BIENAL DE SÃO PAULO 1987, Catálogo Geral – Fundação Bienal – R$ 30,00

XXIV BIENAL DE SÃO PAULO – Arte Contemporânea Brasileira - Fundação Bienal – R$ 80,00

XXIV BIENAL DE SÃO PAULO – Núcleo Histórico – Fundação Bienal – R$ 80,00

XXIV BIENAL DE SÃO PAULO – Roteiros – Fundação Bienal – R$ 80,00

BIENAL BRASIL SÉCULO XX – Fundação Bienal – R$ 100,00

II BIENAL DO MERCOSUL – Julio Leparc – Fundação Bienal do Mercosul – R$ 20,00

II BIENAL DO MERCOSUL – Picasso, Cubismo e Am. Latina – Fundação Bienal do Mercosul – R$ 20,00

II BIENAL DO MERCOSUL – Iberê Camargo – Fundação Bienal do Mercosul – R$ 20,00

VI BIENAL DO MERCOSUL – Conversas – Fund. Bienal Mercosul – R$ 20,00

VI BIENAL DO MERCOSUL – Zona Franca – Fund. Bienal Mercosul – R$ 20,00

VI BIENAL DO MERCOSUL – Francisco Matto – Fund. Bienal Mercosul – R$ 20,00

VI BIENAL DO MERCOSUL – Jorge Macchi – Fund. Bienal Mercosul – R$ 20,00

VI BIENAL DO MERCOSUL – Öyvind Fahlström – Fund. Bienal Mercosul – R$ 20,00

VI BIENAL DO MERCOSUL – Três Fronteiras – Fund. Bienal Mercosul – R$ 20,00

BIENAL NAIFS DO BRASIL 1998 – Sesc/SP – R$ 20,00

BIENAL INTERNACIONAL DE POESIA VISUAL – CHILE 1996 (em espanhol) – R$ 15,00

1º SALÃO CARIOCA DO HUMOR – R$ 10,00

2º SALÃO CARIOCA DO HUMOR – R$ 10,00

3º SALÃO CARIOCA DO HUMOR – R$ 10,00

4º SALÃO CARIOCA DO HUMOR – R$ 10,00

5º SALÃO CARIOCA DO HUMOR – R$ 10,00

7º SALÃO CARIOCA DO HUMOR – R$ 10,00

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C D s

ME STESSO, Poesia Sonora (Itália) – Enzo Minarelli – R$ 30,00

FLUX DE BOUCHE, Poesia Sonora (Holanda) – Jaap Blonk – R$ 30,00

...

D I S C O V I N I L

THE SOUND OF POETRY – (Poesia Sonora) – Enzo Minarelli – Itália – R$ 30,00

THE ROLLING STONES / STICKY FINGERS (Capa de Andy Warhol) – R$ 40,00

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P E R I Ó D I C O S DE INSTITUIÇÕES

ANPAP 10 Anos – ANAIS DO CONGRESSO 1996 – VOL. I – Anpap – R$ 10,00

ANPAP 10 Anos – ANAIS DO CONGRESSO 1996 – VOL. II – Anpap – R$ 10,00

ANPAP 10 Anos – ANAIS DO CONGRESSO 1996 – VOL. III – Anpap – R$ 10,00

ANPAP - ANAIS DO CONGRESSO 1997 – VOL. I – Anpap – R$ 10,00

ANPAP - ANAIS DO CONGRESSO 1997 – VOL. II – Anpap – R$ 10,00

ANPAP - ARTE EM PESQUISA: ESPECIFICIDADES VOL I – Org. Bia Medeiros – Anpap – R$ 10,00

ANPAP - ARTE EM PESQUISA: ESPECIFICIDADES VOL II – Org. Bia Medeiros – Anpap – R$ 10,00

FACE, Revista de Semiótica Nº 1 – Janeiro 1988 – Lucia Santaella – PUC – R$ 15,00

FACE, Revista de Semiótica Nº 1 – Julho 1988 – Lucia Santaella – PUC – R$ 15,00

FACE, Revista de Semiótica – Janeiro 1989 – Org. Lucia Santaella – PUC – R$ 15,00

FACE, Revista de Semiótica – Julho 1989 – Org. Lucia Santaella– PUC – R$ 15,00

FACE, Revista de Semiótica – Janeiro 1990 – Org. Lucia Santaella – PUC – R$ 15,00

FACE, Revista de Semiótica – Julho 1990 – Org. Lucia Santaella – PUC – R$ 15,00

FACE, Revista de Semiótica – Agosto 1991 – Org. Lucia Santaella – PUC – R$ 15,00

FACE, Revista de Semiótica – Maio 1994 – Org. Samira Chalhub – PUC – R$ 15,00

FACE, Revista de Semiótica – Novembro 1995 – Org. Lucia Santaella – PUC – R$ 15,00

CULTURA VISUAL Nº 1 – PPGAV – EBA – UFBA – R$ 5,00

CULTURA VISUAL Nº 10 – PPGAV – EBA – UFBA – R$ 5,00

CONTATO Nº 2 Revista de Arte e Comunicação – Gab. Artur da Távola – R$ 5,00

GÁVEA, Arte e Arquitetura Nº 5 – R$ 10,00

GÁVEA, Arte e Arquitetura Nº 10 – R$ 10,00

LOGOS, Comunicação e Universidade Nº 9 – UERJ – R$ 5,00

AGENDA CULTURAL P/ O BRASIL DO PRESENTE – Hamilton Faria – Cadernos Polis – R$ 5,00

CURTAS DA CULTURA / FIC – Hamilton Faria – Cadernos Polis – R$ 5,00

CADERNOS DE SUBJETIVIDADE Nº 1 – PUC – R$ 15,00

ESPAÇO E DEBATES Nº 27 – Fapesp CNPq – R$ 5,00

ANAIS P&D DESIGN 1994 VOL. II – CNPq/Finep – R$ 20,00

Revista BRASILEIRA DE EDUCAÇÃO Nº 0 – Anped – 10,00

Revista BRASILEIRA DE EDUCAÇÃO Nº 1 – Anped – 10,00

Revista BRASILEIRA DE EDUCAÇÃO Nº 2 – Anped – 10,00

Revista BRASILEIRA DE EDUCAÇÃO Nº 3 – Anped – 10,00

Revista BRASILEIRA DE EDUCAÇÃO Nº 4 – Anped – 10,00

Revista BRASILEIRA DE EDUCAÇÃO Nºs 5 e 6 – Anped – 15,00

Revista BRASILEIRA DE EDUCAÇÃO Nº 7 – Anped – 10,00

Revista BRASILEIRA DE EDUCAÇÃO Nº 8 – Anped – 10,00

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COLEÇÃO de 200 pequenos catálogos de exposições ocorridas em São Paulo nos anos de 1996, 1997, 1998, 1999: R$ 500,00

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L I T E R A T U R A / POESIA SONORA / OUTROS

LÊDO IVO / POESIA COMPLETA 1940-2004 – Topbooks – 50,00

PROSA DO OBSERVATÓRIO – Julio Cortazar – Perspectiva – 30,00

A REVELAÇÃO DO SEGREDO, Romance – Elisabeth Kubler-Ross – Record – 10,00

ROGÉRIO DIAS, Poesia – 5,00

VIDA, Citações – Ed. Kuarup – 5,00

PÓLUMM, Poesia – Fábio Doctorovich - -Lámpara Errante – 5,00

A NOITE REINVENTADA, Poesia – Francisco Valois – Ed. Catavento – 5,00

PLURAL DE NUVENS, Poesia – Gilberto Mendonça Teles – José Olympio Editora – 10,00

NOMINAIS, Poesia – Gilberto Mendonça Teles – Nesjakim – 10,00

IVAMPIRISMO, O CINEMA EM PÂNICO, Ensaio – Ivan Luchetti – Ebal – 20,00

HISTÓRIAS DO VELHO JARAGUÁ – J. F Maya Pedrosa – 5,00

GRITO PRIMEIRO, Poesia – Pita, Cavalcante e Do Valle – 5,00

CADERNO DE EXERCÍCIOS DE UM APRENDIZ DE POESIA – Théo Brandão -5,00

POESIA DOCCASO, Poesia – Enzo Minarelli – Edizioni Elytra – 10,00

VOCALITÁ & POESIA, Ensaio (em italiano) – Enzo Minarelli – Ed. Elytra – 15,00

FERNÃO CAPELO GAIVOTA – Richard Bach – Nórdica – 5,00

ROGATO - A AVENTURA DO SONHO DAS IMAGENS EM ALAGOAS – Elinaldo Barros – 5,00

VIÇOSA DE ALAGOAS – Alfredo Brandão – Imprensa Industrial – 10,00

CIAO CADÁVER, Poesia – Delmo Montenegro – Landy Editora – 5,00

UM ESTREITO CHAMADO HORIZONTE, Poemas – Raimundo Gadelha – Massao Ohno – 5,00

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O U T R O S

POBREZA E DESENVOLVIMENTO LOCAL – Augusto de Franco – AeD – 10,00

AUTO-ESTIMA E DESENVOLVIMENTO SOCIAL – Carlos Lessa – Garamond – 10,00

CONSULTORES ORGANIZACIONAIS – Antonio Valença – Valença e Associados – 10,00

INTERAGIR PARA COMPETIR / APLs – CNPq – Finep - Sebrae – 10,00

SUSTENTABILIDADE DO DESENVOLVIMENTO – Enoque Cavalcante – Ed. UFPE – 10,00

SEMINÁRIO FUNDACIONAL DO PRODEMA – CNPq – UFAL – 10,00

DESENVOLVIMENTO E DIREITOS HUMANOS – Prodema/Ufal – 10,00

SAÚDE E QUALIDADE DE VIDA – Ed. Petrópolis – 10,00

PRAIA DE PIPA, A Próxima Vítima? Ecologia – Valença e Associados – Ed. Bagaço – 10,00

DESENVOLVIMENTO E DIREITOS HUMANOS – Ignacy Sachs – Prodema – 10,00

ESPAÇO, TURISMO E DESENVOLVIMENTO - UnB -15,00

DINÂMICA DO RELACIONAMENTO CONSULTOR CLIENTE – Sérgio Foguel – Atlas - 15,00

SETOR DE VAREJO EM PERNAMBUCO – Valença e Associados – 10,00

SETOR DE PROPAGANDA EM PERNAMBUCO – Valença e Associados – 10,00

MKT & ESPORTE, Mesa Redonda 2002 – ESPM – 10,00

MKT POLÍTICO E ELEITORAL, Mesa Redonda 2002 – ESPM – 10,00

PERFIL DE EMPRESAS PATROCINADORAS – I. C. Cidade Viva – 10,00

O TAOÍSMO DO AMOR E DO SEXO – Jolan Chang – Artenova – 10,00

EXERCÍCIOS DE BIOENERGÉTICA – Alexander Lowen – Agora – 10,00

MASSAGEM PSÍQUICA – Roberta DeLong Miller – Summus – 10,00

O ZEN NA ARTE DA CERIMÔNIA DAS FLORES – Gusty Herrigel – Pensamento – 10,00

FENG SHUI – Ernest J. Eitel – Ground – 10,00

INDIVIDUAÇÃO JUNGUIANA – Cacilda Cuba dos Santos – Sarvier – 20,00

O CÉREBRO JAPONÊS – Raul Marino Jr. – 10,00

A ÁRVORE DO CONHECIMENTO – Humberto Maturana e F. Varela – Psy – 20,00

A PRÁTICA PEDAGÓGICA EM QUESTÃO – Sheila Diab Maluf – Catavento – 5,00

A FORMAÇÃO CONTINUADA DOPROFESSOR DE CIÊNCIA – Ivanelza Melo – Catavento - 10,00

INGLÊS PASSO-À-PASSO – Charles Berlitz – Martins Fontes – 10,00

SOL DA TERRA, Uso do barro em psicoterapia – Álvaro Gouveia – Summus – 10,00

EM BUSCA DA INFÂNCIA DO PENSAMENTO – Espinosa Proa – Senac – 10,00

A ERA DA CONSCIÊNCIA – Ubiratan D’Ambrósio – Ed. Petrópolis – 10,00

PEDAGOGIA DA AUTONOMIA – Paulo Freire – Paz e Terra – 10,00

O TEXTO NOS MEIOS DE COMUNICAÇÃO, Técnica de Redação – F. Alves – 10,00

Princípios de Mecânica – Mário Schenberg – Tese de Cátedra – 10,00

ENTRE O INDIVÍDUO E A SOCIEDADE / DEWEY – Carlos F. Moreira – Univ. São Francisco – 20,00

VEJA 25 ANOS – Vários autores – Revista Veja – 10,00

ASSINATURA DIGITAL, Analfabetismo em Alagoas – Luiz Cláudio Ferreira – Ufal – 10,00

PERFIL DO PENEDO – Ernani Mero – 10,00

PANORAMA DO CINEMA ALAGOANO – Elinaldo Barros – 10,00

RECORDAÇÕES DE UM CINEMA DE BAIRRO – Elinaldo Barros – 10,00

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R E V I S T A S

Revista GUIA DAS ARTES Nº 1 – 5,00

Revista GUIA DAS ARTES PLÁSTICAS 1987 Nº 5 – 5,00

Revista GUIA DAS ARTES Nº 07 - 5,00

Revista GUIA DAS ARTES Nº 10 – 5,00

Revista GUIA DAS ARTES Nº 25 – 5,00

Revista GUIA DAS ARTES Nº 27 - 5,00

Revista GUIA DAS ARTES Nº 28 - 5,00

Revista GUIA DAS ARTES Nº 35 - 5,00

Revista RAIZ 2005 Nº 1 – 5,00

Revista CONTINENTE Multicultural Nº 1 – 5,00

Revista BRAZILIAN ART 1992 – 5,00

Revista BRAZILIAN ART Nº 3 – 5,00

Revista BRAZILIAN ART Nº 4 – 5,00

Revista DO MAM Nº 1 – 5,00

Revista PAPARAZZI Nº2 – 5,00

Revista AMÉRICA 1996 Nº 1 – 5,00

Revista PIRACEMA Nº 1, Arte e Cultura 1993 – Org. Antonio Houaiss – Funarte – 10,00

Revista PALAVRA Ano 2000 – Nº 11 – 5,00

Revista CAROS AMIGOS 1988 Nº 10 – 5,00

Revista VINTÉM, Teatro Dialético 1998 Nº 2 – 5,00

Revista MEDUSA Nº 5 – 5,00

Revista REALTIME + ONSCREEN (Tam. A3 – em inglês) – Austrália – 5,00

Revista EDUCAÇÃO Nº 3 (Foucault) – 5,00

Revista E – Nº 9 Ano 6 – 5,00

Revista DAS AMÉRICAS 1994 (em inglês) – Galeria Luisa Strina – 5,00

Revista DAS AMÉRICAS 1995 (em inglês) – Galeria Luisa Strina – 5,00

Revista LOGOS – UERJ – 5,00

Revista LOGOS 1999 Nº 6 – UERJ – 5,00

Revista LÍNGUA PORTUGUESA 2006 Nº 14 – 5,00

Revista LÍNGUA PORTUGUESA 2007 Nº 17 – 5,00

Revista LÍNGUA PORTUGUESA – Nº 18 – 5,00

Revista ÂNGULO Nº 64 – Centro Cultural Tereza D’Ávila – 5,00

Revista ÂNGULO Nº 67 – Centro Cultural Tereza D’Ávila – 5,00

Revista ÂNGULO Nº 68 – Centro Cultural Tereza D’Ávila – 5,00

Revista ÂNGULO Nº 69 – Centro Cultural Tereza D’Ávila – 5,00

Revista ÂNGULO Nº 73 – Centro Cultural Tereza D’Ávila – 5,00

Revista BIENART Nº 03 – 5,00

Revista BIENART Nº 11 – 5,00

Revista BIENART Nº 12 – 5,00

Revista BIENART Nº 13 – 5,00

Revista BIENART Nº 14 – 5,00

Revista BIENART Nº 15 – 5,00

Revista BIENART Nº 16 – 5,00

Revista BIENART Nº 17 – 5,00

Revista BIENART Nº 18 – 5,00

Revista BIENART Nº 19 – 5,00

Revista BIENART Nº 20 – 5,00

Revista VEREDAS Nº 5 – CCBB – 5,00

Revista VEREDAS Nº 38 – CCBB – 5,00

Revista VEREDAS Nº 41 – CCBB – 5,00

Revista VEREDAS Nº 48 – CCBB – 5,00

Revista VEREDAS Nº 56 – CCBB – 5,00

Revista VEREDAS Especial Recife – CCBB – 5,00

Revistas CULT (R$ 5,00 cada) Nºs: 03, 04, 05, 06, 07, 08, 09, 10, 11, 12, 13, 15, 16, 17, 18, 20,

21, 22, 23, 24, 26, 27, 28, 30, 72, 84, 85, 88, 97, 110, 111

Revistas BRAVO (R$ 5,00 / cada) Nºs: 01, 04, 05, 06, 07, 08, 09, 10, 11, 12, 13, 14, 15, 17, 18, 19,

20, 21, 22, 24, 26, 27, 29, 30, 32, 33, 34, 35, 36, 38, 39, 40, 41, 42, 43, 45, 46, 47, 48, 49, 52, 55, 56,

58, 59, 60, 62, 63, 64, 65, 66, 67, 69, 71, 73, 74, 75, 77, 78, 79, 82, 83, 84, 85, 86, 87, 88, 90, 92, 93,

94, 95, 96, 97, 99, 100, 101, 102, 104, 106, 107, 109, 110, 112, 113, 114, 115, 116, 117, 118, 119,

121, 122, 124, 128

Para compra à vista de todos os itens: 30% de desconto

Para compra à vista acima de R$ 1.000,00: 10% de desconto

Para compra à vista acima de R$ 2.000,00: 20% de desconto

O pagamento poderá ser feito pessoalmente ou por depósito em conta, e após a confirmação deste é que os itens são postados. Neste caso, a pessoa deve consultar a disponibilidade dos itens e confirmados os mesmos, informar por e-mail ou telefone, o valor do depósito realizado e listar os itens pagos. No caso de remessa via correios (responsabilidade do comprador o valor referente da postagem), a pessoa escolhe a forma que quer receber – que tipo de sedex ou encomenda, assim como se deseja fazer seguro e já calcular o valor deste, informando como quer a operação. Estimamos, o valor do envio em função do peso e as condicionantes acima com a informação do cep do destinatário. Só será possível saber na hora da postagem, o quanto realmente totalizou. Diferenças da postagem para menos a pessoa deposita, e para mais eu restituo a respectiva diferença.

Qualquer dúvida, ou variantes das condições acima, ou contrapropostas, é só se comunicar: anaglafira@anaglafira.art.br / 82-8856.5030

Att./Ana Glafira

Marcieli Pahins Compagnon: Ainda não sei o que comentar... É o acaso perfeito!

2008-08-24T09:29:00.000-07:00

Marcieli Pahins Compagnon: Ainda não sei o que comentar... É o acaso perfeito!

DAV 2008/2: ainda há vagas em

2008-08-10T20:58:00.000-07:00

DESENHO
ART02097 ATELIER DE DESENHO II CH tot120 CH semana 8
Turma A
Segunda-feira 08:30 - 11:50 - Sala 043B Atelier de Desenho / IA
Quarta-feira 08:30 - 11:50 - Sala 043B Atelier de Desenho / IA
LAURA GOMES DE CASTILHOS

Turma B
Segunda-feira 18:30 - 21:50 - Sala 043B Atelier de Desenho / IA
Quarta-feira 18:30 - 21:50 - Sala 043B Atelier de Desenho / IA
CARLA ( em fase de contratação)

FUNDAMENTOS DA LINGUAGEM VISUAL II
ART02067 CH tot 60 CH semana 4
Turma C Vagas23 Matriculados: 13
Segunda-feira 08:30 - 11:50 - Sala 043A Atelier de Desenho / IA
BETINA FRICHMANN ()

CRIATIVO II
ART02025 CH tot180 CH semana12
Turma U
Terça-feira 08:30 - 11:50 - Sala 043 Atelier de Desenho / IA
Quinta-feira 08:30 - 11:50 - Sala 043 Atelier de Desenho / IA
Sexta-feira 08:30 - 11:50 - Sala 043 Atelier de Desenho / IA
BETINA FRICHMANN ()

SEMINÁRIOS DE TÓPICOS ESPECIAIS (DESENHO)
ART02117 CH tot 60 CH semana 4
Turma A
Quinta-feira 18:30 - 21:50 - Sala 043A Atelier de Desenho / IA
LUIZ ANTONIO CARVALHO DA ROCHA (a partir de 15 de setembro)

Turma B
Quarta-feira 14:30 - 17:50 - Sala 043A Atelier de Desenho / IA
LUIZ ANTONIO CARVALHO DA ROCHA (a partir de 15 de setembro)

CERÂMICA
ART02077 ATELIER DE CERÂMICA I CH tot120 CH semana 8
Turma A
Terça-feira 08:30 - 11:50 - Sala FCA Atelier de Cerâmica / DAV /
Quarta-feira 08:30 - 11:50 - Sala FCA Atelier de Cerâmica / DAV /
ALEXANDRA KLOECKNER ECKERT NUNES ()

ART02100 ATELIER DE CERÂMICA II CH tot120 CH semana 8
Turma A
Quarta-feira 18:30 - 21:50 - Sala FCA Atelier de Cerâmica / DAV /
Quinta-feira 18:30 - 21:50 - Sala FCA Atelier de Cerâmica / DAV /
CLAUDIA VICARI ZANATTA

ART02048 CRIAÇÃO CERÂMICA A CH tot180 CH semana12
Turma U
Terça-feira 18:30 - 21:50 - ATELIER DE CERÂMICA - ANEXO FEBIC
Quinta-feira 14:30 - 17:50 - ATELIER DE CERÂMICA - ANEXO FEBIC
Quinta-feira 18:30 - 21:50 - ATELIER DE CERÂMICA - ANEXO FEBIC
CARLOS AUGUSTO NUNES CAMARGO

ART02047 PESQUISA CERÂMICA CH tot180 CH semana12
Turma U
Terça-feira 14:30 - 17:50 - Sala FCA Atelier de Cerâmica / DAV /
Quarta-feira 14:30 - 17:50 - Sala FCA Atelier de Cerâmica / DAV /
Quinta-feira 14:30 - 17:50 - Sala FCA Atelier de Cerâmica / DAV /
ALEXANDRA KLOECKNER ECKERT NUNES ()

ART02043 PROCESSO CERÂMICO A CH tot120 CH semana 8
Turma U
Segunda-feira 08:30 - 11:50 - Sala FCA Atelier de Cerâmica / DAV /
Quinta-feira 08:30 - 11:50 - Sala FCA Atelier de Cerâmica / DAV /
RODRIGO NUNEZ

GRAVURA
ATELIER DE GRAVURA I
ART02078 CH tot120 CH semana 8
Turma A
Terça-feira 14:30 - 17:50 - Sala 053B Atelier de Serigrafia / IA
Quinta-feira 14:30 - 17:50 - Sala 053B Atelier de Serigrafia / IA
NILZA BELITA GRAU HAERTEL

ATELIER DE PERCEPÇÃO E CRIAÇÃO II
ART02070 CH tot 60 CH semana 4
Turma B
Quarta-feira 08:30 - 11:50 - Sala 053B Atelier de Serigrafia / IA
NILZA BELITA GRAU HAERTEL

Turma F
Sexta-feira 14:30 - 17:50 - Sala 053A Atelier de Gravura / IA
ISABEL ALENCAR DE CASTRO ()

GRAVURA EM METAL II
ART02839 CH tot180 CH semana12
Turma U
MARISTELA SALVATORI

XILOGRAVURA I
ART02842 CH tot120 CH semana 8
Turma A
Segunda-feira 08:30 - 11:50 - Sala 053A Atelier de Gravura / IA
Quinta-feira 14:30 - 17:50 - Sala 053A Atelier de Gravura / IA
ISABEL ALENCAR DE CASTRO ()

PINTURA
ATELIER DE PINTURA I
ART02075 CH tot120 CH semana 8
Turma A
Segunda-feira 08:30 - 11:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
Quarta-feira 08:30 - 11:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
ADRIANA ( em fase de contratação)

OFICINA DE TÉCNICAS PICTÓRICAS
ART02096 CH tot120 CH semana 8
Turma A
Terça-feira 08:30 - 11:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
Quinta-feira 08:30 - 11:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV

PINTURA AVANÇADA I
ART02032 CH tot180 CH semana12
Turma U
Terça-feira 14:30 - 17:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
Sexta-feira 08:30 - 11:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
Sexta-feira 14:30 - 17:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
ADRIANA ( em fase de contratação)

PINTURA AVANÇADA II
ART02033 CH tot180 CH semana12
Turma U
Segunda-feira 14:30 - 17:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
Quarta-feira 14:30 - 17:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
Quinta-feira 14:30 - 17:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
RENATO HEUSER

PINTURA DA FIGURA HUMANA
ART02024 CH tot180 CH semana12
Turma U
Terça-feira 18:30 - 21:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
Quinta-feira 18:30 - 21:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
Sexta-feira 18:30 - 21:50 - Sala 073A Atelier de Pintura / IA / DAV
CINTIA DA ROCHA WASNIEWSKI ()

PRINCÍPIOS DE CONSERVAÇÃO E RESTAURAÇÃO
ART02040 CH tot30: CH semana2:
Turma U
Quarta-feira 09:30 – 11:10 - Sala 0054 do(a) Instituto de Artes
LENORA LERRER ROSENFIELD

HTCA (História, Teoria e Crítica)
CIÊNCIAS DA ARTE: PROCESSO ARTÍSTICO E TECNOLOGIA
ART02114 CH tot 60 CH semana 4
Turma A
Segunda-feira 14:30 - 17:50 - Sala 0054 do(a) Instituto de Artes
MARCIA CRISTINA LEAO BONNET

FUNDAMENTOS DA PESQUISA EM ARTE
ART02110 CH tot 60 CH semana 4
Turma A
Quarta-feira 08:30 - 11:50 - Sala 063B Percepção / IA
ANA MARIA ALBANI DE CARVALHO
Turma B
Quarta-feira 08:30 - 11:50 - anexo
LUÍS EDEGAR DE OLIVEIRA COSTA

ART02013 HISTÓRIA DA ARTE NO BRASIL I CH tot 60 CH semana 4
Turma A
Segunda-feira 08:30 - 11:50 - Sala 63 G - Grad.Teoria e PPGAV
MARCIA CRISTINA LEAO BONNET
Turma B
Quarta-feira 18:30 - 21:50 – Sala 54
PAULA VIVIANE RAMOS ()

ART02049 INTRODUÇÃO À MUSEOGRAFIA CH tot 60 CH semana 4
Turma U
Terça-feira 14:30 - 17:50 - Sala 063B Percepção / IA
ANA MARIA ALBANI DE CARVALHO

ART02038 LABORATÓRIO DE CRIAÇÃO DE TEXTO II CH tot90 CH semana6
Turma U
Quarta-feira 08:30 – 11:00
Sexta-feira 08:30 – 11:00 - Sala 0054 do(a) Instituto de Artes
ICLEIA MARIA BORSA CATTANI

ART02037 LABORATÓRIO DE CRIAÇÃO DE TEXTOS I CH tot90 CH semana6
Turma U
Segunda-feira 10:30 – 13:00 - Sala 63D - PPGAV
Sexta-feira 14:30 – 17:00 - Sala 63D - PPGAV
ELIDA STAROSTA TESSLER

ART02039 LABORATÓRIO DE CRIAÇÃO DE TEXTOS III CH tot90 CH semana6
Turma U
Quarta-feira 11:30 – 14:00 - Sala 63 G - Grad.Teoria e PPGAV
Sexta-feira 14:30 – 17:00 - Sala 63 G - Grad.Teoria e PPGAV
ICLEIA MARIA BORSA CATTANI

ART02082 LABORATÓRIO DE TEXTO CH tot120 CH semana 8
Turma A
Terça-feira 08:30 - 11:50 - Sala 63 G - Grad.Teoria e PPGAV
Quinta-feira 08:30 - 11:50 - Sala 63 G - Grad.Teoria e PPGAV
ELIDA STAROSTA TESSLER

ART02118 MUSEOLOGIA DA ARTE CH tot 60 CH semana 4
Turma A
Quarta-feira 18:30 - 21:50 - Sala 63 G - Grad.Teoria e PPGAV
BLANCA LUZ BRITES

ART02117 SEMINÁRIOS DE TÓPICOS ESPECIAIS (HISTÓRIA DA ARTE) CH tot 60 CH semana 4
Turma C
Terça-feira 18:30 - 21:50 - Sala 63 G - Grad.Teoria e PPGAV
LUÍS EDEGAR DE OLIVEIRA COSTA

ART02018 TEORIA E CRÍTICA DA ARTE CH tot 60 CH semana 4
Turma A
Terça-feira 08:30 - 11:50 - Sala 0054 do(a) Instituto de Artes
MONICA ZIELINSKY
Turma B
Sexta-feira 18:30 - 21:50 - Sala 0054 do(a) Instituto de Artes
PAULA VIVIANE RAMOS ()

TECNOLOGIA
ART02085 LABORATÓRIO DE ARTE E DESIGN CH tot120 CH semana 8
Turma A
Segunda-feira 14:30 - 21:50 - NÚCLEO DE DESIGN DE SUPERFÍCIE -
MARINA BORTOLUZ POLIDORO()
Turma B
Terça-feira 08:30 - 17:50 - NÚCLEO DE DESIGN DE SUPERFÍCIE -
EVELISE ANICET RUTHSCHILLING

ART02058 DESIGN DE SUPERFÍCIE I
Turma A
Terça 14:30-17:50

ART02073 LABORATÓRIO DE ARTE E ENSINO II CH tot30: CH semana2:
Turma B
Quinta-feira 16:30 – 18:10 - Sala 071A Lab Comp Gráfica / IA /
Turma C
Quinta-feira 18:30 – 20:10 - Sala 071A Lab Comp Gráfica / IA /
MARIA CRISTINA VILLANOVA BIAZUS

ART02086 LABORATÓRIO DE ARTE E TELEMÁTICA CH tot120 CH semana 8
Turma A
Segunda-feira 08:30 - 11:50 - Sala071 Laboratório de Computação
Terça-feira 08:30 - 11:50 - Sala071 Laboratório de Computação
MARIA CRISTINA VILLANOVA BIAZUS

ART02072 LABORATÓRIO DE ARTE II CH tot30: CH semana2:
Turma D
Segunda-feira 18:30 – 20:10 - Sala 071A Lab Comp Gráfica / IA /
MARINA BORTOLUZ POLIDORO ()

ART02090 LABORATÓRIO DE VÍDEO CH tot120 CH semana 8
Turma A
Quarta-feira 08:30 - 11:50 - Sala071 Laboratório de Computação
Sexta-feira 08:30 - 11:50 - Sala071 Laboratório de Computação
ENY MARIA MORAES SCHUCH

ART02088 LABORATÓRIO DE MODELAGEM E AMBIÊNCIA DIGITAL CH tot120 CH semana 8
Turma A
Quarta-feira 14:30 - 21:50 - Sala 071A Lab Comp Gráfica / IA /
ADOLFO LUIS SCHEDLER BITTENCOURT

ESCULTURA
ART02029 ESCULTURA II CH tot180 CH semana12
Turma U
Segunda-feira 08:30 - 11:50 - Sala FCB Atelier de Escultura / DAV /
Terça-feira 08:30 - 11:50 - Sala FCB Atelier de Escultura / DAV /
Quinta-feira 08:30 - 11:50 - Sala FCB Atelier de Escultura / DAV /
MARIA IVONE DOS SANTOS

ART02071 OFICINA DE CRIAÇÃO TRIDIMENSIONAL II CH tot 60 CH semana 4
Turma C
Quarta-feira 14:30 - 17:50 - ATELIER DE ESCULTURA EM METAL
BRUNO DA SILVA TEIXEIRA ()
Turma D
Sexta-feira 14:30 - 17:50 - ATELIER DE ESCULTURA EM METAL -
JESSICA ( em fase de contratação)
Turma F
Terça-feira 18:30 - 21:50 - ATELIER DE ESCULTURA EM METAL -
JESSICA ( em fase de contratação)
Turma G
Quarta-feira 18:30 - 21:50 - ATELIER DE ESCULTURA EM METAL -
JESSICA ( em fase de contratação)

FOTOGRAFIA
ART02206 FOTOGRAFIA II CH tot 45 CH semana 3
 Turma U
Quinta-feira 15:30 – 18:00 - Laboratório de Fotografia 2
PATRICIA CAMERA VARELLA DA LUZ
 averiguar com professor

ART02207 FOTOGRAFIA III CH tot120 CH semana 8
 Turma U
Terça-feira 14:30 - 17:50 - Laboratório de Fotografia 2
Quarta-feira 14:30 - 17:50 - Laboratório de Fotografia 2
CLAUDIA SABANI
 averiguar com professor

ART02208 FOTOGRAFIA IV CH tot135 CH semana9
Turma U
Segunda-feira 14:30 – 18:40 - Laboratório de Fotografia 2
Quarta-feira 14:30 - 17:50 - LABORATÓRIO DE FOTOGRAFIA -
LUIZ EDUARDO ROBINSON ACHUTTI

ART02844 FOTOGRAFIA PARA ARTES GRÁFICAS CH tot 60 CH semana 4
Turma U
Quarta-feira 18:30 - 21:50 - LABORATÓRIO DE FOTOGRAFIA -
LUIZ EDUARDO ROBINSON ACHUTTI

ART02275 FOTOGRAFIA V CH tot135 CH semana9
Turma U
Segunda-feira 16:30 – 20:40 - Sala 0021 do(a) Instituto de Artes
Sexta-feira 08:30 - 11:50 - Laboratório de Fotografia 2
EDUARDO FIGUEIREDO VIEIRA DA CUNHA

ART02102 LABORATÓRIO DE FOTOGRAFIA II CH tot120 CH semana 8
Turma A
Terça-feira 08:30 - 11:50 - Laboratório de Fotografia 2
Quarta-feira 08:30 - 11:50 - Laboratório de Fotografia 2
PATRICIA CAMERA VARELLA DA LUZ

ART02069 SISTEMAS DE REPRESENTAÇÃO II CH tot30 CH semana2
Turma B
Quinta-feira 20:30 – 22:10 Sala 54
PATRICIA CAMERA VARELLA DA LUZ ()

EDUCAÇÃO
ART02106 LABORATÓRIO DE PROJETOS DE ENSINO EM ARTES VISUAIS I CH tot150 CH semana10
Turma A
Quinta-feira 14:30 – 18:40 - Sala 043B Atelier de Desenho / IA
Sexta-feira 14:30 – 18:40 - Sala 063B Percepção / IA
UMBELINA MARIA DUARTE BARRETO

Arte + Arte: LIVRE ASSOCIAÇÃO

2008-08-06T10:29:00.001-07:00

Arte + Arte: LIVRE ASSOCIAÇÃO

Anualmente, a Associação Riograndense de Artes Plásticas Francisco Lisboa – Chico Lisboa organiza a mostra Arte+Arte, que objetiva a integração cultural entre instituições e artistas, marcada pela reflexão ou homenagens. Na primeira edição, realizada no Museu Hipólito José da Costa, teve como objetivo a integração e o fortalecimento daquele espaço cultural; na segunda, na Usina do Gasômetro, uma reflexão sobre a importância da água em nosso planeta; na terceira edição, no Paço Municipal, homenageamos Mário Quintana. Na quarta edição do Arte+ Arte teve como tema o planeta Terra, numa realização conjunta com a Casa de Cultura Mário Quintana e MAC-RS. Para esse ano de 2008, quando a Chico Lisboa comemora seus 70 anos de existência escolhemos o conceito: “Livre Associação”. Os artistas poderão manifestar-se livremente quanto ao tema, apresentando em sua obra as relações conceituais e plásticas recorrentes de sua produção, no entanto, o que vai ser analisado, a priori, para a seleção dos trabalhos, será a associação de técnicas e/ou linguagens na construção de um mesmo trabalho.

Local da exposição: Casa de Cultura Mário Quintana - Galeria Xico Stockinger

Período: 23 de outubro a 30 de novembro de 2008

REGULAMENTO

Da participação

Poderão participar artistas residentes em todo o território nacional, brasileiros e estrangeiros, sócios ou não sócios da Chico Lisboa.

Da inscrição

1- Cada artista, ou grupo de artistas, poderão inscrever-se com 01 (uma) obra, produzida entre 2007 e 2008.

2- O artista deverá entregar a ficha de inscrição e um portfólio contendo:

a- 01(uma) fotografia da obra em formato igual ou maior que 13x 18 cm, que deseja inscrever no projeto, ficha técnica, texto elucidativo de no máximo uma lauda.

b- currículo resumido e cinco fotos de outros trabalhos seus, que considere relevantes.

3- Nos projetos em grupo, o portfólio deverá conter as informações requisitadas, no item anterior letra b, de todos os integrantes.

4- As inscrições poderão ser feitas até a data limite de 19 de setembro, diretamente na sede da Chico Lisboa, ou remetidas pelo correio, onde será considerada válida a data limite do carimbo do correio. Após esta data não serão mais aceitas inscrições.

O artista sócio da Chico Lisboa deve estar em dia com a anuidade de 2008 no ato da inscrição.

Da seleção

As propostas serão avaliadas por uma comissão de seleção, composta por cinco membros representativos da área cultural.

A divulgação do resultado da seleção ocorrerá dia 03 de outubro no site da associação www.chicolisboa.com.br.

Os portfólios dos associados inscritos não serão devolvidos, pois serão utilizados para a atualização do cadastro dos mesmos.

O artista selecionado deverá pagar uma taxa de R$ 20,00 se sócio da Chico Lisboa, e de R$ 100,00 se não sócio da Chico Lisboa. A data limite para o pagamento das taxas é a da entrega dos trabalhos selecionados.

O artista não associado que for selecionado, se desejar se associar poderá obter informações pelo fone (51) 3224-6678 no turno da tarde, com a secretária Ananda, ou no site www.chicolisboa.com.br.

Da entrega dos trabalhos

A data de entrega dos trabalhos selecionados será no dia 20 de outubro, na Casa de Cultura Mário Quintana, das 14h às 18h, na Rua dos Andradas, 736, 6º andar.

As obras deverão ser entregues em perfeitas condições de serem expostas, obrigatoriamente identificadas com a etiqueta em anexo e prontas para a montagem (ganchos, moldura se necessário). A comissão organizadora fica isenta da responsabilidade por eventuais danos ocasionados pelo não cumprimento desta orientação.

Das obras

As obras bidimensionais não deverão exceder a medida de 200cm x 200cm.

As obras tridimensionais poderão ter, no máximo, 150cm altura x 100cm de largura x 100cm de profundidade.

As instalações poderão ter, no máximo, 200cm de altura x 200cm de largura x 200cm de profundidade.

As performances selecionadas deverão ser apresentadas no dia da inauguração da exposição.

Da montagem

A montagem da exposição será executada pela Chico Lisboa.

No caso da obra necessitar de montagem especial, a comissão organizadora marcará dia e hora para o artista montar o trabalho. Caso for indispensável o uso de algum equipamento especial, o artista deverá fornecê-lo.

Da retirada das obras

A retirada das obras será impreterivelmente no dia 1º de dezembro, na Casa de Cultura Mário Quintana, Galeria Xico Stockinger, R.dos Andradas, 736, 6º andar, das 14 às 18 h.

A Associação Chico Lisboa não se responsabilizará pelas obras que não forem retiradas no dia marcado.

Os artistas de outras localidades deverão combinar com a Associação Chico Lisboa o envio e a retirada de seus trabalhos.

A entrega e retirada das obras, e as despesas de transporte, correrão por conta do artista.

Demais considerações:

O último prazo para entrega da ficha de inscrição e portfólio será no dia 19 de setembro.
O pagamento da taxa de inscrição poderá ser efetuado após a seleção do júri, na sede da Chico Lisboa, a partir do dia 6/10/2008. Artistas de outros Estados devem combinar com a secretária Ananda, por telefone, sobre o envio do trabalho e pagamento da taxa de inscrição. O trabalho não será exposto se não for efetivado o devido pagamento das taxas.
A Chico Lisboa isenta-se de qualquer responsabilidade sobre eventuais danos causados às obras durante o período de exposição das mesmas.
Os casos omissos serão resolvidos pela Chico Lisboa.
O envio da proposta implica na aceitação total deste regulamento.

Cronograma

Inscrições: até 19/09/2008.

Divulgação do resultado da seleção: 03/10/2008 no site da associação.

Entrega das Obras: 20/10/2008.

Período da exposição: 23/10 a 30/11 de 2008.

Devolução das Obras: dia 01/12/2008.

Associação Riograndense de Artes Plásticas Francisco Lisboa

Travessa dos Venezianos, 19 – CEP 90050-370 – Porto Alegre/RS.

Horário de funcionamento: das 14h às 18h

Informações pelo Telefone: (51) 3224. 6678

Email: chicolisboa@terra.com.br

Site: www.chicolisboa.com.br

A ficha de inscrição anexa deverá ser entregue na sede da Chico Lisboa ou enviada pelo correio, devidamente preenchida, acompanhada do portfólio.

FICHA DE INSCRIÇÃO Nº............. (não preencher este campo)

Arte + Arte: “Livre Associação”

Nome completo: ...........................................................................

Nome artístico ou para o convite............................................................................................

Endereço.................................................................................................................................

CEP......................... Cidade.............................................. Estado.........................................

E-mail.................................................................. Fone...........................................................

Fax........................................ Celular......................................................................................

Modalidade da obra:

Especificar que técnicas e /ou linguagens foram utilizadas na construção do trabalho:

Data: __/ __/ 2008.

Assinatura: __________________________________________________

Recorte e cole no verso da obra.

Artista......................................................................................................................................

Título da Obra.........................................................................................................................

Técnica...................................................................................................................................

Dimensões............................................................................................ Ano...........................

Quer ganhar uma camiseta Bebete?

2008-07-04T20:40:00.000-07:00

Bebete

Quer ganhar uma camiseta Bebete?

Envie uma imagem (ilustração ou foto) para o e-mail designers@t-brasil.net sobre o tema "Quem é Bebete?" e concorra a uma camiseta Bebete à sua escolha e a um cd com a fonte Bebete. Use e abuse da sua criatividade, pois somente a melhor imagem será presenteada.

Só poderão participar usuários já cadastrados na newsletter da T-Brasil. Então, se você ainda não é cadastrado, clique aqui: http://www.t-brasil.net/?codigo_loja=1&lang=pt_BR&act=news. A escolha do vencedor será feita pela equipe da T-Brasil, em conjunto com Adreson, criador das camisetas Bebete.

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Primeira Missa no Brasil - O renascimento de uma pintura

2008-06-02T10:57:00.000-07:00

de 02 de Junho de 2008 a 27 de Julho de 2008

O MARGS traz pela primeira vez ao RS uma obra fundamental da pintura histórica brasileira do século XIX: trata-se do quadro Primeira Missa no Brasil, de 1860, executado pelo artista catarinense Victor Meirelles (1832-1903) e pertencente ao Acervo do Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro - MNBA. A tela integra a mostra A Primeira Missa no Brasil – O renascimento de uma pintura que já foi vista no Museu Oscar Niemeyer, em Curitiba, e no Museu de Arte de Santa Catarina, em Florianópolis.

Com curadoria de Pedro Xexéo e Andrea Pedreira, a exposição apresenta ainda 11 esboços de Meirelles sobre seções e personagens da obra, além de documentos históricos, painéis fotográficos e um vídeo que apresenta o processo de restauração ao qual o quadro foi submetido entre 2006 e 2007.

2008-05-20T09:04:00.000-07:00

How long must we two hide the burning gaze
And look by stealth in one another's eyes?
Let us proclaim our love; and whoso stays
The sweet embrace that lulls all miseries
The Sword's our doctor; best that you and I
Should live together, or together die

Quanto mais devemos esconder o olhar ardente
E olhar furtivamente nos olhos um do outro?

Vamos proclamar o nosso amor;e quem fica
O doce abraço que acalma todas as misérias

A espada do nosso médico; melhor que você e eu
Devemos viver juntos, ou juntos morrer

Paulus Silentiarius

arte e tecnologia

2008-05-18T17:32:00.001-07:00

G.R.L. Reporting Live From Sundance from fi5e on Vimeo.

2008-05-08T08:08:00.000-07:00

O olho interminável

2008-05-02T13:46:00.001-07:00

Metodologia de Pesquisa em Arte

2008-03-20T06:26:00.000-07:00

Universidade Federal do Rio Grande do Sul
Instituto de Artes - Departamento de Artes Visuais
Metodologia da Pesquisa em Arte
Profª Ana Maria Albani de Carvalho
Adreson Vilson Vita de Sá

Tema: foto e tipografia (título ainda não definido)

Área: Fotografia

Palavras-chave: arte, escrita, design, fotografia, tipografia, linguagem, signos

Descrição:

Elaboração de painel a partir de 2000 fotografias de elementos tipográficos de edíficios e casas. O painel será apresentado de acordo com o espaço expositivo. A pesquisa iconográfica procurar reunir detalhes arquitetônicos e deve analisar seus aspectos visuais (cores, formas, estilos) e as linguagens utilizadas para a produção de um painel. Este reunirá as mais de 2000 fotos transformando-as em uma imagem multicolorida.

Objetivos:

investigar/analisar linguagens, estilos utilizados nos elementos arquitetônicos
discussão sobre questões de espaço/localização urbana
pesquisar signos númericos e suas variações de formas
investigar a formação de imagens a partir de elementos

Bibliografia:

AUMONT, Jacques. "A Imagem". São Paulo : Ed. Papirus, 1993.

FRUTIGER, Adrian. Sinais e Símbolos: Desenho, Projeto e Significado. São Paulo : Martins Fontes, 1999.

FLUSSER, Vilém. Filosofia da caixa preta. Sãoo Paulo: Relume Dumará, 2002.

MANDEL, Landislas. Escritas, espelho dos homens e das sociedades. São Paulo : Edições Rosari, 2006.

Isto é arte de verdade

2008-01-02T20:28:00.000-08:00

Babem, isto é arte e design

http://www.ektopia.co.uk/ektopia/

Ilustração dez/2007

2007-12-12T06:07:00.001-08:00

Ilustração dez/2007
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ilustração - coisa que não se aprende no curso de Artes da UFRGS

Imagens Vivas

2007-12-07T09:15:00.000-08:00

As imagens apresentadas foram feitas à partir de fotografias que registram um trabalho de pintura corporal.O processo foi desenvolvido em etapas que envolveram primeiramente pintura, desenho e fotografia.

Foram selecionadas quatro imagens para serem trabalhadas digitalmente, criando diferentes camadas, efeitos visuais e transparências. Após as imagens prontas, e impressas, foi colocada mais uma camada, esta feita a mão livre com material adequado ao tipo de suporte.

Propõe-se com estas diferentes camadas de pintura digital combinada com os grafismos à mão livre, ultrapassar parâmetros e limites entre as linguagens e suportes visuais.

Ocorre aqui o resultado do processo de transfiguração da artista em suporte. Materializa-se conceito e a arte volta à sua autora como material visível para novamente desmaterializar-se em fragmentos pictóricos, que através de manipulações resultam enfim em imagens vivas e oníricas.

Bienal B – uma experiência coletiva

2007-11-27T08:43:00.000-08:00

Artes visuais Iniciativa de artistas da capital mostra que cooperação
é o caminho para divulgar produção

por Leandro Selister
Articulador de espaços da Bienal B

Artista plástico e editor do site Artewebbrasil

27 de agosto de 2007, Rio Grande do Sul, Porto Alegre, bairro Moinhos de Vento, Moinhos Shopping, praça de alimentação, discursos, mais de 450 pessoas, luzes, desfile de obras de arte: Os estranhos vestíveis, muitos aplausos. Iniciava-se assim oficialmente a Bienal B.

Na noite de abertura, entre agradecimentos e uma imensa alegria de estar participando ativamente desse momento, citei o professor e geógrafo Milton Santos (1926-2001) que, ao responder uma pergunta sobre como viver num mundo apressado como o nosso e criticá-lo ao mesmo tempo, disse: “O que se pode fazer é viver apressado, para garantir a subsistência, mas sem perder de vista a construção de um sonho. É o sonho que obriga o homem a pensar.”

[ leia mais ]

Sonhar, pensar e construir: três palavras que representam muito para a Bienal B, um evento que se propôs a realizar cerca de 70 exposições, contemplando mais de 300 artistas em 40 espaços da cidade, revelando até mesmo alguns deles pela primeira vez, em um curto período de tempo – apenas três meses.

O começo – No início deste ano, o site da Bienal B entrou no ar, convocando todos os artistas interessados em expor seus trabalhos durante os meses de setembro, outubro e novembro. A inscrição era simples e rápida, bastando para isso, enviar por e-mail o currículo e fotos de três trabalhos. Em troca, o artista seria incluído no site e informado através dele de todas as novidades, prazos, montagens, eventos etc. A única certeza era que não existiam verbas, mas existia aquele velho sonho de construir algo novo e esse era o maior valor que possuíamos.

Em pouco tempo, a quantidade de inscrições e adesões cresceu, parceiros surgiram, a mídia foi descobrindo e revelando que alguma coisa muito diferente estava por acontecer em Porto Alegre. Diferente porque dependia de todos. Diferente porque ao mesmo tempo em que muitos não se conheciam, as redes começavam a se formar, e, no final do período de inscrições, o número de interessados ultrapassava a marca de 300 artistas.

Encerradas as inscrições, teve início a segunda etapa do processo – a seleção dos artistas. Gaby Benedict, artista plástica e articuladora geral da Bienal B, convidou para essa tarefa: André Venzon, artista plástico e presidente da Associação Francisco Lisboa, Isabel de Castro, artista plástica e professora do Instituto de Artes da UFRGS e ESPM e Leandro Selister, artista plástico e editor do site Artewebbrasil. A intenção de Gaby era discutir quais seriam os artistas selecionados. Naquele momento, o consenso foi de que nenhum dos inscritos no site seria excluído da mostra, pois na avaliação geral, o que realmente importava era o fato de que todos pudessem participar e viver esse momento. Os riscos e críticas dessa decisão eram inevitáveis, mas pretendíamos era proporcionar aos artistas o exercício real de um grande trabalho em grupo, de uma colaboração entre todos, Exercer enfim, aquela velha história: “se cada um fizer a sua parte tudo vai funcionar”. Hoje, com dois meses de exposições, podemos perceber que a decisão para aquele momento, foi a mais certa, e, que estamos construindo todos os dias a Bienal B.

Ação educativa – A Bienal B também teve a preocupação de discutir temas ligados à arte através de projetos como Papo Arte, no bar Joy Division, no qual encontros semanais coordenados por Lisiane Rabello discutiram a experiência cotidiana que todos temos com a arte, aproveitando a opinião de convidados e artistas; e o Língua de Artista, projeto de encontros quinzenais informal e dinâmico realizado na praça de alimentação do Moinhos Shopping com a coordenação de Isabel de Castro. O público tem comparecido e participado desses encontros, provando mais uma vez que para pensar e discutir o importante é a vontade efetiva de fazer isso.

Arte engajada – Uma estrutura de ferro, uma espécie de jaula, situada no primeiro andar do Moinhos Shopping chamou a atenção e mudou a rotina dos freqüentadores do centro de compras. Tratava-se da obra Lar doce lar, de Cláu e Beto, os CowBees. Ao abdicarem da privacidade de suas vidas, o casal se propôs a ficar literalmente trancado na jaula pelo período de 12 horas diárias durante 32 dias. Através de um computador os artistas relatavam diariamente a experiência em um blog na internet (http://www.cowbees.com/) permitindo ao público acompanhar o que eles estavam vivendo e sentindo com a experiência. Dois fones de ouvido e dois aparelhos de CD portáteis permitiram às pessoas que visitavam o shopping escutar a música Lar doce lar, que dá nome ao trabalho. Através de uma letra irônica e bem humorada e de uma apresentação final com muita emoção, os CowBees trataram de um assunto pertinente e urgente: a violência urbana. Criaram uma obra de arte que não passou despercebida e que sensibilizou o público. Uma obra que nos colocou frente a frente com imposições que sofremos de uma sociedade injusta e desigual e que, muitas vezes, não percebemos. Uma obra que convida à reflexão e à atitude. Como diz a letra: “... Que felizes vamos ser, na nossa doce prisão, não sairemos nunca mais, do planeta solidão”.

Os parceiros – Não poderia deixar de comentar sobre as parcerias que foram sendo construídas, e que certamente continuarão a existir e a se fortalecer para a próxima edição da Bienal B em 2009. Começando pelos 40 espaços expositivos que receberam as exposições num gesto que demonstra o entendimento e o apoio a nossa proposta. Ao Shopping Moinhos carinhosamente conhecido como o nosso âncora expositivo. Aos patrocinadores individuais de cada artista incentivando-os a mostrarem seus trabalhos. Ao apoio da Fundação Bienal do Mercosul, que possibilitou a impressão de 40 mil mapas da Bienal B, onde constam todos os endereços, apoiadores e artistas e a incrível campanha publicitária concebida pela Paim Comunicação com a chamada que traduz tudo aquilo que acreditamos: Bienal B – Outras Perspectivas. Sem a colaboração e o envolvimento desses parceiros, não teríamos conseguido realizar nada disso.

Para terminar ou querendo começar tudo de novo... É difícil avaliar um evento como a Bienal B, ainda tão novo, mas nem por isso, menos contundente e forte. Estou dentro dele desde o início. Acredito muito nele e sonhei que seria possível algo assim acontecer em Porto Alegre. Quando a última exposição encerrar vamos novamente nos preparar para sonhar, pensar e construir a próxima Bienal B, mas com uma diferença fundamental: estaremos mais maduros e experientes. Para terminar essa breve história, deixo aqui um dos anagramas criados para a campanha publicitária da Bienal B e que certamente será o sentimento de todos aqueles que estiveram envolvidos na construção desse projeto: te dar adeus – ter saudade.

Souso Mossou

2007-11-16T16:09:00.000-08:00

Percurso Infinito - Thais Petzhold

2007-11-12T10:09:00.000-08:00

Homem Duplo, Rua Dupla

2007-11-09T13:57:00.001-08:00

Rua Dupla
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Gelada madrugada, a luz caminha pelo tempo vazio.

Núcleo Urbanóide

2007-11-08T11:28:00.001-08:00

Núcleo Urbanóide
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Bienal B é a idéia

História da Fotografia

2007-04-16T19:52:00.000-07:00

Duas fontes de pesquisa: Museu Paulista e Arquivo do Estado de SP

Imagens que contam a história da fotografia

para Descobrir, o Museu Paulista vai contar a história da fotografia. Uma história que a professora e curadora Solange Ferraz de Lima já vem apresentando através de várias exposições e palestras, mas que, graças ao acervo da exposição, vai ser contada segundo a variedade de técnicas experimentadas ao longo da trajetória da fotografia.

http://www.usp.br/jorusp/arquivo/2006/jusp765/pag0809.htm

Conservação e Preservação de Coleções Fotográficas
Artigo publicado na edição nº 1 de abril de 2005.
Marli Marcondes

A organização e conservação de coleções fotográficas em museus, arquivos, centros de documentação, bibliotecas e demais espaços destinados à memória é ainda uma prática restrita a grandes instituições brasileiras, embora seja desejo de toda sociedade que esse tipo de material dure eternamente.

http://www.historica.arquivoestado.sp.gov.br/materias/anteriores/edicao01/materia02/

Citando Albert Camus

2007-04-07T16:57:00.000-07:00

Resenhas de Brasil I

2007-03-18T13:25:00.001-07:00

Sobre "As ocupações pré-históricas dos índios no Brasil" de Níéde Guidon
http://docs.google.com/Doc?id=dgxqkz34_1dkjp99

Sobre "Introdução a uma história indígena" de Manuela Carneiro da Cunha.
http://docs.google.com/View?docID=dgxqkz34_0dzj3zn&revision=_latest

Resenhas de Brasil I

2007-03-18T13:25:00.000-07:00

Sobre "Raízes do Brasil" de Sérgio Buarque de Holanda
http://docs.google.com/Doc?id=dgxqkz34_2fpsvzq

Sobre "Introdução a uma história indígena" de Manuela Carneiro da Cunha.
http://docs.google.com/Doc?id=dgxqkz34_0dzj3zn

Sobre "As ocupações pré-históricas dos índios no Brasil" de Níéde Guidon
http://docs.google.com/Doc?id=dgxqkz34_1dkjp99

2007-03-17T18:33:00.000-07:00

frase do dia:

"e foda-se a tal pós modernidade e suas prerrogativas...."

Eduardo Miotto

Coquetel de Lançamento do Site!

2007-03-11T19:29:00.000-07:00

entra lá: www.bienalb.org

FOTO I

2007-03-11T19:16:00.000-07:00

Profª. Ms. Patricia Camera

* AULA 01
* Semana 05 /março 2007

2 - Imagem visual

* Resultado de determinada produção que é perceptível ao olho.
* Modalidades: imagens abstrata, expressiva, figurativa, etc.
* Comunicação pode ser feita por meio do jornal, revista, televisão, cartaz, outdoor, como também em lugares restritos como galerias, museus e salões.
* Quando as imagens estão associadas aos espaços artísticos ou são reconhecidas pelas instituições de arte, elas “adquirem” status de obra.
o Aumont diz que é “obra de arte o que é socialmente reconhecido como tal (...)” e que “toda a arte é atualmente definida em primeiro lugar pela instituição (...)” (Aumont, 1993, p. 298-300).
o A produção artística está relaciona à produção de “algo” que seja inovador, inventivo, criativo. Sobretudo, a produção de arte (que pode ser expressa pela produção de imagem) está de certa forma associada ao desejo de se chegar a uma experiência e a um conhecimento de ordem transcendental.

3 - Imagem visual e artefatos tecnológicos

* Camera Obscura – trabalhos de pintores holandeses (Vermeer de Delft, Hoogstraten) do século XVII e italianos (Vanvitelli, Zucarelli, Canaletto, Bellotto) do século XVII e XVIII, que usavam a câmera obscura no processo de criação.

* Aparece a fotografia no século XIX mediada por um instrumento automático, que devido às suas características suscita novas questões sobre a produção artística e de imagem.

4 - FIGURA 6 - Camera obscura, Gerorge Brander, 1769 (Baldwin, 1991).

FIGURA 7- Menina com uma Flauta, Jan Vermeer, 1665 (http://oceansbridge.com).

5 - Origem e primeiros passos da fotografia

* O daguerreótipo é o primeiro processo fotográfico comercializado mundialmente.
o Anunciado em 1839 por François Arago na Academia de Ciências Francesa, tendo como principal inventor Daguerre (1789 – 1851), este processo foi aclamado como uma “doação” da França ao mundo.

* Na Inglaterra, H. Fox Talbot (1800 – 1877) inventa em 1839 o photogenic drawings, reivindicando sem sucesso o posto concedido a Daguerre como “inventor” da fotografia
o Em 1840, Talbot aprimora o processo photogenic drawings, resultando em outro processo patenteado em 1841 sob o nome de calótipo também conhecido como Talbótipo

+ “o princípio do negativo-positivo, desenvolvido por Talbot, seria a base da fotografia moderna, e que a imagem única, característica fundamental da invenção de Daguerre, apesar de imensa aceitação de início, teria seu declínio gradativo após uma década e meia aproximadamente” (Kossoy, 1980).

6 - A multiplicidade da “origem” da fotografia

* Frizot (1998) expõe que a fotografia não foi criada por uma única pessoa, citando:
o Niépce (1765-1851)
o Daguerre (1787-1851)
o Talbot (1800-1877)
o Bayard (1801-1887) como principais precursores da invenção no período de 1839-1840.

* Kossoy (1980), inclui Hercules Florence (1804-1879) nesta lista.

# “Borris Kossoy, ao incluir o nome de Hercules Florence entre os indivíduos que descobriram um processo fotográfico no século XIX (1834), refere-se a um estudo de Pierre Harmat que indica a existência de uma “relação de vinte e quatro pessoas que reivindicavam para si a invenção da fotografia” (Turazzi, 1995, p. 33).
# Florence fotografou através da câmera escura com uma chapa de vidro e usou um papel sensibilizado para a impressão por contato.

7

FIGURA 1 - O daguerreótipo é comercializado como objeto tridimensional. Sua confecção é feita em um tipo específico de caixa. [Dois viajantes, 1852-1855, daguerreótipo, J.H. Polycarpus von Schneidau (Baldwin, 1991)].

8 - Aparelho de pose

* A pose passa a ser usada para “burlar” as limitações técnicas do processo, uma vez que para captar o referente, utilizando o processo daguerreótipo, o retratado necessitava permanecer imóvel durante quinze minutos

9 - Calótipo

FIGURA 2 - O calótipo tem como característica a reprodutibilidade da imagem. [Sr.Thomas Livingstone Mitchell, calótipo colorido à mão, William Hetzer, c. 1838-1880].

10 - França X Inglaterra

* A quebra da patente do processo daguerreótipo em 1839 tornou viável a reprodução do indivíduo de forma “fiel” e automática, com exceção feita à Inglaterra que sofreu restrições para o uso do processo daguerreótipo até 1853 (Turazzi,1995, p.15).

* A partir daí a câmera se volta para a face humana, sendo então o indivíduo representado pelos mais diferentes processos:
o daguerreótipo – 1839
o calótipo –1841
o colódio – 1851
o ambrótipo – 1851
o ferrótipo – 1857

11 - Carte de visite

* A partir de 1854, com a patente do formato carte de visite, Desderi populariza a fotografia e a sociedade burguesa passa a registrar seu êxito social.

* No tamanho de 9,5 x 6 cm, montada sobre um cartão rígido de cerca de 10 x 6,5 cm, o formato carte de visite marca a fase de industrialização da imagem, tendo seu auge em torno de 1858.

* Caracterizada pela pose do modelo em corpo inteiro, situado em um cenário montado no estúdio, o fotógrafo pratica o mesmo enquadramento para todos clientes, utilizando representações padronizadas com acessórios e roupas que comunicam a ostentação, a estabilidade e a legitimidade da sociedade burguesa (Fabris, 2004, p.25-31).

* Kossoy (1980) vê nesta prática fotográfica o cliente como um “objeto” do estúdio, representado por poses enunciadas de acordo com sua atividade profissional e classe social. Já o estúdio fotográfico é identificado por Kossoy como um “armazém de acessórios de um teatro que guarda preparadas, para todo o repertório social, as máscaras de seus personagens” (Kossoy, 1980, p. 44).

12 - Carte de visite

* Principais praticantes da representação simbólica social (pose) do ser humano na Europa estão Nadar e Le Gray.

* No Brasil, se destacam Insley Pacheco, Bovelot & Prat, Revert- Henry Klumb e Stahl & Wahnschaffe por retratar a família Imperial, Sthal e Ferrez por registrar os índios e os negros em estúdio e Emílio Goeldi por documentar seus estudos antropomórficos com índios krahó - originários de Goiás.

* Por meio da pose em ¾ que os retratistas procuram garantir a individualidade na representação dos figurantes aristocráticos e assim “documentar” as gerações. Já os burgueses são, em sua maioria, retratados de corpo inteiro, “imersos” em um cenário que por meios simbólicos indica sua condição econômica.

13

FIGURA 9 - Rainha Vitória, Carta de visita (frente e verso), William e Daniel Downey, c.1880 (Baldwin, 1991).

FIGURA 10 - A difusão deste tipo de imagem acontece na sociedade com a comercialização de retratos de família, personalidades, atrizes e atores. [Anônimos, carte de visite, Baron & Mitkiewicz, c. 1860, França e Viena (Frizot,1998)].

14 - Revista

* A venda do carte de visite tem influência significativa no fotojornalismo, e assim na mídia de massa, pois “foi através da popularização massiva da imagem fotográfica [carte de visite] que se começou a delinear um mercado para o fotojornalismo”. Neste contexto, a primeira revista ilustrada com fotografias, The Ilustrated London News (1842), nasce almejando a aproximação entre realidade, imagem e público. Sousa (ibid., p.27) cita que “entre 1855 e 1860, a tiragem cresceu de 200 mil para 300 mil exemplares, o que indica uma crescente apetência social pela imagem”.

15 - Da fotografia profissional para amadora

* 1888 – lançamento do filme de rolo (de papel) pela Kodak

►fotografia amadora.

o George Eastman desenvolve a primeira câmera portátil – a KODAK – vendida com um filme em rolo de papel suficiente para tirar 100 fotografias circulares com um 2 1/4 de diâmetro.

o O anúncio da KODAK - "Você aperta o botão e nós fazemos o resto".

foto I - referência bibliográfica

2007-03-11T19:15:00.000-07:00

LIVROS

►BARTHES, Roland. A Câmara Clara. Rio de Janeiro: editora Nova Fronteira, 1984.

BIENAL 50 ANOS, 2001.Fundação Bienal de São Paulo.

►CAMPANY, David. Art and Photography (Themes and Movements), Phaidon Press, 2005.

COSTA, Helouise. Waldemar Cordeiro: A ruptura como metáfora. São Paulo: Cosac&Naify, Centro Universitário Maria Antonia da USP, 2002.

____ & SILVA, Renato Rodrigues da. A fotografia moderna no Brasil. São Paulo: Cosac Naify, 2004.

____ & MESQUITA, Ivo. Fotografia no acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo. São Paulo, 2002.

►DUBOIS, Philippe. O ato fotográfico. Campinas – SP: Papirus, 2000.

►FABRIS, Annateresa Identidades Virtuais: uma leitura do retrato fotográfico. Belo Horizonte: Editora UFMG, 2004.

►____ A fotografia e o sistema de artes plásticas. IN: Fotografia: Usos e Funções no Século XIX. (Org.) Fabris, Annateresa. São Paulo: Edusp, 1998.

►FERNANDES JUNIOR, Rubens. Panorama da fotografia no Brasil [1946-98]. São Paulo: Cosac Naify, 2003.

►FLUSSER, Vilém. Filosofia da caixa preta. Rio de Janeiro: Relume Dumará, 2002.

►FRIZOT,M. A New History of Photography. Frizot, M. (ed). Könemann Verlagsgesellschaft mbH, 1998.

SANTOS Alexandre & dos SANTOS, Maria Ivone (org.) A fotografia nos processos artísticos contemporâneos. Editora da UFRGS, 2004.

►JASON, H.W. History of art. New York: Harry N. Abrams, Inc., 1995.

►KOSSOY, Boris. Origens e expansão da fotografia no Brasil. Rio de Janeiro: Funarte, 1980.

►MACHADO, Arlindo. A ilusão especular. São Paulo: Brasiliense, 1984.

►____ Pré-cinemas& pós-cinemas. Campinas: Papirus, 1997.

PAVAN, Margot. Fotomontagem e pintura pré-rafaelista. IN: Fotografia: Usos e Funções no Século XIX. (Org.) Fabris, Annateresa. São Paulo: Edusp, 1998.

ROBERTS, Pam. Camera Work. Benedikt Taschen Verlag, 1997.

SILVEIRA, M. Luciana. A interação entre o texto visual e o texto verbal sob o olhar da ontologia da imagem. In: Tecnologia e Sociedade: (im)possibiliades. Queluz, Gilson [et al.]. Curitiba, Torre de Papel, 2003.

SOUSA, Jorge Pedro. Uma crítica do fotojornalismo ocidental. Florianópolis: Letras Contemporâneas, 2000.

SZARKOWSKI, John. Looking at Photographs: 100 Pictures from the Collection of The Museum of Modern Art. 1999.

TURAZZI, Maria Inez. Poses e trajeitos: a fotografia e as exposições na era do espetáculo - 1839/1889. Rio de Janeiro: Rocco, 1995.

ARTIGOS EM PERIÓDICOS E WEB-SITES

ASSUNÇÃO, T. R. Fotomontagem e colagem poética em Jorge de Lima. O Eixo e a roda, Belo Horizonte (UFMG), v. 9/10, p. 53-74, 2004. Disponível em http://www.ucm.es/info/especulo/numero31/jorlima.html. Acesso: julho, 2006.

____ Fotomontagem e surrealismo: Jorge de Lima. Revista da USP, São Paulo, v. 55, p. 143-151, 2002.

FERNANDES Jr, Rubens. Fotografia e Modernidade: referências e experiências isoladas. Revista da Faculdade de Comunicação da FAAP, São Paulo, n.10, 2002.

MAUAD, Ana Maria. Entre retratos e paisagens: modos de ver e representar o Brasil oitocentista. Revista eletrônica studium 15, 2004.

CATÁLOGOS, FOLDERS, REVISTAS

Deslocamento do Eu: O auto retrato digital e pré-digital na arte brasileira (1976-2001). Campinas, SP, Itaú Cultural, 2001.

I Bienal Internacional da Cidade de Curitiba. Curitiba, 1996.

Identidade Não-Identidade: fotografia contemporânea brasileira. MAM. São Paulo, 1997.

II Bienal Internacional da Cidade de Curitiba. Curitiba, 1998.

III Bienal Internacional da Cidade de Curitiba. Curitiba, 2000.

Marcas do Corpo, dobras da alma. Curitiba, 2000.

Rosângela Rennó. Instituto Tomie Ohtake, 2001.

XI Mostra de Gravura da Cidade de Curitiba. Curitiba, 1995.

WEB SITES

http://www.getty.edu.

http://www.itaucultural.org.br.

http://www.fotoplus.com.br.

http://www.masters-of-photography.com.

http://www.metmuseum.org.

http://www.moma.org.

http://www.museuvirtual.com.br.

http://www.npg.org.uk.

http://www.paris-art.com.

Galerista Charles Saatchi incentiva produções alternativas pela web

2007-03-02T15:59:00.000-08:00

02/03/2007 - 10h07
da Efe, em Londres

O conhecido publicitário, marchand e colecionador Charles Saatchi organizou um concurso de arte pela internet que terá o grande público como júri.

Reprodução

Galeria de arte virtual quer virar MySpace das artes plásticas

Saatchi é responsável pelo lançamento internacional do grupo de artistas britânicos conhecido como Britart --criou um site (www.saatchi-gallery.co.uk/showdown) no qual qualquer pessoa poderá colocar sua "obra de arte".

O ganhador desse concurso internacional, chamado de "Showdown", receberá um prêmio de US$ 1.500 e terá a honra de ver sua obra exposta durante três meses na nova galeria que Saatchi inaugurará no centro de Londres em outubro.

Desde que o site começou a receber as obras de artistas espontâneos, na segunda-feira passada, já reuniu mais de 35 milhões de entradas. Durante os próximos seis meses, milhares de obras serão avaliadas e a cada duas semanas serão escolhidas as doze mais populares entre o público, que competirão depois entre si na final.

Reprodução

Galerista Charles Saatchi incentiva produções alternativas pela web

Reprodução

Artistas de todo o mundo podem participar do concurso na web

"O 'Showdown' permite aos artistas verem sua obra exposta a uma ampla audiência. É muito difícil para muitos deles esse tipo de exposição a uma audiência global, e este concurso dá a milhares deles essa possibilidade", afirma Saatchi, citado nesta sexta-feira pelo jornal "The Times".

O projeto do "Showdown" é uma extensão do "Your Gallery", uma galeria na internet aberta aos artistas de todo o planeta, que podem apresentar ali sua obra junto a detalhes biográficos e dados de contato.

Saatchi busca conseguir no terreno das artes plásticas o alcançado por sites como o MySpace com nomes da música como Lily Allen e Arctic Monkeys, lançados rapidamente ao estrelato.

Necessidade da Arte

2006-12-19T20:27:00.000-08:00

"A mesma dualidade - de um lado, a absorção na realidade e, de outro, a excitação de controlá-la - não se evidencia no próprio modo de trabalhar do artista? Não nos devemos enganar quanto a isso: o trabalho para um artista é um processo altamente consciente e racional, um processo ao fim do qual resulta a obra de arte como realidade dominada, e não - de modo algum - um estado de inspiração embriagante."

FISCHER, Ernst. A Necessidade da Arte.

Rede Plano Arte

2006-12-05T11:51:00.000-08:00

Alguns colegas ainda se pergunta, afinal, para que serve uma Rede de Cooperação? Que benefícios teremos fazendo parte dela?

Em primeiro lugar gente, rede é uma associação civil, através da qual vários indivíduos se reúnem para exercer atividades sócio-econômicas. No caso de vocês artistas plásticos, será para viabilizar a atividade econômica.

O maior objetivo da rede ( que é juridicamente uma associação, como dito acima) é reunir pessoas que sozinhas não teriam força de mercado e juntas, conseguirão essa força e fazer coisas que sozinhas não teriam oportunidade de fazer. Por exemplo: um ou dois artistas que queiram realizar uma exposição, talvez não a façam porque é muito caro bancar sozinho o local, o planejamento, iluminação, produção etc....em grupo, cada um pode mostrar seu trabalho e rachar a conta.

Outro ponto muito importante de se fazer parte de uma associação é que existem editais de para prestação de trabalhos artísticos por parte de entidades públicas e empresas privadas, dos quais só participa quem possui CNPJ. A associação possui CNPJ!!!!!!!!!!

Em grupo vocês podem pegar um grande projeto ou trabalho e dividi-lo, organizadamente, dividindo assim o ganho também.

Outro ponto crucial é que uma associação grande, como a de vocês que já possui 30 associados, poderá negociar com fornecedores pedindo desconto. Vocês firmam uma parceria de lealdade com o fornecedor: vocês só compram determinados materiais dele, e ele garante uma preço melhor, melhor prazo de entrega, enfim, coisas a se negociar caso a caso.

Também é importante lembrar que a Rede Plano Arte está recebendo apoio gratuito do governo e da Unisinos, que estão dispondo de :
-infra estrutura de apoio da universidade parceira, no caso, disponibilizando salas para reuniões e eventos, se necessário;
- advogados especialistas em associativismo, para facilitar a formalização e dirimir dúvidas dos participantes.
-instrumentos de apoio à consolidação da rede como, por exemplo: elaboração e implantação de planejamento estratégico, seminários estaduais e nacionais para troca de informações entre as redes, estímulo de cooperação e interação entre as redes criadas pela SEDAI.
- consultoria que ajuda o grupo a se firmar, através de reuniões e metodologias, que se pago provavelmente custaria em torno de R$ 45.000, 000 ( projetando-se o preço de um consultor e das horas despendidas com uma rede)

A Era da Palavra Pintada

2006-11-26T16:15:00.000-08:00

Acabei de ler "A palavra pintada" uma crítica
muito bem humorada sobre a Arte Moderna
e alguns de seus teóricos.

WOLFE, Tom. A palavra pintada. Trad.: Lia Alverga-Wyler. Porto Alegre: L&PM, 1987.

Leitura divertida que todos estudantes de arte deviam ler.
A ironia que ele trata dos teóricos da arte moderna é fina e
com fundamento, ou seja, ele não faz críticas raivosas contra
a teoria da arte moderna. Simplesmente mostra como se
conduziu os movimento avant garde do começo do século XX
até o início dos anos 70, a começar pelo deslocamento
de Paris para Nova York o centro mundial da Arte.

Não me parece muito útil comentar de um livro escrito há mais
de 30 anos (foi lançado em 1975) mas ainda há muitos estudantes
de artes que falam da arte moderna com uma grande e desalentador
desconhecimento. Enfim, livro que podemos ler rapidinho por não é
enfadonho como uns do Argan e uns outros.

"O Material não é o Problema!"

2006-11-24T08:47:00.000-08:00

Nesta quarta-feira, dia 29/12, abre a exposição
de trabalhos realizados por alunos do curso de
Artes Visuais sob orientação de Luciane Campana Tomasini.

A mostra reúne objetos escultóricos que utilizam
diversos materiais, desde metais sucateados até
tecidos delicados, combinados em busca de uma
expressão peculiar a partir de elementos não usuais
em que trazem idéias variadas.

"O Material não é o Problema!"
Abertura: 29 /11/2006 as 19:00h
Alunos material expresssivos 2006/1
Local: Espaço Aldo Malagoli / Instituto de Artes
Endereço: Rua Senhor dos Passos, 248 / Porto Alegre- RS
Data: 29/11 a 15/12/2006 das 08:00 ás 22:00 horas

exposição

2006-10-28T15:39:00.000-07:00

Tate Tracks - Tate Modern de Londres coloca música nas obras de arte

2006-09-02T10:51:00.000-07:00

A Galeria Tate Modern de Londres, o maior museu de arte contemporânea do mundo,
chamou nomes como a banda Chemical Brothers e o guitarrista Graham Coxon para produzir trilhas sonoras para suas obras de arte.

O site do museu:
http://www.tate.org.uk/modern/tatetracks/

A notícia veio daqui:
http://www1.folha.uol.com.br/folha/ilustrada/ult90u63992.shtml

Semana de Artes Visuais do Recife

2006-09-01T11:49:00.000-07:00

Bibliografia

2006-08-31T11:37:00.000-07:00

Isso é o que deveria ler neste semestre.

ARNHEIM, R. Arte e percepção visual. São Paulo: Pioneira/EDUSP, 1980.
___. Consideraciones sobre la educación artística. Buenos Aires: Paidós, 1993.
BARBOSA, Ana Mae; COUTINHO, Rejane; SALES, Heloisa M. Artes visuais da exposição à sala de aula. São Paulo: EDUSP, 2005.
BARBOSA, Ana Mae (org.) Arte/Educação Contemporânea: consonâncias internacionais. São Paulo: Cortez, 2005.
___. Inquietações e mudanças no ensino da arte. São Paulo: Cortez, 2002.
___. Tópicos utópicos. Belo Horizonte: C/Arte, 1998.
___. A imagem no ensino da arte. São Paulo: Perspectiva, 1991.
___. Recorte e colagem: a influência de John Dewey no ensino da arte no Brasil. São Paulo: Cortez, 1982.
___. Arte-Educação no Brasil. São Paulo: Perspectiva, 1978.
BARROS, Diana Luz Pessoa de. Teoria semiótica do texto. São Paulo: Ática, 2000.
BERMAN, Marshall. Tudo que é sólido desmancha no ar. São Paulo: Companhia das Letras, 1986.
BUORO, Anamélia Bueno. Olhos que pintam: a leitura de imagem e o ensino da arte. São Paulo: EDUC/ FAPESP/ Cortez, 2002.
COURTÉS, J. Perspectiva semiótica. In: ___. Introdução à semiótica narrativa e discursiva. Coimbra: Livraria Almedina, 1979.p. 41-54.
CUNHA, Susana R.Vieira da (org.) Cor, som e movimento. Porto Alegre:Mediação, 1999.
EISNER, E. O papel da arte como disciplina. Porto Alegre: Fundação Iochpe, 1991.
___. Estrutura e mágica no Ensino da Arte. BARBOSA, Ana Mae (org.) Arte-educação: leitura no subsolo. São Paulo: Cortez, 1997. p. 77-92.
___. Educar la visión artística. Buenos Aires: Paidós, 1995.
EFLAND, Arthur D. Una historia de la educación del arte. Barcelona: Paidós, 2002.
___. Cultura, sociedade, arte e educação num mundo pós-moderno. In: GUINSBURG, Jacó; BARBOSA, Ana Mae (Org.) O pós-modernismo. São Paulo: Perspectiva, 2005. p.173-188
FANTINATTI, Maria Sílvia. A criança do Sítio na TV. São Paulo: PUC/SP, 2003. (dissertação de mestrado).
FERRAZ, M.H.; FUSARI, M.F. de Rezende e. Metodologia do ensino de arte. São Paulo: FDT, 1993.
FIORIN, José Luiz. Elementos para análise do discurso. São Paulo: Contexto, 2000.
FLOCH, Jean-Marie. Alguns conceitos fundamentais em Semiótica Geral. Documentos de Estudo do Centro de Pesquisas Sociossemióticas. São Paulo: Centro de Pesquisas Sociossemióticas, 2001. (tradução de Quelques concepts fondamentaux em sémiotique générale. In: ___. Petites mythologie de l’oeil et de l’esprit pour une sémiotique plastique. Paris: Éditions Hadès-Benjamins, 1985. p. 189-207.)
FUSARI, M.F. de Rezende e; FERRAZ, M.H. Arte na educação escolar. São Paulo: Cortez, 1992.
GARDNER, H. Arte, mente e cérebro. Porto Alegre: ArtMed, 1999.
___. Educación artística y desarrollo humano. Buenos Aires: Paidós, 1994.
GOBBI, Márcia; LEITE, Maria Isabel. O desenho da criança pequena: distintas abordagens na produção acadêmica em diálogo com a educação. ANPED, 1999.
GOLOMB, C. La escultura: el desarrollo de los conceptos figurativos en un medio tridimensional. In: HARGREAVES, D. Infancia y educación artística. Madrid: Morata, 1991. p. 133-147.
HERNÁNDEZ, Fernando. Cultura Visual, Mudança Educativa e Projeto de Trabalho. Porto Alegre: ArtMed, 2000.
___. De qué hablamos cuando hablamos de Cultura Visual? Educação & Realidade, Porto Alegre, 2006 (no prelo).
LANDOWSKI, Eric. Presenças do outro. São Paulo: Perspectiva, 2002.
___. A sociedade refletida. São Paulo: EDUC/Pontes, 1992.
LARROSA, Jorge. Linguagem e educação depois de Babel. Belo Horizonte: Autêntica, 2004.
LOWENFELD, V. & BRITTAIN, W.L. Desenvolvimento da capacidade criadora. São Paulo: Mestre Jou, 1977.
LUQUET, G.H. O desenho infantil. Porto: Ed. Do Minho, 1969.
MACHADO, Arlindo. Televisão levada a sério. São Paulo: Senac, 2000.
MASON, Rachel. Por uma arte-educação multicultural. Campinas: Mercado das Letras, 2001.
OLIVEIRA, Ana Claudia. Notas sobre a presentificação: inteligibilidade e sensibilidade na primeira página do Jornal. In: OLIVEIRA, Ana Claudia; CAMARGO, Isaac. Caderno de Discussão do Centro de Pesquisas Sociossemióticas. São Paulo: Centro de Pesquisas Sociossemióticas, 2000.
___. Vitrinas acidentes estéticos na cotidianidade. São Paulo: EDUC, 1997.
PANOZZO, Neiva Petry. Percursos estéticos na literatura infantil: contribuições para a leitura da imagem na escola. Porto Alegre: FACED/UFRGS, 2001. (dissertação de mestrado)
PARSONS, Michael J. Panorâmica geral dos cinco estádios. In: ___. Compreender a arte. Lisboa: Editorial Presença, 1992. p. 37-53.
PIAGET, Jean. A formação do símbolo na criança. Rio de Janeiro: Zahar, 1978.
___. O nascimento da inteligência na criança. Rio de Janeiro: Zahar, 1982.
PIAGET, J. & INHELDER, B. A representação do espaço na criança. Porto Alegre: ArtMed, 1993.
PILLAR, Analice Dutra (org.) A educação do olhar no ensino das artes. Porto Alegre: Mediação, 1999.
PILLAR, Analice Dutra. Os regimes de visibilidade nos desenhos animados. In: ___. Regimes de visibilidade nos desenhos animados da televisão. Porto Alegre: FACED/FAPERGS, 2004. p. 22-45.
___. Criança e televisão: leituras de imagens. Porto Alegre: Mediação, 2001.
___. Desenho e construção de conhecimento na criança. Porto Alegre: ArtMed, 1996.
___. Desenho e escrita como sistemas de representação. Porto Alegre: ArtMed, 1996.
___.Fazendo artes na alfabetização. Porto Alegre: Kuarup, 1986.
REZENDE e FUSARI, M.F. & FERRAZ, M.H. Arte na educação escolar. São Paulo: Cortez, 1992.
RICHTER, Ivone. Interculturalidade e estética do cotidiano no ensino das artes visuais. Campinas: Mercado de Letras, 2003.
RICHTER, Sandra. Criança e pintura. Porto Alegre: Mediação, 2004.
ROSSI, Maria Helena W. Imagens que falam. Porto Alegre: Mediação, 2003.
___. A compreensão das imagens da arte. Arte & Educação em Revista, n.1, Porto Alegre, out/95, p. 27-35.
SANTOS, Vera Bertoni dos. Brincadeira e conhecimento. Porto Alegre: Mediação, 2002.
STEINBERG, Shirley; KINCHELOE, Joe. Sem segredos: cultura infantil, saturação de informação e infância pós-moderna. In: ___.(Orgs.) Cultura infantil: a construção coorporativa da infância. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 2001. p. 9-52.
STERN, Arno. La conquista de la tercera dimensión. Buenos Aires: Kapelusz, 1964.

Participe desta exposição!

2006-08-27T12:41:00.001-07:00

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Aos que acreditam que a montanha é mais do que uma imensa pradaria verde...

2006-07-24T05:14:00.000-07:00

“...Olha, eu dei muitas voltas à questão, e sabe o que concluí? É que cada um têm a sua montanha. Cada um têm o seu desafio pessoal, suas metas, pode ser no jornalismo, na medicina, pode ser querer trabalhar na NASA ou querer ser o melhor açougueiro do bairro, a diferença não interessa, cada um têm o cume que almeja. E outras vezes têm medo de não passar no vestibular, e pensar que outro vai lhe tirar sua oportunidade. E isto é válido para capitalistas e para socialistas: indiferentemente de seus interesses, de suas metas, todos temos nossos medos, nossas angústias pessoais, nossas contradições, coisas contra as quais combatemos.
(a burguesia) também têm as suas montanhas. E os poetas têm as suas, e as donas de casa, e os motoristas, e os universitários; um Presidente é alguém que ascendeu a sua montanha, mas alguém que sonhava fazer o poema que fez, também chegou lá.
É por isso que a montanha é algo mais do que uma imensa pradaria verde. È o desafio pessoal....”
Omar Cabezas -1986, Comandante revolucionário e poeta Nicaragüense

Camaradas:
há um ano, escrevi um pequeno texto sobre este dia que o calendário marca como “do amigo”. Um ano passou, e hoje, quando fui dedilhar alguma pequena crônica, vieram à memória os tantos bons amigos que já cunhei nesta frutífera vida. E isso é muito bom. Nomeá-los a todos em uma outra crônica foi um exercício de saudade, foi como sentar à mesa a tomar um vinho ou amanhecer em alguma estrada, pedindo carona, com um chimarrão e um pacote de bolachas, e um bando de sonhadores prontos para pular na caixa de um caminhão velho ou de um trem...
Mais do que isso, chegar quase aos quarenta e poder somar tantas lembranças, não é só fruto do passar do tempo. É fruto de ter vivido intensamente, e de ter conhecido gente que assim também escolheu viver. Gente que não se contentou com ver o que todos viam, que não se contentou em aceitar as coisas como eram, que não se contentou em ser “um mais na parede”.
Por isso este texto é para celebrar nossa amizade, essa que está começando a cada dia, mesmo que às vezes a gente pareça tão diferente... e o seja de verdade!!!
Nos une a capacidade de não aceitar as coisas como são, e de ver que o que está na nossa frente, podemos mudá-lo, nem que seja para que passe uma fresta de sol. Essa capacidade que nos faz ser a todos, nem que seja na frente do espelho, um pouco rebeldes e incomodados com a mesmice. Essa atitude que nos faz desafiar às convenções, por que não fomos feitos para elas, e, se o fomos, desistimos delas por opção própria.
Nos une a vontade de viver apaixonadamente, mesmo que isso não seja assim uma receita de sucesso.
Paixão pelos nossos rabiscos e projetos, paixão pelos nossos sonhos, esses que transformamos no papel, na tela, na argila, no cimento, no computador. Que nem sempre são um caminho para a bienal ou a galeria, mas com certeza são um espelho de nós mesmos.
Paixão pelas nossas paixões, essas que às vezes nem sabem de que nos nossos olhos aguardamos diariamente um sinal... para avançar o sinal. Ou as outras, as que foram mais do que platônicas relações e se estragaram no meio do caminho, mas que guardamos por que são partes de nós mesmos. Ou as que estão sendo hoje, e nos fazem acordar no meio da noite, lúcidos e felizes.
Paixão por um bom blues na madrugada, paixão pelo vinho bem acompanhado, paixão pelos amanheceres e os pôr de sol no meio da mata ou à beira da praia.
Paixão pelos nossos amigos, os antigos e os novos, os de ideais ou os do bar, os que festejam ou os que estão ali quando é necessário. OS que falam e os que calam, por que sabem do que poderá ser feita a nossa felicidade. Os que nos contagiam sua alegria ou nos entristecem com suas mágoas, mas que em definitiva, fazem a diferença.
Pode parecer piegas, mas não é com certeza. Piegas e careta é querer sem se envolver, é estudar sem crer, é fazer por fazer, é ir por ir, é estar em algum lugar por obrigação. É cortar o cabelo por status. Ou deixar crescer por que é moda.
Vivemos outros tempos, é verdade. Dizem os profetas dos livros de auto ajuda que “todos podemos ser campeões”, mas não falam onde ficarão os que não possam sê-lo; afirmam os políticos que agora é tempo de inclusão social, mas se esquecem de falar da inclusão cultural, que é a que dignifica de verdade; dizem que consumir é necessário e saudável, mas se esquecem de falar de tanta depressão acumulada, de tantas solidões de gente jovem, para a qual apenas oferecem pastilhas contra a ansiedade, terapias e manuais sem respostas de verdade.
Mas sempre será tempo de ter amigos, de ter sonhos, de ter paixões, de correr atrás de um milhar de projetos, de escrever cartas, de tomar vinho, de partilhar um chimarrão, de se emocionar com um filme ou de se indignar com a pobreza ali na rua ou as bombas que caem em algum lugar.
Mesmo atrasado recebam este mail como um abraço de quem crê que nem sempre as montanhas que temos na nossa frente são tão imensas quanto parecem, mais do que nada se juntos, podemos descobrir que não são “uma imensa pradaria verde”
Alejandro

“Já voamos a favor do vento,
já nadamos contra a correnteza,
mas nada disso foi suficiente;
disso temos certeza”...
Camisa de Vênus

ALGUMAS OBSERVAÇÔES SOBRE AQUARELA, NAQUIM, PASTEL...

2006-06-26T04:53:00.000-07:00

A Técnica é somente uma ferramenta, mas é imprescindível para o artista conhecer os materiais apropriados e os efeitos que é possível obter.

Estas técnicas requerem muito exercício e muita experiência para se chegar a um domínio.

Antes de iniciar o trabalho é importante preparar o material, (as tintas, pincéis, papel, esponjas, potes com água, panos,) fixar o papel na prancheta, e ter alguma idéia do que se quer fazer...

PAPÉIS
Papéis industrializados, para o desenho com pastel e aquarela ( algumas informações da Casa do desenho ):
Tiziano 160gr 50 x 65, branco, (media de preço R$8,05).
Mi-Teintes 160gr 50x65 azul, (R$ 5,08)
Arches 300gr 56x76 ( R$ 30,00)
Fabriano 300gr 70x100 ( R$ 18,00 – R$ 25,00 )
Ingres de cor;
Ingres Swedish Tumba
Fabiano Ingres ( nos pesos 90 e 160g – os melhores são os cinza médio e o pardo;
Canson Ingres em 24 cores

PINCÉIS
De acordo com a técnica, tamanho do desenho...:
Tigre, 307, 311 , 471 , 468, 261, 160...
Números: 02, 06, 12, 14, 16 ...

Usando a têmpera, a cor deverá ser clareada com água, não utilizando o branco, senão a cor fica opaca;
Alguns tópicos em relação às técnicas de nanquim, têmpera ou aquarela, no uso de aguadas e pinceladas secas:

Aguadas – sempre pinceladas rápidas, largas pintadas em papel levemente inclinado;
Pincelada- o uso de traços deixados pelo pincel; pinceladas largas com pincel grande e macio;
Refluxos –seqüências de aguadas antes que a primeira esteja completamente seca cria contornos indesejados, mas que se pode fazer uso deste recurso; Borrões – tinta pingada e escorrida; pode-se também borrifar a tinta, ou deitar pingos sobre o papel e em seguida soprá-los que podem ser usados para sugerir textura de árvores, flores, etc.
Degradé - é uma transição suave, gradual de uma cor
Cor fragmentada – efeito salpicado por pinceladas pequenas e superpostas
( impressionistas)
Desenho a pincel – desenhando com traços rápidos; pequenos; tinta seca
Bico-de-pena e aguada – desenho espontâneo sobre a aguada sem contornar as áreas coloridas
Cera e aguada – desenhar com lápis de cera ou com uma vela, e depois pincelar com aguadas
Mista – desenhar com carvão, tinta acrílica, lápis...
Sgrafito – raspar uma área pintada e seca, com uma lâmina ou faca
Pintura a esponja- uma esponja natural e pequena é ideal para sugerir texturas de árvores, folhagens...; esponja macia e levemente molhada e pode-se pintar utilizando também uma mascara

AQUARELA

A técnica de pintura em aquarela é baseada no sistema de pigmentação transparente, no suporte de papel branco como os importados D´Arches e Fabriano, Ingres, canson, entre outros.

Quanto à durabilidade da aquarela, depende da qualidade do papel e da tinta.
Só deve-se evitar o sol.

Tem o método úmido e o seco:

A técnica da aquarela pelo método úmido , o papel é mantido úmido durante uma hora ou preso na prancheta e molhado com pincel, na posição horizontal.
A técnica da aquarela a seco se caracteriza por se pintar primeiro, as partes escuras, (sombras) deixando as partes claras (luzes) em branco,. Esperar que seque totalmente para pintar as zonas mais claras.

A técnica da aquarela é difícil, é ligeira, leve e tem a possibilidade de mostrar o sentimento.

A maior parte dos artistas pintam o que sabem, não o que vêem.

O nu é o melhor para a aquarela, não precisa de fundo, pois o corpo humano é a própria composição, tem proporção.
1. A base é o nu.
2. Depois as flores – composição/fundo
3. Paisagem - + difícil , mistura de cores - mais complicadas.
4. O abstrato - um modo de ver -

O moderno tem um confronto complicado com a beleza pois a beleza não é necessariamente doce.
Não é belo pintar flores belas, mas flores fortes – interessantes – que atraem o observador.
Somos criaturas de hoje. Flores belas não é linguagem de hoje, são do séc XIX.
Procurar sua linguagem.
Dentro da natureza se pode ver o abstrato. É o mais difícil, pois não tem conteúdo.
São formas.
Não tem o impacto de uma figura.

A aquarela tem duas técnicas completamente diversas para se chegar à um bom resultado :
1. camadas – como na pintura a óleo-
2. pinceladas diretas – escolhe a cor e pinta – mais expressivas – pincel direto, sem correções.
Exige muita concentração.

É bom que se trabalhe com grandes pincéis, tipo de pintar parede e aqueles pinceis chineses, gordos e com a ponta afinando. Os pinceis nunca ficam mergulhados na água, para não perderem a goma e ficam guardados pendurados de cabeça para baixo.
Para pintar é melhor pegar no fim do cabo e com uma distancia boa.

As cores:
As tonalidades : duas cores-no máximo três cores – para conseguir toda a gramatura.
Branco e Preto – é bom e é ruim
Tem uma tinta branca transparente na aquarela
O preto ivory é mais transparente, mas as sombras na aquarela são dadas pela cor complementar.
Para o cinza se usam as cores complementares e não o preto- o preto deixa a cor estática –
O ocre quando seca perde a luz, por isso se mistura um pouco de amarelo.
As cores mais puras brilham mais.

Perceba a cor.
Não tenha medo da cor. Usando a cor complementar, uma ajuda à outra a brilhar. É melhor colocar mais pigmento, mais cor e depois limpar com água, do que o contrário, porque marca o papel e desvaloriza a aquarela.
O fundo tem que encostar na pintura, no motivo. Não deixar uma aura branca no entorno.

Procurar não pintar o fundo até o limite do papel e também de usar papel pequeno e de desenho que “cole” nos limites, pois estraga a composição.

Para iniciar a pintura é bom ter :
1. Dois pequenos baldes de água, um para limpar o pincel e outro para as tintas.Copos são muito pequenos e sujam a tinta.
Dois panos e papel
3. As tintas misturadas antes e depois pintar com a cor certa.
4.Ter um papel de aquarela de teste da cor antes de por no papel
5. Um prato grande de plástico branco (tipo de bolo) ou umas bandejas de isopor, para ver a cor que se vai pintar.

Observar, observar, observar.

Não ter controle – coragem para sentir- escutar o que as flores dizem.

Ter contato com a flor ( ou com o modelo), ser a flor para poder pintar a flor.
Fidelidade à cor, à sombra e à forma.
Cuidar da composição.

Se estiver muito escura a cor, passe uma esponja com água para limpar e buscar a luz.
Fazer os talos das flores mais grossos, mais fortes para sustentar a cor da flor.
Quando a tinta seca ela perde 30% da cor.

O importante é desenvolver a experiência. Superar os bloqueios. Autoterapia.
Na aquarela se é mais livre.
A transparência vem da cor certa. Não ficar pintando por cima. Antes você tem que decidir o que quer.
O olhar ajuda muito a concentração.
O branco é difícil
Uma boa aquarela é aquela que tem:
1. Contraste – entre claro/escuro, quente/frio,límpido/opaco.
2. Espontaneidade.
3. Pincelada extremamente boa.
A natureza é muito maior que a nossa fantasia,por isso observar.

A aquarela tem que fluir como um rio, deixar as emoções fluírem, senão a água vira um lago.
Procurar o seu caminho.
Uma aquarela expressiva se faz com cores fortes.
A linguagem do pincel se faz com cores fortes.

PASTEL
Trabalhar com o papel na vertical, para o excesso de pó cair.
Sacudir bem o trabalho para tirar o que sobrou.
Trabalhar com papel colorido;
De preferência não passar fixador.
Emoldurar com um paspatout e com vidro.

O Pastel podem ser macios, médio ou duros.
O papel tem vários graus de asperezas – quase todos de texturas podem ser utilizados . O fibroso é mais adequado, para trabalhos livres, enérgicos e texturados.
Toques grandes e livres.
Várias camadas
Esmagar bastões e esfregar com os dedos, uso de esfuminhos

BIBLIOGRAFIA:

O grande livro da aquarela – Guia completo das técnicas de aquarela, guache e tinta acrílica, com indicações de pincéis mais adequados e temas para exercício
Phillip hallawell – Companhia Melhoramentos, 1996.
Manual do Artista – Ralph Mayer –
Algumas informações da professora Edda Mally - 28 anos que ensina aquarela

Uma leitura sobre “Moça com brinco de Pérola”

2006-06-19T05:13:00.000-07:00

O livro de Tracy Chevalier é um romance, ficção sobre a vida de Johannes Vermeer, pintor holandês do século XVII. A narrativa trata da relação de Griet, uma empregada da família, com o pintor. Dentro do cotidiano de uma familia católica de uma cidade holandesa(onde a maioria era protestante) surge uma estranha relação de Griet com seu patrão, de admiração e temor entre ambos.
A jovem empregada, filha de um azulejista, tem noções de arte e cores e isto a torna muito especial aos olhos do pintor. O livro não mostra muito o pintor, pis pouco se sabe da verdadeira vida dele, a personagem Griet é a base para reconstrução da época.

Sobre a educação visual da narradora(Griet)
No começo do livro temos a seguinte passagem:
“- Vejo que separou os brancos – disse ele, indicando os nabos e cebolas. – Depois, o laranja e o roxo não estão juntos: por quê? – Pegou uma tira de repolho e uma rodela de cenoura e misturou-os como dados na mão.
Olhei para minha mãe, que concordou discretamente num gesto de cabeça.
- As cores brigam qunado ficam lado a lado, senhor.
Ele franziu o cenho, como se não esperasse aquela resposta.”

Há dois aspectos a observar, sendo a família Vermeer mais abastada que a de Griet há uma delicada maneira ao responder a pergunta; e a outra pode parecer banal mas poucas pessoas prestam atenção à maneira como as cores dos alimentos são colocados no momento do preparo mas na estória ilustra muito bem que a moça tinha uma clara noção de hierarquia e composição de cores. Em certo ponto, Griet compreende que a luz da janela mudaria o aspecto do quarto de pintura, coisa que uma pessoa leiga como a esposa do pintor não conseguia entender. Apesar de uma educação simples, Griet sabia descrever com riqueza de detalhes e com uma compreensão das sensações que a pintura poderia transmitir. Aos poucos, Griet aprende o método de trabalho e descobre as ferramentas de pintura, como a caixa (câmara escura), a bexiga de porco, os pigmentos e óleo de linhaça. Não se explica de onde vem, mas esta educação que ela tem também se revelará mais adiante. Acaba influenciando a pintura de Vermeer, neste ponto ela diz:
“Achei que a cena estava muito limpa. Embora eu considerasse a limpeza a coisa mais importante de tudo, vi nos outros quadros que precisava haver alguma desordem na mesa, alguma coisa para distrair os olhos.”
Sua ansiedade aumenta a cada pincelada feita pelo pintor sem que ele tivesse feito a mudança que ela queria ( o que ela não explica diretamente para Vermeer) . Até que uma noite Griet altera a cena. Vermeer entende e segue a sugestão, mesmo respeitando a habilidade e a percepção ele a questiona:
“- Griet, diga uma coisa: por que você mudou a toalha da mesa? – O tom de sua voz era o mesmo de quando perguntou dos legumes, na casa de meus pais.
Pensei um instante. – Precisa ter alguma desordem na cena para contrastar com a tranquilidade dela –expliquei. – Para incomodar a vista e, ao mesmo tempo, agradar, pois a toalha e o braço estão na mesma posição.
Houve um longo silêncio. Ele estava olhando para a mesa. Espere, passando as mãos no avental.
- Nunca pensei que fosse aprender alguma coisa com uma criada – admitiu ele.”

Além da câmara escura, o pintor ensina a Griet como observar além das aparências, ao observar as nuances de cores das nuvens, ao observar a pintura panorâmica de Delft e assim ele consegue rapidamente fazer com que ela compreendesse como eram as etapas de elaboração da pintura, necessário para saber manipular os pigmentos

Sobre o ato de olhar
“- O que é uma imagem, senhor? Não conheço essa palavra.
Alguma coisa mudou no rosto dele como se antes estivesse me olhando por cima do ombro e de repente me olhasse de frente. – É um retrato, como um quadro.”
Estamos tão acostumados com imagens de todos os tipos desde crianças mas nem sempre se compreende o porque e qual a razão para estas. A pergunta que Griet faz é que ela não compreende que na câmara escura está apenas o reflexo do ambiente. Demonstra como um conjunto de signos pode ser deslocado de sua fonte original e passar a ter outros valores. No romance podemos ver esse deslocamento no quadro que inspira o livro, o brinco de pérola da mulher de Vermeer torna-se o pivô de uma crise entre os personagens. Ao ser usado pela criada o brinco passa a representar o amor ou veneração que ambos (Griet e Vermeer) teriam um pelo outro.

Referência:

CHEVALIER, Tracy; trad. de Beatriz Horta. “Moça com brinco de Pérola” 8ª ed. – Rio de Janeiro: Bertrando Brasil, 2005

GUEDES, Peonia Viana. Quando a arte, a história e a ficção se misturam:
os discursos e intertextos de A moça com brinco de pérola. Acessado em: http://paginas.terra.com.br/arte/dubitoergosum/convidado28.htm em maio de 2006.

Carta sobre Revolução Romântica de Berlin, Isaiah

2006-05-29T01:13:00.000-07:00

Porto Alegre, 28 de maio de 2006-05-28

Minha Cara Srª Daniela,

Tenho tentado ler com atenção o que o Isaiah Berlin escreveu sobre os românticos do século XVIII. Resolvi comentar algumas coisas que mais chamaram-me a atenção pois aos poucos vamos percebendo que o individualismo (afirmado por Fichte) romântico não limitou-se apenas às artes. Antes de avançar, neste ponto me lembrei do livro de Adorno- Horkheimer em que eles abordam o esclarecimento como distanciamento da natureza e da perda do contato com esta ao tentar dominá-la. O Esclarecimento seria a destruição dos mitos, das leis naturais que ainda eram seguidas e que o pensamento iluminista reduziu à meras superstições. O que afetou o sentido da linguagem: como signo(ciência) e imagem(arte). Houve uma separação, um afastamento entre ciência e arte, que antes eram um conhecimento só, integrados. Cada um destes princípios tendem a destruir a verdade.
A Arte que imita a natureza perde sua importância, passa a ser mera representação(imagem) sem que tenha valor simbólico ou um significado maior e perde também sua utilidade pois explica o mundo apenas o imita. O poder de explicar e esclarecer é da ciência, fragmentada pela necessidade de entender as partes de um imenso e complexo sistema que é o Universo. A arte por sua vez passa a ter um domínio próprio, acredito eu, pode ter um universo particular em cada uma de suas manifestações sem que hajam leis externas a regrar seu conteúdo e sua estética. Em certo ponto Berlin afirma que os seguidores de Kant dizem que os valores são criados e não descobertos, e que a Arte se torna o modelo romântico. Ou que a expressão (individual) passa valer mais que qualquer verdade existente. Pois é a expressão o caminho para se libertar do mundo dos antigos, do tradicional e mitológico, e ao mesmo tempo que se rompe com a “lei natural”ou com a mãe natureza tenta se recriar ou criar partindo do “nada” para dominar (e talvez entender) a natureza. A ciência tenta o mesmo mas de outros meios, numa outra visão desta mesma natureza.
Lendo um pouco mais, adiante o individualismo em si, e não a Arte, pode ter inesperadas consequências. Se o homem é livre se pode estabelecer seus próprios valores, então como conhecer o outro indivíduo se ele terá outros valores que podem não ser os mesmos? Esta mutabilidade de valores torna a natureza humana mais complexa. A felicidade deve ou poder ser alcançada a qualquer custo. Não importa como ou que meios são necessários. Os valores morais não são mais necessários se isto me impedir de alcançar meus objetivos. Isto passa a valer para os indivíduos comuns, para as empresas e para as nações. O que me lembrou o Esclarecimento de Adorno-Horkheimer foi que isto criou a noção de um discurso nacionalista que proporcionou o surgimento do regime nazista, expressão máxima e perversa de uma nação que uniu um povo ao redor de um único discurso. Quando o Berlin lembra que imperdoável é “trair aquilo que se acredita” e ressurge um novo herói, não como o mitológico Ulisses que descobre e esclarece através da razão (do qual fala Adorno) mas um uma honra, moral e determinação somente sua. Sob outras configurações poderia dizer que os grandes líderes como Napoleão, mais adiante os grandes líderes e oradores como Hitler e os revolucionários socialistas. Tardiamente também teríamos a figura construída dos “caubóis do velho oeste” a desbravar o mundo selvagem e neles implantar a civilização racional e esclarecida. No campo das artes, Adorno diz que alguns fatores como a especialização (do conhecimento/trabalho) e da organização do capitalismo entre outros permitiram um caos cultural. Pude concluir que determinando além de uma perda de valores antigos, pois o “novo” é o que interessava então, houve perdas do que chamamos atualmente de identidade cultural. Por exemplo, a arquitetura, as artes plásticas tornaram mais homogêneas em várias regiões, mais identificadas com o mundo exterior e seus valores em uma crescente rede de sistemas de comunicação. Uma das contradições que Berlin não aborda, a necessidade de afirmar seus próprios valores e de seus interesses econômicos levaria as corporações e governos à criarem uma cultura de massa (característica já do modernismo). Pode ser que tenha me perdido mas não totalmente. Sabendo que em vários campos há uma revisão sobre o conceito racional do Iluminismo que serviu de modelo por muito tempo (para alguns tempo demais), pode-se imaginar que a revolução de que fala Berlin ainda não está totalmente superada. Talvez nunca seja, ou talvez um pouco mais adiante. Enquanto temos na ciência, uma nova abordagem do universo, o Pensamento Sistêmico (ou o pensamento complexo de Edgar Morin), cuja visão se aproxima, ou pelo menos tenta, da humanidade e natureza integrados de maneira harmônica e coexistente. Ainda temos no modelo atual de desenvolvimento (social-política) uma visão individualista, de superação contínua dos outros e do próprio indivíduo. Sempre temos que ser mais, mais bonitos(todo mundo quer ser que nem modelo da TV), espertos, ágeis (precisamos ter hipercarrões velozes) e mais fortes(como os marombeiros) que os outros, pois senão seremos deixados para trás como afirmava Darwin, ou melhor, Hofstadter usou as idéias do primeiro. Se o capitalismo e a publicidade exacerbam as qualidades do indivíduo tanto para explorar sua força de trabalho como para seu consumo, os socialistas tentam usar idéias para o bem comum construído a partir do trabalho coletivo da classe trabalhadora. Não tenho como entrar em detalhes mas também todos estes modelos estão em xeque.
Enfim, voltemos às artes que vive uma série de crises desde os impressionistas que romperam com os modelos da época, rejeitaram os clássicos e os realistas para ter sua própria visão de mundo. Uma parte se dedicou ao seu próprio mundo, cada vez mais particular e alheio ao redor, outros continuaram a fazer o que valia a pena comercialmente(somente pela estética aceita) e uma parte viria a ser mais ligada à expressão e anseios da sociedade em que viviam. A partir daí que veio a ser a arte contemporânea, muito fragmentada e sem limites definidos pois qualquer indivíduo que se declarar artista pode afirmar que qualquer coisa, objeto ou mesmo idéia, é arte. Não há realmente necessidade de ter habilidade e qualquer meio que o indivíduo estabeleça é uma expressão de arte. O caos cultural que Adorno falava é maior que se imagina. As Bienais de Arte e o grafite de rua estão aí para todo mundo ver o máximo da expressão individual baseada em valores infinitamente particulares.
Tenho receio de uma coisa, que muito poucos percebem, o caos cultural e a grande comunicação de massa aliados ao individualismo estimulado estão abrindo caminho para governos mais totalitários que se imagina, mas isto é assunto pra outra aula. São 05:05 da manhã e eu me empolguei com esta carta, devia tê-la escrito e discutido antes. Poderia render mais páginas... quem sabe outra hora.
Abraços, Adreson.

P.S.: Poderíamos versar um pouco mais sobre Morin, Darwinismo Social e a Dialética do Esclarecimento mas sei que o tempo das aulas não é suficiente.

Romantismo

2006-05-28T19:54:00.000-07:00

A partir do Romantismo, a arte torna-se o modelo no qual outras áreas do conhecimento humano passam a se inspirar. Que conseqüências negativas podem advir, segundo Berlin, da adoção irrestrita de conceitos como o de auto-expressão plena, liberdade total (de criação, de ação, de expressão) e preocupação maior com os motivos do que com as conseqüências (dos próprios atos, por exemplo), conceitos tão caros ao campo artístico romântico?

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"O novo modelo romântico é aquele da arte.
O que faz o artista? Cria algo, expressa a si mesmo; não faz cópia, imita ou transcreve (isto é mera habilidade). Ele age, faz, inventa; não descobre, calcula, deduz raciocina. Criar é, em umc eto sentido, depender exclusivamente de si mesmo. Inventa-se tanto o objetivo quanto o caminho que a ele conduz." (pág.248)

"Toda criação é, em algum sentido, criação a partir de nada. Trata-se da única atividade totalmente autônoma do homem. Ela é libertar-se de leis causais, do mecanismo do meundo externo, dos tiranos, de influências ambientais ou de paixões, os quais me governam - fatores em relação aos quais sou um objeto na natureza, da mesma forma que árvores, pedras ou animais." (pág.248)

"Se a essência do homem é o domínio de si mesmo, isso constitui uma ruptura radical com o modelo mais antigo, dominado pela noção do lugar do homem no cosmos. A noção de leis naturais [...] é destruída; pois buscar ajustar-se a algo que obedece às suas leis próprias é o mesmo que obedecer a algo que não se pode determinar"(pág.248-249)

A partir do Romantismo,  a arte torna-se o modelo no qual outras áreas do
conhecimento humano passam a se inspirar. Que conseqüências negativas podem
advir, segundo Berlin, da adoção irrestrita de conceitos como o de
auto-expressão plena, liberdade total (de criação, de ação, de expressão) e
preocupação maior com os motivos do que com as conseqüências (dos próprios
atos, por exemplo), conceitos tão caros ao campo artístico romântico?

escultura nº 04

2006-05-06T20:24:00.000-07:00

Eis que a quase-escultura está pronta, falta o suporte. Não se sustenta, devendo ser então suspensa com arames, fios e algo assim. É um trabalho feito com ferros enferrujados e arames. se porta como um desenho e tem a materialidade de uma escultura, pelo menos é o que acho.
Se tiver alguém afim, eu vendo, claro! aguarde q estaremos com exposição em breve (será?).

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